RUIDO HORRIBLE

2011-12-26T21:58:00.001-08:00

Petrels - Haeligewielle (Tartaruga Records, TTRCD010, 2011)

De vez en cuando aparecen artistas cuyo más grande talento es una prodigiosa capacidad de síntesis; tal es el caso de Oliver Barrett, quien a través de su proyecto Bleeding Heart Narrative, ha ofertado una serie de álbumes pletóricos de los registros clave del llamado post-rock. Combinando una electrónica lejana a las más recurrentes obviedades dogmáticas y un empleo capaz y consistente de instrumentación acústica en que las cuerdas ocupan un lugar prevaleciente, Barrett genera en su proyecto alterno, Petrels, sonidos que recurren al dramatismo y al paisajismo sónico característicos de bandas como Godspeed You Black Emperor!, Labradford y A Silver Mt. Zion.
Petrels conserva ciertos rasgos que lo asocian inevitablemente con el resto de los proyectos que orbitan en torno a la disquera Tartaruga Records -These Feathers Have Plumes, Max Bondi, etc.-, un cierto enfoque que ostenta el empleo de instrumentos de cuerda arqueados con el de breves dosis de electrónica que inclusive bordea en lo ruidístico. Todo ello, claro, queda distribuido a lo largo de una procesión de paisajes sónicos cuasi cinematográficos, orientados hacia la proyección de una melancolía otoñal, frágil y deleitosa. Si sirve como propulsor de algún mecanismo imaginario, en la elocuente descripción del álbum ofrecida por la disquera puede leerse, "Haeligewiele cuenta una historia olvidada, sepultada bajo piedras y agua," y, tras más de una escucha detallada, estas palabras siguen resonando afortunadas.
La senda que "Haeligewielle" recorre en sus cuatro primeros cortes es etérea y mágica. A pesar de que es imposible no notar el incesante flujo de progresiones que va sucediéndose a lo largo de estos cortes, jamás parece tratarse de un intento a la prog-rockers de dar un -pedante- aire de complejidad al trabajo, sino de la elocuente sucesión de una serie de concisos y naturales trazos de una cuidadosa y clara direccionalidad.
Sin embargo, a partir del quinto corte, ocurre una suerte de partición de registros, repleta de resultados inesperados. "Concrete" abre con una inquietante y fantasmal secuencia coral, que se ve devorada por un emotivo crescendo de guitarras y cuerdas arqueadas, envueltas por mantos de delay. Bien podría tratarse meramente de un artilugio tecnológico, pero esta oleada coral resulta impactante, gracias a su imposición de delicadas reverberaciones emocionales que ofrecen ecos de una nostalgia embriagante. Los finales "Winchester Croydon Winchester" y "William Walker Stretches the Foundations" son los que más obviamente delatan los cimientos post-rockers de Petrels, con las compulsivas circunvoluciones melódicas de la primera y las sendas capas de atmósferas texturales generadas vía electrónica de la segunda.
"Haeligewielle" sorprende por su concreción, la cual le permite explorar una pasmosa pluralidad sónica sin dejar de lado una sensación de orientación y finalidad en cada uno de los temas; en este álbum, atmósferas cuasi-ambient, flujos orquestales, brotes de ruidismo y despliegues de sentimentalismo compositivo conviven y cooperan en la formación de un esquema complejo y preciso. Un gran trabajo que por alguna extraña razón no figura en las incontables, sobadísimas y repetitivas listas de lo mejor del año que he leído hasta el momento. Bueno, yo lo pondría en la mía. (S.S.)

2011-11-14T22:04:00.000-08:00

RUIDO HORRIBLE PRESENTA:

FIORELLA16 + NINIALIBÉLULA, MUZ-MUZ, HILARATURA CRAMA

RUIDO HORRIBLE PRESENTA:

FIORELLA16 + NINIALIBÉLULA, MUZ-MUZ, HILARATURA CRAMA

cooperación $25.00

Fiorella16 + Ninialibélula

ruido horrible se complace en presentar a los grupos peruanos Fiorella16 y Ninialibélula en un set conjunto como parte de su gira por México.
Circunstancialmente individual y casero, el proyecto utiliza sonidos provocados por guitarras, radios, casiotones y algunos tarareos vocales. Durante el 2004 y 2005 aparecen sus primeras grabaciones en compilaciones de sellos limeños como Super Space, Buh Records e Internerds . Durante el año 2006, “ Entra., entras ” (Ep debut con 11 titulos) es lanzado por el netlabel Alonet de Aloardi y posteriormente aparece con 2 tracks en compilatorios virtuales de AMP Rec y Mss estudios.

www.soundcloud.com/fiorella16
http://www.myspace.com/fiorella16
http://soundcloud.com/ninialibelula

muz – muz es una banda experimental / electroacústica de la Ciudad de México, que se especializa en la realización de presentaciones en vivo. Basan su sonido en secuencias, patrones y sampleos tomados de su habitat sonoro inmediato. Estas muestras sonoras son procesadas y mezcladas con texturas analógicas -trompetas, cuerdas, tornamesas- interpre tadas en directo para dotar los sets de una consistencia orgánica y profundidad electrónica: un retrato sónico impresionista. Todo esto está además sazonado con un compromiso con la improvisación como una filosofía radical que tiene por objetivo subvertir el mero entretenimiento, convirtiéndolo en una experiencia trascendental.

http://muz-muz.com/
http://www.myspace.com/00muzmuz

Hilratura Crama es un proyecto que conjunta fundamentos de acusmática, música concreta, ruidismo y música industrial en la confección de un sonido dinámico y potente. Hilratura Crama enfatiza el uso de instrumentos fabricados así como procedimientos y técnicas generados por los propios ejecutantes. Magnetismo, osciladores análogos, cintas VHS, circuit bending, engranes y resortes amplificados, técnicas extendidas, voz y looping fluctuando entre tensión y catarsis. Hilaratura Crama presenta su debut con una alineación que reúne a integrantes de la O.R.K., Los Heraldos Negros, Nébula Crack, Sub-División, amniosis y Los Malacopa.

http://soundcloud.com/ruidohorrible

2011-11-14T22:02:00.002-08:00

Merzbow - April 1992 (Green Records and Tapes, GR146, 2011)

La primera parte de la década de los noventas ve el florecimiento de lo que muchos llamarían japanoise. Entre 1990 y 1995, algunos de los trabajos consagrados de Pain Jerk, Violent Osen Geisha, Monde Bruits, Incapacitants, Hijokaidan, Dissecting Table y Masonna, entre otros, aparecerían ante el mundo con la delicadeza de una avalancha, sacando de balance las nociones establecidas de lo que puede/debe ser considerado arte/música/composición/et al. Sin embargo, si ha de señalarse a aquél que más abruptamente capturó la atención de los submundos sonoros -y de otros más superficiales- resulta necesario referirse a Merzbow. Trabajos como "Rainbow Electronics" (Alchemy Records, 1990), "Artificial Invagination" (Vanilla Records, 1991) o "Veneorology" (Release, 1994) constituyen paradigmas del quehacer ruidístico sumamente difíciles de equiparar.
Los registros de archivo del Merzbow de esta época lógicamente suponen, para aquellos asiduos al noise, verdaderos tesoros sónicos que permiten abundar en la impactante técnica creativa de Masami Akita. Como es bien sabido -y excesivamente discutido- la carrera de Akita es generalmente dividida en una más reciente -y agobiantemente repudiada- vertiente caracterizada por un empleo casi exclusivo de electrónica digital y en otra caracterizada por el uso de una compleja red de elementos acústicos y procesos, correspondiente precisamente a la primera parte de su carrera. "April 1992" es una cinta representativa, precisamente, de este periodo.
Esta cinta ejemplifica la riqueza de los recursos del Merzbow de aquel entonces; en su frenética alternancia de aparatos electroacústicos de fabricación casera, pedales, sampleos y manipulaciones de cintas resulta evidente la destreza del artífice, quien además recorre una extensa y variada senda de dinámicas ricas en texturas y formas. El violento y vigoroso rugido de las señales distorsionadas que se desprende del inicio de la cinta contrasta diametralmente con el bruitisme metálico que da forma a la conclusión de la misma. Los procesos, evidentemente forjados a partir de la manipulación de instrumentación analógica, son prístinos en su instauración y direccionalidad. En fin, "April 1992" se trata de un trabajo que, a pesar de constituirse básicamente como un registro de archivo -obvia decir que no posee la casi absurda potencia de los trabajos mencionados anteriormente-, sí puede referir con claridad a algunos de los mejores y más crudos momentos de la extensísima obra de Akita.
Mención aparte merece la inversión en la calidad de la cinta de cromo, que captura muy adecuadamente el infierno ruidístico de Merzbow. El empaque, perfectamente regular, parece insistir en esa pretensa de revival de la cinta a la old school en la que han caído los veteranos del experimentalismo en fechas recientes. Con todo, difícilmente harás una mejor inversión en ruido por apenas unos cuantos dólares; sólo que, dada la falta de premura en el envío por parte de la disquera, probablemente tengas que esperar, como yo, dos o tres meses en recibirla. (S.S.)

2011-11-14T22:01:00.001-08:00

v/a - "Viva Negativa! A Tribute to the New Blockaders Volume IV: Japan (Alchemy Records/Uplink Records, s/n/ULR-023, 2010)

Cuando en 2006, "Viva Negativa! - A Tribute to The New Blockaders" apareció, Vinyl on Demand dio conclusión a un exhaustivo proceso de selección y edición. Ante la convocatoria de la disquera de Frank Maier, la reacción de la comunidad noisera y experimentalista fue simplemente abrumadora; la edición original de "Viva Negativa!" acabó ciñéndose a dos volúmenes que presentan, en un total de 8 lps, a más de setenta artistas de los más diversos rincones del mundo, los cuales ultrajaron, a manera de homenaje, los sonidos de The New Blockaders, mostrando las muy variadas formas en que se puede interpretar el papel de un proyecto fundacional.
Para poder hacer esta monumental obra ligeramente más asequible, cuatro disqueras se dieron a la tarea de separar en cuatro volúmenes el total de esta obra en 2010, dándole un giro geográfico al asunto al dividir las contribuciones en versiones americana, británica, europea y japonesa. Ante las cuatro, resulta difícil decidirse; cada una ostenta alineaciones sumamente atractivas y reminiscentes de las recopilaciones de la primera historia del noise, en cuanto a que las selecciones resultan extraordinarias por floridas y representativas. Sin embargo, en lo personal, la última, la nipona, editada por Alchemy Records, me resultó la más fascinante. Basta con observar de reojo la granada reunión de pesos pesados que dan forma a este trabajo para comenzar a salivar: Algunos de los más afamados exponentes de la vieja escuela del japanoise como MSBR, Merzbow, Kazumoto Endo, Thirdorgan, Astro, Government Alpha, Violent Onsen Geisha, K. K. Null e Incapacitants se alían a artistas relativamente menos conocidos como Imustak, Kouhei Matsunaga e Hitoshi Kojo (con sus proyectos Plexia y Bloxus), sólo por mencionar a algunos.
El resultado es un compilado bastante fuerte que sorprende por su heterogeneidad, dado que los sonidos que forman las composiciones provienen, en su mayoría, del archivo de The New Blockaders. Esta diversidad llega a ser tan exhuastiva que incluso le hace a uno sospechar si realmente se observó la condición de emplear como fundación de cada uno de los temas el material crudo de TNB. Temas como "Oozing Ruin" de K2 o "Extrict Raag" de Bloxus suenan tan propiamente genéricos -el primero en el aspecto harsh noise y el segundo en su enfoque tonal, musicalizante rayano en el ambient- que cuesta trabajo identificar la rúbrica de los Rupenus. Otros, a pesar de hacer resonar indeleblemente la identidad de sus creadores, dejan al material sonoro respirar lo suficiente para hacerlo identificable. Tales son los casos de la volcánica "Naue No Hi" de Astro, que hincha los rugosos sonidos de los Blockaders en una esfera de reverberación incontenible, de la dinámica -en sentido harsher- "Oumagatoki Part 3" de Merzbow o de las orgánicas "Ikomayama Twilights Before Kryptal Nights of the Night" y "RELB" de Guilty Connector y Aube respectivamente.
Como en todo compilado, hay temas que parecen simplemente no dar el ancho, siendo el caso más obvio el de "Variahb" de Plexia, quien se escuda tras una insondable murala de síntesis granular para efectuar una reconfiguración práticamente automática de algún otro tema o, sorprendentemente, el de Incapacitants que cede al cerrado patrón de la pared de ruido sin más. Sin embargo, los que afortunadamente se asientan en la memoria son los grandes cortes de K. K. Null, quien hace de "Song X" un reverberante santuario de ruido y convulsión orgánicas, Crack Steel, que cava grotescos túneles de drones semiestáticos de los resuellos laminares de las sinfonías ruidistas de los Rupenus en "Frozen Roses for the Gates of Dawn," Kouhei Matsunaga, quien imprime una compleja multidimensionalidad a su tema alternando espasmódicos loops en diversas velocidades y ofreciendo un ataque sensorial que se cuela a lo largo de todos los rincones del espectro con parsimonia y efectividad o Thirdorgan, quien hace un seguimiento portentoso de la rúbrica de TNB, pero haciendo que todo suene aún más violento y sucio en un patrón industrial perfecto.
De todo hay en esta recopilación: tanto ruidistas aferrados al embate orgánico-analógico, como artistas sonoros que pertenecen propiamente a la era digital, torciendo sus elucubrantes maquinarias invisibles para producir precisas composiciones. Todos arremeten contra el material de The New Blockaders con energía e inventiva, haciendo aflorar sus identidades al tiempo que ofrendan una amplia visión de la diversidad sónica que contempla el industrialismo sónico: Collage, musique concréte, noise, síntesis granular, dark-industrial, HNW, todas éstas y más vertientes son ejemplificadas y enunciadas por exponentes legítimos, dando una breve idea de qué tan importante ha sido el papel de la "banda" inglesa en la confección de las ideas experimentalistas desde hace treinta años.
"Viva Negativa! A Tribute to the New Blockaders Volume IV; Japan" resulta el más elusivo de los volúmenes, y también el más costoso -por mucho-. Pero también es un trabajo que seguramente resultará degustable a aquellos que aman el extremismo sónico, al tiempo que ofrecerá una adecuada introducción para quienes deseen adentrarse en los terrenos del ruido. (S.S.)

2011-11-14T22:00:00.000-08:00

Bizarre Uproar - Purification (Freak Animal, FREAK-CD-051, 2010)

Pasi Markkula es la quintaesencia del provocador post-industrial. La crudeza y la sordidez del material que suele publicar generalmente le vale ser vetado de prácticamente cualquier tipo de medio de difusión, al grado que, a la fecha, tras más de quince años de carrera, su proyecto sigue siendo una suerte de secreto a voces fuera del circuito del noise.
Como anteriormente hicieran Whitehouse o Macronympha, Bizarre Uproar, su proyecto, aborda sin concesiones algunos de los tópicos más escabrosos que permean hoy en día en las sociedades: totalitarismo, perversión y violencia son temas explorados visual y líricamente con profusión y explicitud y sin el más menor atisbo de mojigatería. La visión expuesta por Bizarre Uproar es pesimista; el ser humano no es sino un animal cuyos designios están supeditados meramente a sus instintos. No hay nada bello en lo humano; el total de su concepción, después de que los discursos y lo sermones han sido dichos y olvidados, se reduce a sangre y mierda. No es sorpresa entonces que el título que tentativamente ostentaba este cd antes de su edición original en 2009 fuera el de "Purification through Blood and Excrement."
"Purification" es una proyección sórdida, primitiva. A primeras oídas, su sonido podría ser encasillado como lo-fi, pero una escucha más cuidadosa revelaría la inversión que en este disco se hizo por sostener un registro extenso y crudo, sin ningún tipo de compresión. El estruendo sordo que acompaña a cada uno de los cortes que lo conforman es una sacudida telúrica constante, que es rematada por dosis de feedback cortante y el quebranto metálico de láminas, cadenas y maquinaria. El sexto corte no sólo es el cenit de esta particular rúbrica ruidística de este álbum, sino que además es una de las muestras más perfectas de noise generadas en tiempos recientes. Es el violento disparo de una estampida de vibraciones a través de un trabajo textural rico y grotesco.
Pero no se trata del único corte que se distingue; el total de los temas sostiene esta atmósfera oprobiosa, con algunos volcándose hacia el empleo de vocales a la power electronics y con otros concentrándose en violentas sacudidas de harsh noise grave y pesado. El conocimiento del contexto post-industrial que Pasi posee le otorga la facilidad de integrarse lo mismo a una rúbrica genérica que a otra sin abandonar jamás su identidad. "Purification" es un trabajo sumamente logrado, cargado de una visceralidad sobrecogedora y de una potencia muscular, violenta.
La tercera edición de este trabajo aparece a cargo de Freak Animal, sintetizando el arte de cubierta de las versiones anteriores escuetamente y mostrándose firme en su insistencia por aminorar la masterización en aras de preservar la grotesca cualidad del trabajo original. (S.S.)

2011-11-14T21:58:00.000-08:00

The Haters - Multiprotocol Lexicon Switching (Phage Tapes, PT:154, DOSE102, 2011)

Desde los créditos no queda muy en claro cuantos performers participaron en la conformación de los sonidos de "Multiprotocol Lexicon Switching," pero el sonido es tan rico que no me sorprendería que se tratara de más de un par. No sólo se encuentran en esta cinta las regulares circunvoluciones que conforman el clásico sonido de The Haters, sino que además queda una suerte de fluctuación electrónica flotando, acompañando el ruido lúbrico, totalmente maquinal que se posa como centro total de las piezas.
La cara A es pura maquinaria grotesca. Sombras grises profundas entintan las visiones de corrosión y metal que conforman esta masa de retorcidas sierpes mecánicas. El feedback de micrófonos taladra con su descontrolado vaivén. La cara B es aún más caótica, con un percusivo golpeteo -parte martillo, parte estática- dictando un sendero repleto de herrumbre magnética, más retroalimentación y atmósferas venenosas. Experimentar este corte, grabado en vivo, es como tener una butaca de primera fila en un deshuesadero que trabaja al tope, torciendo metal, rompiendo cristales, aporreando tuberías, comprimiendo materia en su más redundantemente infinitésima forma posible.
Esta vibra aural sucia y decadente, sin compresión alguna, sólo podría ser registrada adecuadamente en cinta, lo cual es realizado gloriosamente por Phage Tapes en cintas profesionalmente replicadas, adornadas además con serigrafía tanto en el cassette como en la j-card. Lo único que echo de menos es alguna descripción de cómo se realizaron los sonidos registrados. Ya sé que siempre es bueno emplear la imaginación, pero en el caso de The Haters la realidad siempre tiende a ser más alucinante. (S.S.)

2011-10-16T21:21:00.002-07:00

Loopool - Break, Broken, Broke (Ilse, Ilse 2, 2011)

Sonidos sintéticos dan forma a una procesión de nueve noctámbulos temas en el más reciente trabajo de Jean-Paul Garnier, mejor conocido como Loopool. El andar de estos temas es parsimonioso y tiene por base, en su mayoría, las órbitas de oscuros loops. Las combinaciones impuestas sobre éstos son, a su vez, variables: desde los obligados giros de ingrávidas astillas sonoras puestos en marcha por delays, hasta las cautelosas intromisiones de voces susurrantes y de los graznidos y repiques electrónicos de sintetizadores.
El sonido de "Break, Broken, Broke" podría afiliarse periféricamente al dark ambient en cuanto a que las oscilaciones que lo constituyen remiten a ambientes graves profundos y densos. Aunque esto no debe ser confundido con las obviedades genéricas diseminadas post-"The Place Where the Dark Stars Hang." Loopool parece, en cambio, estar recurriendo a la retórica sónica de artistas como los primeros Nocturnal Emissions, Severed Heads o Coil -sería interesante comparar estos temas con los incluídos en el primer volúmen de la retrospectiva "Unnatural History"- en su creación de ambientes que son tan claramente industriales como atmosféricos. La conformación de los temas es sumamente rudimentaria; la base es clara en su trazado sin caer en las planicies, los overdubs son escuetos y puntuales y la gama tonal es somera. Todo este sincretismo devela un gran esfuerzo en aras de brindar un sonido turbio y granular que remita efectivamente a un ideario sonoro pre-era digital, pre-internet. Es decir, lo que el grupete de Sasha Grey quisiera poder hacer.
Cada vez que escucho un nuevo trabajo de Loopool me resulta obvio que este proyecto surgió en la era equivocada. Su registro y poética decididamente no coinciden con los del resto de los artistas experimentales de estos tiempos; a veces, su enfoque es decididamente inocente, como en el caso de "Preemptive Strike," en su seguimiento obsesivo de un sonido atractivo, otras sumamente cuidadoso siguiendo incisivamente patrones de revival, como en "Irruptions - Dead Mix" o en "Lost in the Murk" y en otras ocasiones siendo llanamente puntual en su producción de cortes deleitables, como en los casos de "Head Kick Headache," o de "How Long Would You Wait in Hell." En "Break, Broken, Broke" no quedan trazas del nihilismo que prevalece en el mundo post industrial, sino una disposición y un afán por buscar y lograr.
Dudo que este trabajo pueda llegar a consagrarse como un clásico algún día, pero, si hay algo que indudablemente puede leerse en esta serie de composiciones es que Garnier cree en el poder de las obras y en la necesidad de confeccionarlas con cuidado y empeño. Con la evidencia encontrada en este álbum, no me sorprendería que Loopool pronto llegara a hacer trabajos que bordearan en lo grandilocuente. Quizás lo único que le hace falta para ello es deshacerse de esa aplastante carga de nostalgia que lleva a cuestas, porque identidad y medios -lo más difícil de conseguir- ya tiene de sobra. Por cierto, buen trabajo en la edición de la joven y prolífica Ilse. (S.S.)

2011-10-16T21:21:00.001-07:00

Custodian - The Weight of Tension (Phage Tapes, PT:126, 2010)

Abriendo con un loop totalmente maquinal, Custodian va sumergiendo a su escucha en su explosivo set de dinámicas en "The Weight of Tension." En los intermitentes y abruptos cortes realizados a lo largo de la cinta, los loops van estableciendo las rutas las más de las veces, pero el poder de Custodian en realidad no yace en su fuerza -que de por sí es notable-, sino en las descargas de estruendosos graves que contratacan y muchas veces nublan por completo la composición. Como complemento, el borde agudo es metálico, ácido y en él interviene poco la retroalimentación. El empleo de vocales guturales distorsionadas también es sobresaliente. En general, en la cinta no se dan excesos de frecuencias, pero, con todo, el espectro estudiado en ella se siente bastante completo y contundente. La segunda cara de la cinta, de hecho, avanza con tal precisión que se siente nivelada y secuenciada al grado de la perfección, desandando imaginarios telúricos de ruido y magnetismo usurpado como solo Hum of the Druid lo hace en el tiempo presente.
Con menos de una decena de publicaciones, Custodian se ha mostrado como una de las pocas voces del harsh noise actual que realmente tiene algo que decir. Su producción es muscular, estudiada y perfectamente discernible y, como muestra de ello, el cassette aquí reseñado es perfecto. Esta cinta, en buena medida ignorada ante la avalancha de producciones de HNW que aparentemente ocupa la imaginación de los escuchas de noise, es una referencia obligada. Ataviado en un ingenioso estuche de cartón con serigrafía en interior, exterior y cinta, éste es otro ejemplo de la incansable y generosa labor de difusión que Phage Tapes ha venido realizando. (S.S.)

2011-10-16T21:20:00.001-07:00

Blue Sabbath Black Cheer & Irr. App. (Ext.) - Skeletal Copula Remains (Gnarled Forest/Errata In Excelsis, GF42/eie010, 2011)

La relación de trabajo entre los alquimistas aurales Matthew Waldron y Stan Reed ya es algo longeva; con todo, el que unieran fuerzas para realizar un larga duración no deja de ser inquietante. La interrogante de cómo se podrían conjuntar dos rúbricas sonoras tan divergentes es mayúscula; el sonido del proyecto de Waldron, Irr. App. (Ext.) es ampliamente onírico y, en mucho, basado en el pastiche, y el de Blue Sabbath Black Cheer, proyecto de Reed junto a wm. Rage, resulta más bien violento y propiamente harsher, en toda la extensión de la palabra. Aún tras múltiples escuchas de "Skeletal Copula Remains," sin embargo, la respuesta seguirá siendo imprecisa.
Siendo conciso, podría decirse que en este álbum persiste el juego con los implementos del estudio con el que tanto han experimentado Waldron -en su propio trabajo como irr. app. (ext.) y como parte de la actual formación Nurse With Wound- y Reed -en su antiguo y fantásticamente delirante proyecto Broken Penis Orchestra-. La senda que el álbum sigue, al menos en su primera cara, es la de la deconstrucción de lo que parecen decenas de muestras sonoras, de modo que la agresión queda un tanto supeditada aunque latente en muchos de los fragmentos sonoros que fueron hechos pedacitos.
Los dos cortes en la cara A -"Subterranean (Insurgence)" y " Brennschluss --> Extinction "- son temas primordialmente exploratorios. En ellos, voces indescifrables e intrumentos inusuales, sumidos en reverberaciones, son empleados para producir ominosas y extensas proyecciones timbrales. Los instrumentos convencionales también están allí -sintetizadores y guitarras eléctricas- pero su papel parece ser mayormente coyuntural, atando extensiones de sonido con otras o complementando alguna construcción para darle mayor peso. Del mismo modo, las grabaciones de campo están discretamente presentes fungiendo como un bizarro complemento; gruñidos de cerdos y graznidos de aves se posan cuidadosamente entre las tóxicas capas de sonidos grises.
Los dos cortes que forman la cara B de este vinilo son más concretos. La implementación de una secuencia a través de los acordes de una guitarra eléctrica otorga un aire percusivo y constante que se intercala con cuadros más amorfos, abiertos y delirantes. La combinación de una direccionalidad relativamente obvia con la de los vacíos formales de la musique concréte es bastante inusual y podría llegar a sentirse inadecuada, de no ser porque los compositores se tomaron su tiempo para establecer cada cuadro, explorarlo y dejarlo partir. Estos dos temas -"Crawling Eruptions" y "Gluttons," imposibles de desentrañar uno del otro- ofrecen una cara muy diferente de esta unión, una que ofrece un sentir mucho más orgánico y profundo. Las muestras a partir de las que se componen los cortes no resultan tan elusivas ni se sienten tan en necesidad de complementareidad; por sí mismas establecen imágenes y direcciones.
Mis palabras se quedan cortas. Puedo detallar, hasta cierto punto, los sonidos presentes en "Skeletal Copula Remains," pero esta descripción no podría, ni remotamente, enunciar las retorcidas y fascinantes conjugaciones imaginarías que sus registros persiguen. Para eso sugiero observar detenidamente la cubierta del álbum y el enorme póster incluído, diseñados por Reed o el inserto diseñado por Waldron, los cuales hacen de todo el asunto algo aún más significativo. Un trabajo impecable. (S.S.)

2011-09-16T15:47:00.000-07:00

RUIDO HORRIBLE: KAYAKA (Japón/Inglaterra), ROLANDO APOLO (Perú) y STALAKTOS (México) en concierto el 30 de Septiembre en EX TERESA

Ruido Horrible se complace en invitarlos al recital de música experimental que se llevará a cabo este viernes 30 de septiembre en Ex Teresa Arte Actual. La entrada es libre:

Kayaka (Kaya Kamijo) es una artista de origen japonés que actualmente reside en Londres y que se dedica a trabajar dentro del contexto de la música experimental y el noise. Su trabajo se basa en la improvisación efectuada a partir de software, circuit-bending e instrumentos tradicionales, así como en la construcción de instalaciones sonoras. Con su particular estilo sonoro, que podría calificarse como psicodélico y trippy, Kayaka se ha presentado en festivales y conciertos en España, Alemania, Grecia, Bulgaria, La República Checa y muchos países más.

www.pigholemusic.co.uk
kayakaofpighole.blogspot.com

Rolando Apolo es un artista peruano cuyo trabajo audiovisual está basado en el uso de tecnología lo-fi y el reciclaje electrónico en prácticas como el circuit bending y la fabricación de herramientas caseras, utilizando transductores, osciladores y sensores, además del procesamiento de señales en entornos de programación gráfica.
En solitario y como miembro del colectivo TRIAC ha sido invitado a participar en eventos artísticos de diversa índole tanto nacionales como internacionales, ofreciendo conciertos de música experimental, sesiones stream, exposiciones, ponencias y dictado de talleres relacionados a la electrónica y el arte.

myspace.com/rolandoapolo

Stalaktos, proyecto musical de los hermanos Carlos y Marco Fierro, se remonta a 1993, cuando ambos participaron en numerosos proyectos de death metal, hardcore y jazz. Como Stalaktos, la música del dueto evoca pulsos electromagnéticos espontáneos, inmersivos y hasta subsónicos que emergen desde el subsuelo. Sus exploraciones prescinden de los genérico y se remiten a una amplia variedad de contextos sonoros, donde la pasión dicta la ruta a seguir.

stalaktos.com
myspace.com/stalaktos

2011-09-16T15:44:00.000-07:00

K2 - Isodoping (Robert & Leopold, R&L013, 2011)

En estos días, K2 ha regresado a sus antiguos afanes prolíficos, editando seis álbumes en cinta y cd en apenas un par de años. Y a pesar de que lo prolífico en más de una ocasión se encuentra peleado con la calidad (sólo hay que pensar en las abrumadoras y no necesariamente excelsas direcciones que han tomado las carreras de Nurse With Wound, Merzbow y Boris, por ejemplo), es un hecho que pocos ruidistas hoy en día tienen la capacidad de producir harsh noise tan perfectamente invasivo y completo como Kimihide Kusafuka. En esta cinta, sobriamente editada por la aún joven disquera Robert & Leopold, no hay más que eso exactamente:
"Pollution Game in Secret" es una pieza de harsh noise que sorprende por cáustica, basada en la distorsión y complementada por violentos exabruptos; su sonido es absorbente y abarca terrenos extensos. Pero sus planes son ésos de morir joven y dejar un bonito cadáver; apenas tras poco más de un par de minutos, el tema se desintegra, dando paso a la parte más extensa y compleja de este trabajo. "Level 7" es un intenso track de más de 20 minutos de hiriente, hiperquinético ruido que corre veloz y ágilmente entre flujos de distorsión modulada y estrepitosas paredes de silencio. La gama sónica de la cinta se concentra en los medios, provocando un estruendo físico enervante; aunque, eso sí, las secciones baja y alta no quedan jamás inexploradas. La amalgama de cortes de ruido de K2 es dinámica y ácida; su sonido no tiene nada de psicodélico; en "IsoDoping" no hay tiempo de viajar, uno solamente puede sentarse a someterse a golpe tras golpe de férreas descargas de noise brutal.
Al método de composición de "Invisible Terrors in Fukushima" -tema que cubre la cara B- lo delata el frenético ritmo de la grabación con que comienza; la manipulación de cintas se hace evidente como el complemento a los inconstantes bleeps de electrónica en pleno abuso y a los frenéticos cambios de parámetros. El método de K2 aquí es uno de los clásicos en la constitución del harsh noise; la abrupta, casi aleatoria reconfiguración de segmento tras segmento de abuso sonoro en una suerte de collage extremo. A lo largo de la extensa pieza no existe nada a que asirse entre la furiosa tormenta de escombros de ruido blanco, saturaciones plenas y efectos desbocados. Kusafuka explora plenamente todo el rango aural en este tema, subiendo y bajando, cortando y pegando, dejando libre y sellando, contagiando como plaga una extrema sensación de ansiedad y frenesí.
Estilísticamente, "IsoDoping" es sumamente diferente de los trabajos por los que K2 es más conocido, aquellos en que el abuso sonoro de piezas de chatarra es más común; esta cinta guarda mayor semejanza con trabajos recientes como "Abdominal Electricity," en el cual el sonido delata el permanente empleo de efectos, sintetizadores y generadores de ruido. Sólo que esta cinta es aún superior. "IsoDoping" es un fantástico testimonio del paulatino resurgimiento de uno de los grandes del noise, un antídoto a la indolencia de otras planicies genéricas. (S.S.)

2011-09-15T18:46:00.000-07:00

Cultus Sabbati - Descent into the Maelstrom (Buh Records, BR28, 2011)

"Descent into the Maelstrom" de Cultus Sabbati me resultó sorpresivo de principio a fin. Al comenzar a escucharlo, me parecio que no se trataba de una muestra más de drone de mediana/baja calidad. Y es que la abridora "Adrift at Sea" me resultó, sin más, plana, vaga, sin sentido. Afortunadamente, la subsecuente "Walls of the Abyss" casi inmediatamente comienza a dibujar algo más interesante. Vocales susurradas saltan inesperadamente del fondo a la superficie; guitarras se destienden discretamente acumulándose en su espesura mientras oscuro feedback, grueso y trepidante, repta enorme a través de la pieza, asentándose, consolidándose, dominando, devorando.
A pesar de la obvia proyección lo-fi, a cada instante se hace evidente la direccionalidad incontenible a la que este grupo se suscribe, combinando adecuadamente elementos de noise, doom sumamente trastocado, dark ambient, power electronics y drone para forjar una proyección redonda y totalmente orgánica -realmente me sorprendería descubrir que hubiera habido mucho tratamiento/edición a los originales-. Pero lo más sorprendente, en realidad, es cuán únicos suenan.
Los temas de Cultus Sabbati son eminentemente físicos, buscando una crudeza directa y una corporeidad inmediata. Sus composiciones son manifestaciones oscuras, fantasmas electromágneticos cobrando forma escuetamente. Sus sonidos no fueron creados, sino invocados.
La espontaneidad de Cultus Sabbati puede rastrearse, por ejemplo, en un corte como "Tempest Edge" y en algunos de los despegues y aterrizajes de las piezas, los cuales dejan entrever que la estructura de los temas -afortunadamente- no está pulida al cien.
En consecuencia valdría la pena comprender este trabajo como una selección de momentos álgidos, basados en las fortalezas de la banda. Entre estas fortalezas, sin duda, puede rastrearse un carácter compulsivo, una persistencia sonora casi enferma. El tema que da nombre al disco, por ejemplo, evidencia un enfoque instrumental obsesivo, rayano en la manía. Su descenso es profundísimo, abisal y su resultante es totalmente mesmérica. Pero, bueno, así es casi todo el disco, de cualquier modo.
Tenía tiempo que no me topaba con un disco que fuera bueno, precisamente por espontáneo; "Descent into the Maelstrom" es un buen augurio, definitivamente. Hay que mantener la fe. (S. S.)

2011-09-15T15:12:00.000-07:00

Militia - Power! Propaganda! Production! (Neuropa, NRP29, 2011)

"Power! Propaganda! Production!" es el trabajo que lentamente parecía irse delineando a partir los más recientes trabajos compilatorios de Militia, esa anacrónica delicia marcial-industrial proveniente de Bélgica y liderada por Frank Gorissen. Como podría esperarse, la mera existencia de este trabajo resulta paradójica, mostrando al sexteto enarbolando una especie de idealismo izquierdista eco-anárquico, el cual resulta inequívocamente manchado por la tinta indeleble de códigos de barras, maquilas y herramientas de distribución. Y aún con el cinismo que implica tomar estos inevitables detalles en cuenta, la ingenuidad y la energía de este álbum me parecen refrescantes, un afortunado elíxir contra el desbordante pesimismo que sacude al mundo y, particularmente, al de la música post-industrial.
Militia remonta sus orígenes a mediados de los noventas, iniciando precisamente en la época en que los estandartes de la izquierda industrial -siendo los más obvios Test Dept.- comenzaban a decaer. Leyendo la entrevista que Mikko Aspa hizo a Gorissen para el último número de Special Interests, podría incluso parecer que el líder de Militia no está plenamente consciente del final de aquella era, sosteniendo su afiliación a un movimiento entrañable, pero decididamente muerto. Y es mediante este idealismo -o necedad- que Militia produce este álbum, por el cual no pasa filtración alguna de drone, noise o de los soundscapes más característicos de la música post-industrial actual. Lo que queda en cambio es un álbum que es sólido, sin espacio ni calma para devaneos, y que resulta eminentemente musical, con temas basados en un inflexible modelo compositivo que por algunos momentos se siente torpe, cansado y que en algunos otros ayuda a producir deleitosos instantes de genialidad.
Algunos temas de "Power! Propaganda! Production!" resuenan a los presentados en producciones anteriores de la banda. Sus loops, sus elementos propiamente musicales, si no son los mismos, al menos establecen una triste recurrencia. Las limitantes características de los anteriores trabajos de estudio de Militia persiste aquí; la línea central viene dictada por el poderío percusivo de la banda y las vocales secas y militantes de Gorissen, pero las líneas melódicas se basan en formulas exhibidas hasta el hastío. Como muestran apabullantemente sus producciones realizadas en vivo, Militia se trata primordialmente de una banda que debe apreciarse en directo; es más que evidente que su potenciación no ha sido, hasta el momento, propiamente capturada en estudio.
Temas como "Cash, Crash and Crisis" -pieza instrumentalmente eficiente, pero entumecida por el excesivo uso de consignas-, " Üb Immer Treu Und Redlichkeit" -tema en el cual el acompañamiento electrónico musical es tan llano que debilita la potencia de lo percusivo- o " A Kite Of Glass In A Blood Red Sky" -el cual parece haber sido compuesto por números- son muestra de las dificultades que Militia aún debe superar. Por otro lado, aquellos temas en que la banda se decide a imprimir su identidad con mayor fuerza son decididamente fascinantes. "Power to the People," con su prístina representación del brillo metálico de los instrumentos que aporrean y la cuasi tribal gravedad de sus tambores, tiene una dinámica cuando menos contagiosa. El empleo de sampleos en su construcción es rudimentario y reminiscente de la época de más exposición de las bandas post-industriales. La subsecuente "Power! Propaganda! Production!" busca ser igual de entrañable e indudablemente logra, mediante su hipnótica mezcla de ambientes y repetición mecánica, atrapar la atención del escucha.
"Power! Propaganda! Production!" probablemente no sea el mejor álbum de la banda ni el más logrado dentro del género. Pero con todo, posee una cierta pureza sónica, una paradójica ingenuidad en plena era de la comunicación que hace que su proyección sea más que afortunada.
Un regreso más que bienvenido. (S.S.)

2011-08-02T22:54:00.000-07:00

1. Dave Phillips, Mark Solotroff y Los Heraldos Negros en ExTeresa

2. Nuevas producciones: Karkowski+Galarreta+Paruro, Prisionero13 y Vulgar Disease

3. Dave Phillips en gira mexicana/latinoamericana junto a Rolando Apolo, David Kontra, Jaime Lobato, La Función de Repulsa y más.

4. La Función de Repulsa en el MUAC de la Ciudad de México

1. ruido horrible se complace en invitarlos al recital de noise, performance y música experimental/extrema que se llevará a cabo el día 1ero de septiembre en Ex Teresa Arte Actual (Licenciado Verdad 8, Centro Histórico, a un constado de Palacio Nacional, Metro Zócalo) a las 20:00. La entrada no tiene costo. En este evento participarán los artistas Dave Phillips, Mark Solotroff y Los Heraldos Negros. Acontinuación, una breve semblanza de sus carreras.

Dave Phillips es un artista suizo que ha sido parte, desde mediados de los años ochentas, de las escenas hardcore y noise, tanto en sus proyectos dentro de la comuna Schimpfluch-Gruppe como en la banda Fear of God. Para su presentación en este recital, Phillips realizará una acción física y confrontacional, cuyo objeto es comunicar visiones, preguntas, pensamientos y críticas existenciales, íntimas y personales a niveles sociales, personales y globales a manera de catarsis humanística y polémica, una curación chamánica basada en el espíritu de lo empático.

www.tochnit-aleph.com/dp/

Mark Solotroff es un artista que reside en Chicago y que desde 1984 realiza sus obras a partir de medios visuales, sonoros y performáticos extremos. Solotroff es fundador de las legendarias agrupaciones de power electronics, noise y doom Intrinsic Action, BLOODYMINDED y Anatomy of Habit. En su método performático, Solotroff crea patrones sonoros a partir del uso y abuso de feedback y loops empleando nada más que su voz, un puñado de micrófonos y un sistema de direcciones públicas.

bloodlust.blogspot.com

Los Heraldos Negros de México D.F. es un proyecto sónico que aborda la acusmática a partir de una diversidad de herramientas, tales como el empleo de grabaciones de campo (field recordings) y grabaciones encontradas (found recordings), el looping y el sampleo. Los Heraldos Negros conformará una composición mezcla de catarsis e invocación, abordando la temática de la violencia, para lo cual hará empleo tanto de proyecciones como de material sónico cuya base provenga de contextos de este tipo.

myspace.com/heraldosnegros

Para más información, visita ruidohorrible.blogspot.com o la página de Facebook del concierto.

2. En este concierto, además, ruido horrible estará presentando 3 títulos nuevos de nuestro catálogo:

rh060/alo33 Zbigniew Karkowski + Christian Galarreta + Paruro - Ruido al Paso 1 DVDR. Este dvdr documenta la colaboración entre estos tres experimentalistas llevada a cabo a lo largo de distintas ciudades del Perú y contiene video, audio, fotografías y escritos explicativos del concepto del Ruido al Paso. Primera colaboración entre Aloardi y ruido horrible.

rh065 Prisionero13 - Reporte de Guerra CDR. Violento y cáustico debút del proyecto de power-electronics/harsh-noise mexicano Prisionero13, retratando la enfermiza espiral de violencia que sacude a México a través de audio robado de narcovideos, narcocorridos y furia vocal y ruidística.

rh066 Vulgar Disease - Peyote CDR. Fascinante y delirante proyecto de experimentalismo que circunda las periferias del dark ambient y el noise. Pueden escuchar una muestra de este intoxicante trabajo aquí.

Próximamente: Francisco Lopez + Jorge Reyes, Kikiilimikilii, Isidro Reyes y Tica.

3. Dave Phillips también se estará presentando en una gira a lo largo de Latinoamérica, con varias fechas en México.

El día 2 de septiembre se estará presentando en un recital más directamente performativo junto a Rolando Apolo (Perú) y Jaime Lobato (México) y David Kontra (México) en Volta. Para más información da click aquí, o visita la página oficial de VOLTA.

Desgraciadamente, el concierto en Toluca ha sido cancelado por cuestiones logísticas.

Información acerca de los conciertos en Tamaulipas puede encontrase aquí. Éstos se estarán realizando el día 3 de septiembre (junto a La Función de Repulsa, Deathcrush, Disgoreanized y Cielo / Infierno!) y el día 5 en la Cineteca del Centro Cultural Tamaulipas.

El 8 de septiembre, Dave regresa al D.F. para presentarse en el Centro ADM.

Finalmente, el 9 del mismo mes, se presentará en la Galería 904 de Mérida, Yucatán, y el 10 en el Museo Macay.

A continuación un detalle (no muy actualizado) del tour.

4. Finalmente, me gustaría invitarlos al concierto que se estará realizando el día 27 de agosto, con la Legendaria banda tamaulipeca La Función de Repulsa en el MUAC de la Cd de México, junto a Huixtralizer. El costo de la entrada es de $100

ruido horrible

s.s.

2011-04-14T17:53:00.001-07:00

Entrevista a Christian Galarreta por Jorge Gutiérrez

(elec(hrs)tromagnetismo - Homenaje a lo efimero
31-05-2010 México DF - Fabian Cadenas)

Jorge Gutiérrez, conocido en la escena tijuanense por su trabajo con Claudia Morfin, tuvo ocasión de entrevistar a Christian Galarreta justo antes de que éste partiera hacia Europa el año pasado. Jorge generosamente ha decidido compartir esta entrevista con ruido horrible; así que, sin más preámbulos, aquí queda con ustedes. Agradecemos a Jorge y a Christian por la entrevista así como a Fabián Cárdenas y a Sabrina Melenotte por las fotografías que han servido para ilustrarla.

Entrevista a Christian Galarreta (Perú)

Conocido por ser un transgresor estocástico y caudillo laptopero, para Christian Galarreta la creación sonora es una forma de desobediencia y reorganización social.

Explorador sonoro, artesano del ruido/silencio y uno de los compositores de la música contemporánea más arriesgada de Latinoamérica, podrían ser solo un puñado de etiquetas demasiado complicadas para un personaje como Christian Galarreta (Perú, 1976), para quien lo único importante es el poder crear música y vivir todo el tiempo metido en eso sin que lo de afuera lo toque. Como resultado de esa búsqueda y desde 1995 el peruano es responsable de facturar más de 50 producciones en sellos disqueros de todo el mundo, ya sea en colaboración con otros artistas, así como en solitario. Galarreta es reconocido por protagonizar la escena experimental limeña desde los noventas hasta la fecha con tres de sus proyectos más importantes: Dios me ha violado; Evamuss; y Tica, entre otros. Es fundador del sello independiente Aloardi, una comunidad de artistas multidisciplinarios que se dedica a promover la investigación del sonido y la cultura tecnológica. Actualmente se dedica a la exploración de interfaces y sistemas autorregulados plasmando de esta manera abismos de ruido y silencio mediante el aprovechamiento del mal funcionamiento de los aparatos, la fabricación casera de instrumentos sonoros y la inducción controlada de error en el software.
Luego de una residencia en la Ciudad de México, otorgada por haber ganado el premio 2008 por su instalación sonora Amarus, junto a 33 trabajos más dentro del marco del primer concurso Residencias Artísticas de Iberoamérica, aprovechamos para hacerle una entrevista antes de su partida hacia el viejo continente.

Jorge Gutiérrez: ¿Cómo fue que descubriste que tu lenguaje personal estaba en el sonido, en la música?

Christian Galarreta: Primero, mucho antes de hacer música, ya estaba experimentando más que nada con mi vida. Desde mi adolescencia la búsqueda siempre fue como una actitud ante la existencia. Siempre había una búsqueda muy fuerte hacia algo, no sé qué pero creo que era simplemente la búsqueda por sí misma, ya sea desde algún aspecto de la creatividad o desde la autodestrucción como una experiencia total. Fue así que encontré en el sonido un refugio ideal en aquella época.

JG: ¿Dos de tus proyectos anteriores más representativos Dios me ha violado y Evamuss, fueron desde los noventas una consecuencia de esta búsqueda de la que nos hablas? ¿Qué los hace diferentes al uno del otro?

CG: En realidad los nombres de los proyectos no importan, todos son lo mismo, son simples palabras. Uno va creciendo y evolucionando. En cuanto a Dios me ha violado, el nombre lo eligió un amigo al ver una frase que escribí en las paredes de un cuarto al que le llamábamos La Fábrica de Sueños. Era una habitación en cuyas paredes buscaba generar las atmósferas que busco también en el sonido, un lugar muy vaporoso, con las paredes pintadas en tintas rosadas, como entrar en las nubes, en otro estado de conciencia. Lo de Evamuss vino después. Había muchos problemas en esa época, yo quería hacer una banda con Dios me ha Violado pero eso era imposible no solo por lo económico, estaba el problema de los instrumentos, también había que buscar a la gente, reunirse a ensayar, entrar a un estudio de grabación, etc. Poco después, en esa búsqueda de poder plasmarlo todo y con los pocos recursos que tenía empieza a nacer Evamuss. Solía decir en ese entonces que yo era como una oruga, una crisálida que una vez que tuviera la posibilidad de experimentar más me convertiría en una mariposa. Hubo un proceso entre estos dos proyectos, una metamorfosis, aunque al final el sonido y la búsqueda venía siendo lo mismo.

JG: ¿Cómo explicas el proceso de maduración en el sonido de Evamuss a través de sus seis producciones?

CG: A medida que iba conociendo gente que valoraba la música que estaba creando en la época de Evamuss, también me iba animando más a publicarla. Por ahí fue donde salió el contacto con Peter Rehberg (jefe del sello austriaco de música electrónica experimental Mego). Empezamos a intercambiar tracks, el pata me dio mucho valor ya que yo sabía lo arriesgado que era su sello. Fue así que me di cuenta que estaba haciendo muchas cosas en esa línea pero que por alguna extraña razón no me había animado a publicar. Aunque en el disco Noika-koita (1999) hay un gran avance con respecto al E.Muss (1998), la forma de trabajo sigue siendo muy primitiva, todo lo que se oye ahí está grabado en directo, lo ensayaba y lo ensayaba hasta que quedaba, entonces me ponía a grabarlo. Por lo menos hasta el Puertas de ruido (2000) de todo lo que se escucha nada está secuenciado. Yo era mi propio secuenciador, creaba algo así como momentos y pedazos de sonido.

JG: Noto un propuesta sonora muy especial en el disco Noika Koita, de hecho he escuchado comentarios y comparaciones con algo que va más allá de lo que hacía Autechre y Experitental Audio Research (E.A.R) en alguna época. Con qué medios tocabas en ese entonces, con qué equipo estabas produciendo tu música?

CG: Era un casiotone de juguete; un par de pedales DOD (por cierto muy malos pero que a mí me servían muy bien); un flanger; un chorus; y un distortion. Estos pedales iban conectados al tecladito. La idea era sacar sonidos como de synthes ya que comprar un sintetizador era imposible, así que de ese modo me hacía de mi propio synthe poniéndole filtros o efectos. También me construí algunos amplificadores y algunos potenciómetros para variar ciertas dinámicas.

JG: Y en qué momento surge la transición entre Evamuss y esto que estás haciendo actualmente ya con tu nombre de pila, ósea como Christian Galarreta?

CG: La palabra Evamuss era como pensar en sonido. En esa época todos los títulos que inventaba eran como piezas sonoras. Me gustaba hacer como poesía, palabras que al pronunciarlas no te llevaran a ninguna parte. Entonces Evamuss salió así, el nombre representó lo que se percibe en el sonido del proyecto. Pero llegó un momento en que me di cuenta de que Evamuss me estaba encerrando en algo, en ciertos patrones que me estaban aburriendo, estaba dejando de lado el riesgo. Decidí entregarme a la experimentación del sonido por sí mismo, a explorar más en las referencias del ruido que en crear canciones. Me arrojé a eso y cambié de nombre, fue más práctico, al final la idea era evitar encasillar el sonido. El nombre del proyecto es solo para situarme en un momento específico. Para mí la música es lo mismo en Dios me ha violado y en Evamuss. En Christian Galarreta todos mis proyectos se reencuentran. Siento que todo está sucediendo ahí al mismo tiempo.

JG: ¿La instalación sonora y el field-recording, es también otro lenguaje en tu trabajo, otra forma de abordar el sonido?

CG: Es parte de lo mismo. Lo he estado haciendo desde hace mucho tiempo, solo que antes no tenía grabadoras. Desde que tuve un mini-disc en mis manos y empecé a escuchar las cosas que nos rodean, me tiré a grabar. Por ejemplo, para el disco E.Muss, de Evamuss, me iba a los parques a escuchar a los cuclillos. Me influyó mucho el sonido de esos pájaros que en las tardes limeñas hacen como una atmosfera, una textura especial en loop, imagínate varios de esos pero superpuestos uno encima del otro, te crea una situación interesante ahí. En el primer track del disco E.Muss hay unos sonidos parecidos a eso, supongo que si entonces yo hubiera tenido una grabadora lo hubiese registrado ahí mismo. Solo es eso, ahorita estoy utilizando guitarras más etéreas porque he tenido la posibilidad de hacerme de un efecto que antes no podía comprarme. Creo que la clave es llegar a algo y cómo entonces lo plasmas así, como puedas, con lo que tengas a la mano. Son las circunstancias y cómo ellas te van marcando la pauta.

JG: ¿Qué tanto te ha influido radicar en el DF? ¿Qué papel juega el DF en ti como individuo creativo?

CG: A diferencia de la ciudad de donde vengo, aquí sí se puede acceder a ciertas facilidades para hacer música. Algo muy importante para mí es el caos que hay en esta ciudad. El nivel de autogestión que puedes tener en el DF es importantísimo. El hecho de poderte escapar del control de las instituciones culturales y usarlo para tus fines es buenísimo. También el cielo del DF me gustó muchísimo, la lluvia, su relación con la naturaleza a pesar de ser una urbe tan jodida. La Ciudad de México tiene una energía muy especial. También está la relación que he ido haciendo con muchas personas de por acá, por ejemplo con la gente del colectivo Ruido Horrible, así como con Rogelio Sosa del Festival Radar y Héctor Flores quienes trabajan desde el lado institucional.

También algo bueno fue alejarme de Lima, el estar lejos y renunciar a ciertas comodidades me dio mucho valor para aprovechar esa lejanía de una forma más creativa porque ahora Lima se me hace más presente que nunca, pero no en una forma de nostalgia, sino como una especie de abstracción real que se convierte en sonidos, busco mucho el mar en los sonidos que hago, lo extraño mucho pero sé que puedo hacer mi propio océano aquí encerrado en mi cueva.

JG: ¿En el momento de estar creando música, en dónde estás ubicado espiritual, mental y físicamente? ¿En qué piensas cuando construyes, qué es lo genera tu creatividad?

CG: Yo creo que todo está en lo físico, en el contexto físico del sonido. Se trata de poner en jaque a la realidad y a nuestra percepción por medio de él. En mi opinión todo lo demás y cualquier conclusión posterior deriva de esa relación que se retroalimenta.

JG: ¿Cuáles son los discos que más te han influido?

CG: Es una pregunta difícil. Definitivamente My Bloody Valentine, pero no solo el Loveless, también está el Isn´t anything y todos sus Ep´s. Hay una revelación total ahí. Lo tenía en cassette y lo tocaba en una grabadora muy mala, entonces yo no sabía si sonaba así porque estaba descompuesto el cassette o por otra cosa. Es una banda que me hacía pensar en mi estado presente en relación con el sonido. Antes, en mi adolescencia, fue el Appetitte for destruction de Guns n´Roses. Todavía me sigue gustando mucho ese disco. Me gustaba su actitud y una cierta fuerza en su música, aunque ahora se hayan vuelto unos imbéciles. Últimamente he estado escuchando mucho el Fantasma Parastasie de Aidan Baker (guitarrista de Nadja) & Tim Hecker, ese disco está increíble. Dos discos que me reventaron algo en cierta época fueron el Bloweyelashwish de Loveliescrushing y el Soccour de Seefeel. Por otro lado también está la chicha (cumbia peruana) y el huayno (música tradicional andina), que aunque es una música que no escucho muy seguido es algo a lo que siempre vuelvo porque crecí rodeado de esos sonidos. Inclusive cerca de mi casa siempre había grandes conciertos de huayno y me llegaban por el aire esas armonías andinas pero en forma de reverberación, esto me causaba ciertos efectos psicodélicos cuando niño. Pensaba en el sonido como una entidad, como un ser que volaba, un alebrije o un ser imaginario que me invitaba a otro mundo. De hecho he remezclado arpas andinas en mis discos, muy influido por aquellos sonidos.
Creo que a esta pregunta podría contestar citando a personas, grupos o proyectos, en ese caso tendría que mencionar a: Fiorella16 y Jab Lemur, quienes sacaron un disco juntos llamado “Atomic” el 2008 , aprecio el trabajo que hacen individualmente ellos también. El trabajo de organización que esta haciendo Marco Valdivia con su festival ASIMTRIA en Arequipa, igual el que hace en Rancagua (Chile) Sebastian Ortiz y Amigos de la Contaminacion Sonora. Las plataformas autogestionadas y bandas que mueven en México Antonio Rotuno (Taladro, Genital Records, La Función de Repulsa) y Sergio Sánchez (Ruido Horrible, Los Heraldos Negros, Amniosis) . Admiro mucho la composición algorítmica de Luis Enriquez Pelucho de Ecuador , lo escuché dos veces en vivo y fueron muy interesantes las texturas , estructuras y los niveles de interacción que manejaba...igual hay que hechar el ojo/el oido a la movida de música experimental independiente ecuatoriana. Hay mucho de lo que no te enteras por Internet a primera vista. Desde hace mucho admiro el trabajo de colectivos como APO33 (Francia) y el trabajo individual de ex-miembros y miembros actuales de Aloardi como Gabriel Castillo, Felipe del Aguila, Alejandra Pérez, Dennis Pastor. Además de la influencia que ha ejercido en mí la actitud personas tan especiales como Fabiola Vásquez, Walter Peña, Wilder Gonzáles y ahora último Sabrina Melenotte. Mención aparte se merece la movida de Rock Subterraneo de los 80, Silvania y la movida de Hip Hop independiente peruano.

JG: En cuanto a literatura. Qué libros has leído que te hayan marcado?

CG: He leído bastante filosofía alemana, me gustan específicamente Nietzche y Horderlin. Ahorita estoy clavado con Blanca Varela y Eielson. Ha sido un redescubrimiento porque ya los conocía pero no los había valorado antes. Blanca Varela es una escritora peruana muy valiente para enfrentar esta cosa que tenemos enfrente cuando estamos solos con la realidad y lo escribe sin tanta cursilería, te voltea la torta, te coloca, es muy bacán su trabajo.

JG: Cuál es tu opinión sobre las nuevas generaciones de músicos o artistas que están haciendo cosas en Perú actualmente?

CG: En lo que se refiere a musica experimental o afines hay cosas muy interesantes, como lo que hace una banda llamada Puna. También está Fabiola Vázquez, con quien formé el proyecto de etheral-noise-pop: Tica. Ella está actualmente haciendo un proyecto con uno de los integrantes de Puna. Hay en ellos una búsqueda de un sonido propio, una mezcla de viejas influencias pero dirigidas hacia otra cosa distinta. También algunos de los que formaron parte del colectivo Crisálida Sónica, ahora están haciendo cosas más radicales como Wilder González, quien produce y difunde constantemente lo que sucede en el underground peruano o lo que hizo Daniel Caballero con su proyecto Paruro. Los proyectos intermitentes que aparecen en provincia como Fiorella16 o Ragholetis Fractal de Arequipa. Los experimentos en computer music e interfaces interactivas de Jaime Oliver. Tambien entre las bandas que está moviendo Buh Records puedes encontrar algunas cosas buenas. Hay muchísima gente activa en Perú, gente nueva con un lenguaje fresco como Jab Lemur o Dennis Pastor. Creo que en general hay como una actitud hacia el riesgo, ya que no hay mucho que perder en realidad; lo haces como puedes, con lo que tienes y al final arriesgas más porque no es premeditado, así es como te nace. No hay metas ni compromisos comerciales u otros intereses que vayan más allá del hacer/ser.

JG: ¿Cuál es tu opinión con respecto a este nuevo auge o creciente interés por el "arte sonoro", el ruidismo o la música experimental?

CG: En cierta forma supongo que eso funciona en la medida que sirva para promover el trabajo de algunas personas que nos dedicamos a ello y si eso también sirve para poder darnos de comer, pues todavía mejor. Creo que etiquetar nuestra obra como un "arte" me parece muy reducido, discriminador y castrante. Para mí esto no se reduce a lo estético, al "buen gusto" o a enaltecer el "espíritu humano". Para mí esta relación que tengo con el sonido es una forma de vida, una manera de asumir la vida cotidiana y de evadir ciertos atavismos que nos hemos creado los seres humanos o que nos inculcan desde la niñez a través del lenguaje, la educación, los medios de comunicación, el entretenimiento, la moral, la arquitectura, la música, etc.

JG: ¿Cuales son tus próximos planes?

CG: Actualmente estoy tratando de terminar algunos discos que publicaré en colaboración con otros artistas. Espero también hacer presentaciones y algunas instalaciones en Europa que me den cierta estabilidad económica para seguir haciendo lo mío. Ahora me encuentro trabajando en nuevos tracks para Tica (dúo con Fabiola Vásquez de Perú), en la música de Miasma (banda de noise-doom que formé en el DF con la gente de Amniosis) y estoy produciendo el EP de Ninguna Ninfula (dúo con Sabrina Melenotte de Francia) proyecto con el que también espero poder dar algunos conciertos pronto en París. La verdad prefiero no hacer muchos planes, eso nunca funciona del todo para mí.

2011-04-02T18:19:00.000-07:00

Gregg Kowalsky - Tape Chants (Kranky, KRANK131, 2009)

Gregg Kowalksy es un droner que abiertamente le profesa amor a las cintas. La generación de su material sonoro la realiza a partir de cuidadosas combinaciones de grabaciones reunidas en este medio. Los resultados de sus manipulaciones, como pudieron evidenciar quienes asistieron a su reciente presentación como parte del Festival Aural de este año, no tienen mucho que ver con la preservación de un ideal lo-fi, sino más bien con la cuidadosa exploración de las texturas siempre mutantes en su persistente degradación de las cintas magnéticas.
"Tape Chants" reúne seis sentidas invocaciones a Morfeo, construidas a partir de la lenta y minuciosa sobreposición de los registros contenidos en los cassettes. Las herrumbrosas expresiones de los magnetófonos se alían, poco a poco, a los recónditos bajos emitidos por motores, osciladores y sintetizadores en un murmullo profundo, gigantesco, paralizante. Breves destellos de melodías adornan cada pieza, pero la constante es esa brillante sierpe tonal, invariable, como si se tratara de esa espectral musicalidad que a veces puede arrancársele a los resuellos de máquinas cansinas, a cables que zumban delirantes, a las voces de tuberías que murmuran distraídas. "Tape Chants" devela con dulzura la belleza incorpórea de los fantasmas del electromagnetismo, de la música que se escapa a través de las paredes y que con sus musitaciones nos arranca los pensamientos. (S.S.)

2011-04-02T09:43:00.000-07:00

Le Syndicat - Propagation (BKO Media/La Nouvelle Audience, BKOMCD02/LNA-E-004, 2010)

"Propagation" comprende el regreso definitivo del combo francés Le Syndicat tras más de una década sin editar un trabajo original de larga duración. Para quienes no estén aún familiarizados con el grupo, baste señalar que se trata de uno de los fundadores del sonido industrial hacia principios de la década de los ochentas. Dueños de una rúbrica sonora sumamente cruda y aguerrida, Le Syndicat produjeron cintas como "Relikat," "Corrumpate," "Rectitude" y mucha otras, que hoy se consideran clásicas del sonido industrial más transgresivo y primordial.
La edición en 2007 de la antología "Broken Flag: A Retrospective 1982-1985" le brindó a Le Syndicat, una inesperada fama, al presentar a una nueva generación una excelente selección del trabajo que la banda produjera para la legendaria disquera de Gary Mundy. La banda parece haber sabido aprovechar esta súbita popularidad, estableciendo su sitio web, organizando una serie de presentaciones en vivo, reeditando algunos trabajos y, finalmente, decidiéndose a crear material nuevo. Y aunque se vuelve evidente al escuchar este nuevo trabajo que hoy en día no persiguen sus fines con la misma beligerancia sónica, Le Syndicat deja claro con "Propagation" que se trata de un grupo que preserva y madura sus inquietudes artísticas y que es claramente capaz de producir obras sónicas perfectamente contundentes y vitales.
"Propagation" muestra a una agrupación que accede a toda una variedad de recursos para conformar sus trabajos: ninguno de los elementos empleados en su composición se vuelve permanente en su forma de ejecución sino que todos se establecen como herramientas pasajeras en la confección de un diseño complejo y constantemente cambiante. Desde la profundidad con que arremeten con el track abridor "1002 Nights" -con esos graves que parecen provenir de explosiones desde el subsuelo y la eventual conformación de un paisaje ruidista que mezcla percusiones metálicas con voces radiofónicas y un estremecedor collage de choques, sirenas y explosiones- se puede ver que Le Syndicat va en serio. Sus intrincados diseños de recurrencias, abruptos cortes, lúgubres atmósferas y desbordadas descargas de pastiches hacen de cortes como "Truth" o "Effondrement" inquietantes ejemplos de un quehacer sónico taciturno, perturbador e incluso absurdista pero, eso sí, sumamente cuidado.
Otros cortes, como "Cable" o "Do You Sleep?" son atisbos a un mundo totalmente mecanizado, delirantes fantasías industriales en donde la respiración humana o los trinos de aves se convierten en visiones de un engranaje más de un sistema milimétricamente exacto. La realización de estas pesadillescas imágenes sonoras es generada a traves de todo tipo de documentos sonoros, desde el empleo directo de instrumentos musicales y la amplificación de objetos inusuales, hasta la utilización de grabaciones de campo y la modificación de voces anónimas. Le Syndicat incluso se atreven con un contagioso remix de "Truth" en la más pura vena de Test Dept., dando un breve respiro al escucha que desande este delirio ruidista.
La colosal masa de detritos que es "Propagation" queda así conformada como un esquivo delirio formal, dotado de un particular sentido del humor que no deja de ser estremecedor. Le Syndicat logran en este trabajo reafirmar su fe en el ruidismo en un sentido prácticamente vanguardista, deshaciéndose en buena medida de su lado más áspero aunque no por ello mostrándose, ni remotamente, condescendientes. Un excelente trabajo, perfecto para (no) soñar. (S.S.)

2011-03-26T11:58:00.001-07:00

Kazumoto Endo and Kazuma Kubota - Switches and Knobs (Phage Tapes, PT:133, 2010)

El estilo de hacer noise de Kazumoto Endo bien podría definirse con una sola palabra: espasmódico. En los trabajos que firma bajo su propio nombre, así como en los de sus proyectos como Ryke o Killer Bug, Endo tiende a generar composiciones a partir de concatenamientos frenéticos y virulentas dinámicas que inevitablemente son seguidas por cortes abruptos. "Switches and Knobs" presenta en formato de cd la colaboración entre este monstruo del ruido y Kazuma Kubota, parte de la nueva generación de harshers provenientes de Japón.
El primer corte, grabado en estudio, es pura precisión: los silencios se ajustan perfectamente a las ruidistas intromisiones de ambos participantes. Los masivos golpes que el dueto da al silencio están conformados por plomizas capas de distorsión modulada y aparecen tan súbitamente como se desintegran en el aire. Tras cada andanada de severas descargas de ácidos, férreos sonidos aparecen crudos instantes de vacío ineludible; el silencio se posa como un enorme monstruo, dispuesto a aplastar hasta el más mínimo movimiento. Mientras tanto los intercambios se vuelven cada vez más virulentos, cada vez más hostiles y fugaces, como si con su compulsiva brevedad buscaran dictar la muerte de cualquier estructura.
El segundo corte abunda sobre la misma dinámica pero extrapolada a una presentación en directo. Me cuesta pensar en pocas situaciones tan difíciles como intentar llevar esta carga de discontinuidad formal a un ambiente como éste, sobre todo sabiendo que se trata de una situación en que ambos performers deben operar bajo una precisión tan puntual. El resultado es una recrudescencia que raya en el absurdo, con disparos sonoros de registros aún más sórdidos cuya misión parece ser la destrucción de cualquier tipo de convencionalismo musical. Las incómodas reacciones del público hacen evidente que el de Kubota y Endo se trata de un ideal sónico difícil de abordar y de dar seguimiento y remiten a esos momentos en que el noise solía comprenderse como una perversión, un gusto adquirido incomprensible, absurdo para los adeptos a los rincones más obvios de la melomanía. En este corte cada silencio se vuelve una suerte de abismo cageiano donde las risas y los murmullos tienen su parte proporcional de protagonismo.
Este trabajo conjunto de Kazuma Kubota y Kazumoto Endo resulta más que bienvenido en el contexto actual del noise, mostrándose como evidencia de que aún puede producirse ruido que posea un carácter único y que se aleje, afortunadamente, de las convenciones. (S.S.)

2011-03-25T23:14:00.000-07:00

Winters In Osaka - Mutual Collapse (W.K.F.E.W.R. , W.K.F.E.W.R. #1, 2010)

A través de los años, Winters In Osaka se ha consolidado como una agrupación poliforme, que habitualmente cambia de integrantes y muda estilos sonoros, en aras de adecuarse a las condiciones prevalecientes al momento de la interpretación. "Mutual Collapse" registra, precisamente, su diversidad sónica: momentos de experimentalismo puro convergen con cuadros de erosión ruidística absoluta, deviniendo, entre cortes, del grupo de jamming prácticamente instrumental al más habitual ensamble electrónico enfocado en las rúbricas industriales. Los siete cortes que integran este trabajo provienen de una diversidad de presentaciones en vivo que ocurrieron en locaciones de Estados Unidos y Europa y que ven a la actual alineación de la banda expandirse para poder albergar a numerosos invitados.
"Mutual Collapse," como álbum, desanda un camino inconstante. La violenta, dinámica apertura harsher que ofrece "Voyeur Pt.1" contradice a la subsecuente descarga de power electronics de "Baby Pop," en la cual Nicola Vinciguerra -Fecalove- ferozmente escupe sus decadentes vocales mientras la banda le acompaña con pulsaciones y laberintos de grabaciones modificadas. Las intensas descargas de interferencia rabiosa y anárquica a la Le Syndicat de "Toll" contrastan abiertamente con los embates cuasi metalosos del tema "Mutual Collapse," en el cual el baterista Rich Hoak le brinda una dimensión más convencionalmente pesada al ruido del cuarteto. Las oscuras manifestaciones industriales de "Waterweight" y "Voyeur Pt.2" componen una neblina insondable y maquinal que se ve inversamente reflejada en "Stairwell," jam de psicodelia ennegrecida en el cual se unen nuevamente al baterista Hoak y a Mark Solotroff e Isidro Reyes de Bloodyminded y The Fortieth Day en una extensa exploración de los abismos de la retroalimentación y la distorsión guiada por los feroces aporreos del percusionista.
"Mutual Collapse" inevitablemente resulta en su estructura algo más cercano a un acoplado de un puñado de bandas que un álbum en forma. Esto innegablemente puede constituir una desventaja para aquél que busque un disco temáticamente consistente, o precisamente lo contrario para aquél que prefiera aventurarse en los acervos más selectos de una banda con una excelente fluidez en diversos dialectos del experimentalismo industrial. "Mutual Collapse" es el primer trabajo en cd -no cdr o cdr pro- de la banda, editado por la nóvel y misteriosa W.K.F.E.W.R. (para más información: MeatalUlcer@aol.com) (S.S.)

2011-03-12T17:10:00.001-08:00

Hamann/Astro - Limbo (Buh Records, BR16, 2010)

El split entre el músico peruano Hamann y el ruidista japonés Astro está dedicado a la exploración de las imágenes astrales a través del sonido. Ambos artistas coinciden en la composición de temas con base en temáticas supraterrenales, en la representación de los cuerpos celestes como objeto de sus sonidos. Sin embargo, los sonidos que ambos artistas ofrecen en "Limbo" no son necesariamente coincidentes en sus registros.
Los temas de Hamann son más cercanos a la exploración electrónica más estereotípica, dibujando órbitas imaginarias de un modo que recuerda vagamente algunos de los primeros trabajos de Tangerine Dream, como "Alpha Centauri" o "Zeit." El primer tema, "Urano," resulta claramente convencional en este aspecto, con su atmósfera lenta y pesada dibujando un brevísimo parpadeo en la vida de un circuito planetario. Su dinámica es lenta, colosal, circunférica, basada en las lentas secuencias oscilatorias de un sintetizador. "Aldebaran" -Alpha Tauri- igualmente presenta una dinámica pictórica de la majestuosidad y la profundidad espaciales; sorprende, sin embargo, la brevedad de estas imágenes sónicas, las cuales, sin duda, podrían funcionar como temas más extensos. Lo mismo puede decirse de "Imperceptible," quizás una irónica referencia a los lenguajes humanos, en la cual líneas de síntesis -que recuerdan a las de Coil o las de Cabaret Voltaire- pelean a través de paneos con sus brillos cristalinos. La contribución de Hamann a este split es, sin duda, deleitosa a pesar de estar innegablemente infiltrada por el pasado, lo cual queda plenamente de manifiesto cuando se contrasta con el explosivo material de Astro.
En un tema que por sí sólo se extiende por bastante más que los 3 temas de Hamann juntos, Astro presenta otra de sus características composiciones psicodélicas, basadas, al igual que las de Hamann, en un empleo incesante de los sintetizadores. Aunque de manera mucho más mecánica que usualmente, Hiroshi Hasegawa genera un mundo delirante de sonidos ácidos a partir de secuencias sumamente obstrusivas, casi marejadas de ondas electromagnéticas, las cuales apenas son contradichas por agudos chirridos, cuya constancia es a su vez violentada por la manipulación de parámetros. Quizás esa portada de un axis mundi menstrual con el mundo vuelto en su cenit una maraña de terminaciones nerviosas postradas ante un alucinatorio dios andrógino pueda describir su sonido un poco mejor que mis palabras. Contenido totalmente alucinógeno. (S.S.)

2011-03-12T16:19:00.001-08:00

Ignacio Briceño / La Muchacha Loca - Split (Buh Records, BR07, 2010)

La delirante conjunción de ambientes y materiales sonoros de Ignacio Briceño hace de su trabajo una suerte de primo lejano de la histeria que protagonizaba Scissor Shock hace algunos años. Electrónica, guitarras, percusiones programadas, sampleos de porno y de sitcoms, melodías truncadas y hasta la voz del maestro Sábato son procesadas en los dos primeros cortes por Briceño en el famoso programa Live de Ableton, creando un ambiente sumamente enrarecido, como de post-rock-lo-fi de la era de la comunicación. La extensa "Ascención a la montaña invertida," de hecho, resulta disfrutable de una extraña e inexplicable manera, teniéndose como un pastiche de una cualidad bastante musical. El segundo corte de Briceño, tecladito bañado en delay y reverberación de por medio, confirma aquello del post-rock aunque ya no de manera tan grata, aunque al menos sirviendo como respiro ante el inminente ataque de La Muchacha Loca.
Los cánticos hacen obvia la intención de La Muchacha Loca -proyecto del músico peruano Diego Contreras- de crear música clavada en confines ritualistas, pseudo-chamánicos (y qué decir del nombre de la pieza: "one more Spirit in my soup"). Las vocales fantasmales son complementadas por cascabeles, percusiones y drones elusivos que, de primera impresión, no llegan a decir demasiado. Hacia la mitad del tema, sin embargo, todos los elementos comienzan a lograr una cierta consistencia. La grabación, de fidelidad absolutamente baja, le agrega un aire ríspido al asunto, como si se tratara del registro de una suerte de ceremonia pagana industrial arracada a la clandestinidad. Como en el caso de los cortes de Ignacio Briceño, la participación de "La Muchacha Loca" resulta ofrecer un trabajo plenamente espontáneo, basado en lo febril de la improvisación experimental, que indudablemente contiene el encanto del momento pero que inevitablemente carece del poder del trabajo compuesto. (S.S.)

2011-03-12T14:40:00.000-08:00

OVMN - Optimum Volume Maximum Noise (Industrial Recollections, s/n, 2010)

A raíz de las reediciones que la recién resucitada Mother Savage hiciera de las cintas de OVMN apenas hace un par de años, muchos comenzarían a señalar a este proyecto alterno de Macronympha como uno de los primeros indicios de lo que ahora se conoce como HNW o Harsh Noise Wall. Pero mientras este llamado "subgénero" del harsh noise -como lo practican en la actualidad Richard Ramirez y Vomir por ejemplo- refiere a la más absoluta -y hasta absurda- inmovilidad, el harsh noise de OVMN -Optimum Volume Maximum Noise- se trata de uno multidimensional y dramáticamente dinámico.
La dupla de Rodger Stella y Joseph Roemer se desprende de la primera generación estadounidense en practicar, propiamente, el noise. Junto a proyectos como Mlhest, Intrinsic Action, Taint y el ya mencionado Richard Ramirez, el dueto estableció bajo los nombres de Macronympha y OVMN un paralelo sin precedentes al noise japonés, el cual, durante los noventas, se encontraba en plena ebullición. Como sus colegas nipones Incapacitants, MSBR y el Merzbow de aquella época, OVMN desarrolló una compresión intuitiva de las posibilidades del noise. lo cual es plenamente reconocible en su exploración de las diversas gamas del ruido y de las posibles interacciones de sus frecuencias y posibilidades tonales.
Su debut, Optimum Volume Maximum Noise, los ve aliarse a Akihiro Shimizu (mejor conocido como Thirdorgan) en 1996. Y, a pesar de la evidente hiperactividad que desbordan sus creadores, jamás se siente como una batalla de egos y volúmenes, sino más bien como el incesante flujo de una visión unificadora, como el producto del trabajo de tres frenéticos operadores que, absortos en su misión, dan cauce y sentido al más feroz, abrasivo caos aural. Las texturas ríspidas, grotescas se extraen en buena parte de la naturaleza analógica del equipo y del formato original en que fueron grabadas: cintas. La corrosión, el peculiar sangrado de las frecuencias que ofrece el empleo de la cinta magnética queda presente en la reedición que Industrial Recollections realiza. Ésta rehusa la masterización para ofrecer dos cortes de puro audio crudo, reminiscente de las versiones originales.
El sonido en los dos cortes jamás llega a los extremos: no hay gravedades cuasi-subsónicas ni agudos filosos, sino que el total se centra, casi exclusivamente, en las frecuencias medias, con su carga granular, coartada, viciada. Con dos temas idénticos, simétricos en su adecuación a la cinta original, OVMN destiende canales, túneles de frecuencia rugosas en una descarga de ruido psicodélico irrefrenable. Sin duda alguna puedo decir que éste es uno de los más asequibles clásicos ruidísticos producidos por Mother Savage Noise Productions y pieza clave de ese oscuro rompecabezas que es la historia del noise. Una deliciosa planicie de ruido lentamente fluctuante, abisalmente hipnótica. (S.S)

2011-03-12T14:31:00.000-08:00

The New Blockaders - Live at Hinoeuma (Hypnagogia, GIA04, 2011)

Las reseñas que describen el evento registrado en "Live at Hinoeuma" lo señalan como un recital brutalmente ensordecedor que sin piedad alguna ultrajó los oídos de los cronistas. The New Blockaders, tras haber formalizado en "Changez les Blockeurs" el modelo en que se basarían la gran mayoría de las producciones del noise, lleva, lógicamente, un peso descomunal a sus espaldas. Probablemente por ello mismo, se perciba la obligación de hacer de sus extremadamente esporádicas apariciones verdaderos acontecimientos que preserven las alturas de radicalidad a las que se han remontado a lo largo de su historia y discografía.
Abandonando un tanto el nihilismo y la teatralidad que les caracterizan (al menos en el audio, ya que durante el evento Phil Todd estuvo a cargo de un "anti-performance"), The New Blockaders en este trabajo concentran sus fuerzas en un par de explosivos cortes que, a todo volúmen, ciertamente no podrían haber parecido mucho más que una pared de ruido, pero que en este registro evidencian haber sido formulados a partir de una composición que sostiene un enorme peso a pesar de jamás dejar de presentar variaciones. Los sampleos a los que recurren para esta ocasión concentran ráfagas de metralla, tormentas, tonos invariables y estática a niveles brutales que, por lógica, producirían constantes estallidos de feedback. El resultado es una formidable masa de ruido en interminable movimiento, de convulsiones sónicas, de frecuencias que se disparan ingrávidas y circundan los aires como espíritus electromagnéticos.
Curiosamente, a pesar de que las crónicas señalan al evento como uno extremadamente hostil para los sentidos, "Live at Hinoeuma" resulta, a mi parecer, el más calmo de todos los registros en vivo que he escuchado de esta agrupación. A grandes rasgos, este trabajo guarda una similitud inquietante con lo que se ha dado por llamar harsh noise wall en cuanto a su aspecto meditativo, al forzar una introspección casi alucinógena en el escucha. La segunda parte, sobre todo, gracias a la cuidadosa sobreposición de capa tras capa de eólicos flujos de estática, apenas rematados por algunos pesados borbotones de ruido grave, consigue crear una apariencia de absoluta libertad formal que resulta, curiosamente refrescante.
"Live at Hinoeuma" hace que los aspectos más sórdidos de The New Blockaders se conviertan en fascinantes despliegues de coordinación dinámica. Sin duda se trata del complemento perfecto a sus registros en vivo más abrasivos como el temible "Das Zerstoren, Zum Gebaren" o el crudísimo "20th Antiversary Offensive." Este trabajo está limitado a 300 copias y marca la resurrección de la constantemente excelente disquera de Rupenus, Hypnagogia. (S.S.)

2011-03-12T14:30:00.000-08:00

Mark Solotroff - Archive01 (Bloodlust!, B!131, 2010)

Desde el año pasado, Mark Solotroff trabajó en una retrospectiva que reúne en siete volúmenes el trabajo que durante la década de los noventas publicó en tirajes limitados para disqueras clásicas de la época, como Slaughter Productions del fallecido Marco Corbelli, G.R.O.S.S. de Akifumi Nakajima o su propia Bloodlust! Esta retrospectiva permite conocer un lado sónico de Solotroff de difícil acceso dada la escasez y los excesivos precios de los documentos originales.
Que la ruta que sigue Solotroff en esta serie es diferente a la que nos había habituado con sus producciones bajo las rúbricas de Instrinsic Action y Bloodyminded queda de manifiesto ante una escucha incluso superficial de "Archive01." En su primer corte, este trabajo presenta "45 Minutes of Rape and Murder," que resulta ser el primer tema que Solotroff produjera bajo su propio nombre, allá por 1995, y que originalmente apareciera como la cara A de una cinta llamada "Instrumental Demonstration of Death-Noise." En esta versión sin cortes, en su caústico flujo de 45 minutos, Solotroff realiza un estudio profundo de su muy particular visión del harsh noise.
Como un exacto paralelo al disco de OVMN que apenas he reseñado, "45 Minutes of Rape and Murder" posee cualidades de lo que puede identificarse como noise estadounidense -al que algunos llama americanoise en obvia referencia al famoso japanoise-, al ser parte de ese momento definitorio que representó la mitad de la década de los noventas para el desarrollo del ruido en el underground de aquel país. El más obvio punto en común que éste posee con el trabajo de OVMN es ese fascinante desprendimiento tunélico que se extiende a lo largo de la duración de la cinta. A pesar de que en la misma época los japoneses innegablemente tendían a trabajar sobre cauces de ruido sumamente extensos, los de estos dos proyectos norteamericanos poseen una dinámica que prescinde totalmente del espasmo -elemento intrínseco del japanoise, concentrándose casi exclusivamente en un movimiento desbocado, incontenible en su linealidad. El track de Solotroff está tan claramente orientado hacia ese extremo que podría decirse por momentos poseedor de una cualidad oceánica, inclusive estableciendo una cierta comunidad con el drone por su inmanencia hipnótica. Las dinámicas son mínimas y se desdibujan ante la enormidad de un tema que se extiende incontenible, como una corriente de lava o un tsunami en su flujo de estática dirigida. Hacia la mitad del tema, el empleo insistente del delay remite a lo que Maurizio Bianchi hiciera en sus primeros trabajos, a esos movimientos repetitivos mitad psicodelia, mitad película de horror que caracterizan esa primera etapa del trabajo del italiano.
En cierto sentido, la influencia de Bianchi se evidencia en este trabajo en la conformación de un sonido primal, sumamente físico -Solotroff señala no haber empleado teclados en su producción- y en su exhaustiva, cuidadosa exploración a través de los raquíticos filtros que proveen moduladores mínimos como son pedales de guitarra. "45 Minutes of Rape and Murder" es una pieza sumamente mesurada e hipnótica, un verdadero torrente de distorsión modulada.
El segundo corte, titulado "Instrumental Demonstration of Death-Noise (Edit/Remix 01)," consiste en una remezcla inédita de los dos temas contenidos en la cinta original y básicamente se trata de una edición del tema anteriormente descrito.

Mark Solotroff - Archive02 (Bloodlust!, B!132, 2010)

El segundo corte incluído en "Instrumental Demonstration of Death-Noise" comprende el grueso del material que se presenta como "Archive02." Este tema llamado "The First 45 Minutes After a Violent Death"sórdidamente juguetea con el nombre de un clásico tema de Coil. El modus operandi de Solotroff aquí es básicamente el mismo: el sonido contenido en el tema se divide en dos capas, una de distorsión en el borde agudo que sostiene un flujo anárquico, como de estática y otra en el borde grave -más grave que en el tema anterior- que se trata de algún tono contenido en los topes de los parámetros de un delay, cuyos eventuales despliegues sostienen la mayor parte del movimiento del tema. El movimiento es mínimo, nuevamente, pero el resultado vuelve a ser otro fantástico túnel de ruido alucinógeno, que complementa simétricamente a "45 Minutes of Rape and Murder." Nuevamente, Solotroff hace uso de un remix inédito en este caso para cerrar el segundo volúmen de esta colección.
Los dos primeros volúmenes de esta colección van de la mano; la evidente problemática que ofrecería la imposible publicación de ambos cortes en formato digital sin pasar por el terrible bisturí parece haber forzado a Bloodlust! a presentarlos por separado, aunque, cabe decir, como volúmenes subsecuentes con casi cincuenta minutos adicionales entre ambos cortes agregados. Sin duda es bueno que este tipo de documentos que pudieron llegar a considerarse perdidos de la historia del noise estén finalmente resurgiendo de entre el polvo. Trabajos como estas dos reediciones y la del debut de OVMN no sólo son plenamente disfrutables, sino que además sirven para cuestionar la originalidad de los sonidos que hoy en día se nos presentan como nuevos. (S.S.)

2011-02-12T15:50:00.000-08:00

Marsfield - Three Sunsets Over Marsfield (Farawar Press, s/n, 2010)

Dos místicos del sonido, Brendan Wallis y Andrew Chalk se reunirían en 2002 para recrear auralmente la historia del Teniente Wilson, un (¿imaginario?) soldado que, tras su participación en la Segunda Guerra Mundial, pasaría sus días en una unidad médica para excombatientes instalada en la pequeña población australiana de Marsfield. En sus notas al álbum, Brendan Wallis relata que este individuo poseía la peculiaridad de tener una placa metálica en la cabeza, producto de la reparación de sus heridas en combate. Con su cabeza fungiendo como receptor, Wilson era capaz no sólo de recibir transmisiones de audio, sino además de darles cauce, con su boca fungiendo como caja sonora/bocina, y de sintonizarlas mediante cuidadosos movimientos de su mandíbula.
"Three Sunsets Over Marsfield" retrata el homenaje del dueto a esta tierra, el "Campo Marte," población asediada por historias como ésta, donde apariciones, sucesos absurdos y avistamientos de ovnis son moneda de cambio desde mediados del siglo XIX. Su sonido, como debería esperarse de este tipo de documento, despierta inusuales sentimientos: nostalgia y temor; absurdismo y encanto romántico. Todos ellos quedan representados en desoladores, áridos yermos de sonido que constrastan con ensoñados paisajes.
De los confusos momentos iniciales del álbum se desprende un ensueño turbio, pesado, mezcla de danzantes imágenes elementales y de enredadas frecuencias metálicas -aparentemente producto del reiterativo vaivén de notas de guitarras repletas de delay-. Las transmisiones de esta radio imaginaria desandan yermos angustiosos, cargados de frecuencias saturadas, y de un drone contradictoriamente lleno de calidez. Conforme se pliegan más y más las capas de sonidos todo se comienza a convertir en una masa primordial, en una suerte de ventisca lejana, en reflejos de agua clara, en un cauce que se rompe, bello e intimidante a la vez.

La segunda selección de "Three Sunsets Over Marsfield" parece desprenderse exactamente de los mismos rincones; la instrumentación es la misma y muchos de sus movimientos son idénticos. Sin embargo, aquí el balance está mucho más cargado hacia las fluctuaciones más evidentemente ambientales de los teclados, que adquieren un peso medular profundamente inquietante. El vaivén de las más graves se vuelve casi inaudible de tan oscuro, aunque adquiriendo una cualidad eminentemente tangible, comunicando con su circular delirio a un nivel que supera lo aural. El cierre del tema es pura luz desbordándose, una suerte de epifanía, un desiderátum febril. Todo se convierte en un despertar incierto donde el sonido imaginado se alía al natural en un vacío morfológico, repleto de fantasmas e inarticulaciones.
"Three Sunsets Over Marsfield" es editado por primera ocasión en 2010 por la disquera de Chalk, Faraway Press en un magnífico lp de 180 gramos. A pesar de que no se trate del formato más conveniente para este tipo de documentos -dada la delicada naturaleza de sus sonidos- es difícil no rendirse a la majestuosa edición, que presenta un grabado por portada y viene con uno de los habituales obi-strips de esta disquera -tamaño lp, por supuesto-. Aún pueden conseguirse algunas copias en distribuidoras como The Helen Scarsdale Agency o Die Stadt, aunque sugiero que se apresuren porque no creo que siga disponible por mucho. (S.S.)

2011-02-12T15:00:00.000-08:00

ScumEarth - Deranged Prototype (R.O.N.F. Records, RNF-046, 2010)

En "Deranged Prototype," Scumearth practica un noise nocturno, pesadillesco. Manando de la misma primordialidad imaginativa que Niellerade Fallisbilisthorstar y Hum of the Druid, el sonido de este proyecto español recoge rúbricas tradicionales del harsh noise pero volviéndolas imagenes concretas, pesadas. Un trasfondo lúbricamente oscuro se destiende como la base del primer tema, también llamado "Deranged Prototype." Esta tiniebla primordial funge como un sentido que se desarrolla a la par de granulares alaridos de estática. La combinación con toda su potencia y peso forja una tormenta de rugidos electrónicos, donde la lógica parecer ser inhumana -animal, elemental, instintiva, eterna-, como si se tratasen de grabaciones de campo arrancadas de algún desolado páramo que jamás hubiera pisado el hombre.
El segundo corte, "Acid Storm Degradation," parece en un inicio sostener un justo opuesto al anterior, pero tras apenas haber dejado correr un par de minutos, el artificio de una descarga de estática convertida en lluvia negra sesga tal posibilidad. Este corte intercambia la oscuridad de la síntesis más grave por la ya mencionada estática -muy probablemente también generada por síntesis- e imprime, nuevamente, una cualidad multidimensional a sus delirios. La lluvia cayendo al fondo, sin piedad, choca con los embates de una electrónica furiosa y plenamente dinámica, cuyos parámetros son violados con enérgica intransigencia harsher. Se vuelve evidente en este tema que las influencias a las que Scumearth acredita (Astro, MSBR, Bastard Noise) no son mera palabrería; existen en "Deranged Prototype" una concreción basada en el sobrio uso de equipo -no existe un rango amplísimo sino uno concreto y mesurado-, una consistencia que dota al trabajo de una plena naturalidad y una espontaneidad que indudablemente puede sólo desprenderse de la ejecución en directo.
Es algo así como la séptima ocasión consecutiva que escucho este 3" y no dudaría en volverlo a poner otras tantas. Así de bueno es. El diseño de Alonso Urbanos y la realización propia de R.O.N.F. Records merecen mención aparte; éste es el tipo de trabajos que aún me hacen valorar a los discos como objetos. (S.S.)

2011-01-29T10:23:00.000-08:00

Hum of the Druid - Norse Fumigation (SNSE, SNSE077, 2010)

Hum of the Druid regresa con el long play "Norse Fumigation" en SNSE y, qué decir, para empezar, es inspirador ver las constantes mejorías en la calidad del material en que los trabajos del proyecto de Eric Stonefelt están siendo producidos: Vinil virgen, sin ruido, un inserto en papel couché y una perfecta funda adornada por la serigrafía del inquietante trabajo visual de Stonefelt. Luego, respecto a los contenidos sónicos: tras un año de espera, más le valía a este artista elaborar algo mejor que "simplemente bueno" y, para variar, tal resultó el caso.
Siguiendo la ruta de Akifumi Nakajima -Aube- Stonefelt ha comenzado a producir trabajos con una base cada vez más notablemente dedicada al empleo de la materialidad -nada mal para alguien cuyo sonido podría caracterizarse como telúrico y primordial-. En sus breves notas, Stonefelt señala que los sonidos con los que "Norse Fumigation" fue compuesto tienen por base metales, agua y cristales procesados, además de guitarras y vocales. Pero el empleo de metales en "Transcedental Criminal Behavior," primer corte del álbum, no se desprende de enérgicos aporreos como los de Grunt o Macronympha, ni el uso de los cristales se desprende de viscerales estallidos como los de Sissy Spacek, sino que se centran mayormente en un cuidadoso estudio de sus propiedades texturales. Los iniciales golpes maquinales del "Transcendental Criminal Behavior" apenas insisten en su violencia por algunos minutos, tras los cuales, el tema se torna meditativo, pesado, conformado hacia abajo por movimientos tonales gravísimos y mínimos, y en la superficie por crujidos granulares casi corpóreos.
"Norse Fumigation," tema que cubre la segunda cara del álbum, tiende hacia el lado opuesto: Si bien hacia el fondo pueden distinguirse atmósferas creadas por alguna guitarra con delay y, quizás, la grave manipulación de algún otro objeto, practicamente toda la superficie está cubierta por un extraordinario despliegue de sonidos concretos, algunos meramente modificados por el uso de algún distorsionador y ecualización, y otros, mientras tanto, exhibiendo sus cualidades naturales plenamente. Los aporreos a láminas, los repiqueos de metal pegando con metal, el sangrado de las frecuencias transportadas por micrófonos de contacto, la sofocación de la tierra amplificada: todo se destiende como una maquinal sinfonía que parecería seguir por lógica los preceptos del "Changez Les Blockeurs" de The New Blockaders. Todo apunta hacia el caos liberador, extático, ritual, hasta que Stonefelt deja ver, de nuevo, sus artificios: sus inesperadas vocales inevitablemente conectan con un idioma genérico -¿puede tratarse de power electronics, acaso?- aunque, -cabe señalar- de mejor modo que lo hacían en algunas de sus anteriores entregas. La voz, desprovista de efectos está desencajada; sus gritos, frenéticos, furiosos son incomprensibles. Asimismo, la salida del tema, volcándose de la nada a la musicalidad, parece querer ser un nuevo inicio, pero las cada vez más persistentes revoluciones del delay y las aparentes melodías -canceladas, fracturadas- efectúan justamente lo contrario: este camino no se trata sino de un abismo.
Cada trabajo de Hum of the Druid ha traído consigo una prueba más de la visión, perfectamente centrada, de su creador. Cada disco de este proyecto no solamente se ha apegado al meticuloso estudio de algún tema sonoro sino que además se ha entregado resueltamente a una metodología unificadora entre concepto y sonido: Los trabajos de Hum of the Druid no son muestras de un quehacer liberador, sino que están perfectamente ceñidos a una serie de reglas compositivas difíciles de desentrañar pero que evidentemente muestran una obvia predilección por los sonidos orgánicos y por una plenitud atmosférica, así como por una estructuración compleja y misteriosa En mi opinión, "Norse Fumigation" ha sido a la fecha el álbum que ve a Stonefelt llegar más lejos con respecto a su exploración de ambientes y cualidades sonoras y eso es bastante, sobre todo, considerando la incomparable calidad de sus más recientes trabajos. Disculparán la hipérbole, pero he resuelto comunicarles que este trabajo es fantástico y absolutamente obligatorio y que si no tiene sentido para sus orejas, corazones y cerebros, mejor compren el nuevo disco de Lady Gaga o de Metallica y que de paso dejen de leer este blog. (S.S.)

2011-01-27T14:58:00.000-08:00

Fire In The Head - Confessions of a Narcissist (Cold Spring Records, CSR120CD, 2010)

Con "Confessions of a Narcissit," Fire In The Head cierra definitivamente su ciclo. El último trabajo de este proyecto de Michael Page -quien en estos momentos trabaja bajo el seudónimo de Sky Burial- se extiende casi una hora a lo largo de 13 cortes, proveyéndole el sentido de un final a este proyecto con una cierta explosividad. Cada uno de los temas en este álbum resulta un complejo microcosmos ruidista paradójicamente repleto de torcidos laberintos musicales. En la profusión sonora de cada uno de estos cuadros es plenamente visible cómo las extensas inversiones del artista en términos de composición y grabación rinden sus frutos; de manera similar al también recientemente concluido proyecto Navicon Torture Technologies, Fire In the Head ofrece en este trabajo temas que, si bien recurren permanentemente a los estándares del power electronics, no ceden a ajustar su complejidad compositiva a una serie de elementos redundantes y gastados. Particularmente hay que echar ojo a la capacidad de Page para incorporar una suerte de estructura primordialmente musical en composiciones que tienen por base la abstracción.

"Get the Rope," por ejemplo, con su turbio mensaje y sus psicóticas recurrencias, parecería, precisamente por su febril insistencia, una neurótica referencia a algún tema pop. Las vocales del artista visual Nick Blinko (también en Rudimentary Peni) en "Psychotic Underground M.K. II," asimismo, podrían querer representar las estrofas de alguna terrorífica canción de cuna. La cuidadosa estructuración de "Narcissist's Mantra," con su compleja combinación de drones dulzones, ruido fluctuante y atmósferas turbias, sobre todo, resulta un ejemplo de la grotesca musicalidad del trabajo; no es común escuchar temas en los que se subordine al ruido a una estructural musical formal sin hacerle perder su atractivo, pero tal es el caso con este colosal corte.
Con todo, no se debe asumir que éste es un álbum que bordee en una musicalidad chabacana, "Confessions of a Narcissist" es un furioso documento de los oscuros pensamientos que yacen en el mejor de nosotros, pero aquí exponiéndolos, haciéndolos dolorosamente transparentes. La necesidad de sostener las apariencias, el insostenible peso de las mentiras, los reproches hechos a uno mismo al descubrir la incosecuencia e inconsistencia de nuestros actos; éstos y más forman parte de esa suerte de catársis final que representa este álbum.
La violencia y explosividad de Fire In The Head se dejan sentir desde que inicia el primer corte -ese temazo que es "Gag Order"- y se siguen colando a través de piezas tan centradas en las convenciones del power electronics como "A Means to What Ends" o "Complacency Is Your Disgrace."Por su parte, los momentos de balance resultan ser muestras de la capacidad de Page de adoptar los muchos dialectos de los lenguajes del género al que representa. Un corte tan inusual como "The Machinery of Death" es un buen ejemplo de esta cualidad: en él las atmósferas y los ambientes oscuros constituyen una poderosa -y hasta melódica- ancla temática que no deja escapar a las tempestuosas descargas de ruido que se le ciñen.
Debo admitir, en cualquier caso, que "Confessions of a Narcissist" no se trata de un trabajo fácil, sino de uno de ésos que se quedan en el inconsciente hasta que el día menos esperado hacen click. Numerosas escuchas no me permitieron inicialmente observarlo en toda su complejidad y poderío. Así que si no se está dispuesto a rendirle una cierta atención, es mejor ni acercarse, aunque, en caso contrario, la recompensa es deleitosa. Cabe mencionar la además la presencia de Jay Randall de Bastard Noise en tres de los más férreos cortes así como el alucinante -¿y repulsivo?- diseño y arte de cubierta. (S.S.)

2011-01-25T16:36:00.000-08:00

VRILnoise & Fear Konstruktor - Element of Steel (R..O.N.F. Records, RNF-053, 2010)

"Element of Steel" es el trabajo colaborativo entre el proyecto español VRILnoise y el ruso Fear Konstruktor, editado en 2009 por R.O.N.F. Records. Ambos proyectos se han mantenido prolíficos desde sus inicios,trazando curiosos paralelismos y optando por rúbricas sónicas relativamente similares. El estilo atmósferico, nocturno de ambos proyectos tiende a ser complejo, discretamente cargado de una rabia contenida, profundamente intimidante.
"Element of Steel" conjuga los registros de ambos artistas de manera interesante. Las atmósferas elaboradas por la dupla, desde el primer momento, se sostienen como un auténtico trabajo de conjunción en donde cada pieza va dibujándose cuidadosamente sin obstruir la visión de los otros elementos flotando en el ambiente. El primer tema, "Antiestablishment," ostenta la rúbrica de lo que será el total del trabajo: un background digital hipnótico, como un manto oscurecido en el que se dibujarán, con esmero y paciencia, constelaciones de ruido, oscilaciones y profundas reverberaciones. Ecos distantes del Organum de "Sphyx" e incluso del Roxanne Jean Polise de "Amniotic Tide" abundan, aunque, cabe señalarlo, con una proyección menos orgánica.
Por momentos, "Element of Steel" bordea en el ruido, como en el caso de "Double Shot" -densa épica en miniatura a la C.C.C.C. aunque con un registro no necesariamente tan abrasivo - o la más belicosa "Boiling Point," la cual por momentos se acerca al power electronics, con un uso portentoso de distorsión en vocales y de cacofónicas pulsaciones. En otras ocasiones, la dupla se sumerge plenamente en el caos, como en el caso de "The Prime Elements" -que observa una paulatina y eventualmente plena desintegración estructural- y, sobre todo, en la final "The Steps," donde la evolución del ruido blanco llega a grados tan sórdidos que parecería tratarse de una contribución externa.
Sin embargo, aún los temas más violentos poseen una ingravidez atmosférica que los hermana con los más contenidos. "Pulverize," sobre todo, se acerca resueltamente a un drone nocturno que poco tiene en común con el harsh noise. La propia "The Steps" no puede escapar un cierto remanente de tonalidades fantasmales. El constante empleo del ruido blanco, ejercido a través de la distorsión característica de los procesos digitales, inevitablemente refuerza una cierta pasividad poco común a combos más dedicados al ruido más espasmódico de los ambientes orgánicos. Ello no permite que las descargas de esta dupla sean resueltamente sórdidas y esquizoides, pero sí que los ambientes conformados sean sustanciales y poderosos.
Este trabajo, afortunadamente, muestra la potenciación de las cualidades de estos artistas. La calidad de la grabación es excelente y la diversidad de los registros sonoros es más que prominente. (S.S.)

2011-01-25T16:33:00.000-08:00

Loopool - Arrogance Is Bliss (Hipster Death, s/n, 2010)

Con su inconfundible aura de extrañeza, Loopool vuelve a aparecer en estas páginas virtuales gracias a una nueva producción en la también nueva disquera de su artífice, Jean Paul Garnier, bautizada con el provocativo nombre de Hipster Death. "Arrogance Is Bliss" es una breve muestra de la peculiar identidad de este proyecto: diez temas que se sienten de una inusual forma como canciones, paradójicamente preñados de una claridad estructural plena y una alucinante extrañeza.
"Wickedness," la abridora, se siente perfectamente industrial, oscura, con el spoken word de Garnier oscilando con perfecta regularidad a través de los caudales de oscuros sonidos sintéticos que la conforman. Algunos otros momentos de este minialbúm están cubiertos por la incierta y ensoñada visión de Loopool, conjugada a través de esa combinación de vocales fantasmales y turbios crisoles atmosféricos: "For Whatever Reason" y "Send More Waves" con sus etéreas voces femeninas chocando de lleno contra una serie de proyecciones proto-industriales; "Suffer Proper" y "Where Is the Future" con sus devaneos entre monotonía y cacofonía y la confusa, casi compulsiva, reiteración de vocales a través de efectos.
Pero sin duda los que se pelean la corona en este freak show de temas bizarros son la enferma "Arrogance Is Bliss - A Million," en la cual el crooning como recién prófugo de algún episodio de Twin Peaks hace juego a un collage de voces e interferencia, y "Somebody," en la cual parece que Martin L. Gore se apodera del alma del albúm con una sentimental balada acompañada al piano -no es broma-.
Los temas incluídos en "Arrogance Is Bliss" son fuertes y denotan una clara vocación compositiva: ¿qué mejor muestra que el ya mencionado "Wickedness" o el tema que cierra el álbum, "Melting on Black Pavement," con su pesadez industrial primordial y su electrónica enferma, coilesca? Pero quizás el mayor mérito a evidenciarse en este trabajo no sea éste, sino la integridad del proyecto, obviada en un deseo por satisfacer visiones y convicciones personales más allá de meramente buscar complacer a un cierto público. Tras experimentar estos -quizás demasiado breves- temas, queda claro que la visión de Garnier es, curiosamente, mezcla de extrañeza y simplicidad formal y ciertamente única. (S.S.)

2011-01-25T16:22:00.000-08:00

Christian Galarreta - Computer Music Is Dead (Free Software Series, , 2010)

Contrariando el tema que inspiró la serie a la que este cdr pertenece -la "Free Software Series" de Mattin-, Christian Galarreta decide nombrar a su contribución "Computer Music Is Dead."Mientras la idea que Mattin sustenta con su colección aparentemente obedece su deseo de unión entre los compositores que emplean software libre como medio para realizar sus creaciones, Galarreta da la vuelta a esta premisa componiendo, cuando menos parcialmente, sonido a partir de equipos habilitados con este tipo de herramientas, aunque no necesariamente a partir de las funciones para las cuales éstas son intrínsecamente empleadas.
Ambas grabaciones que componen el álbum son registros del intermitente trabajo en vivo que Galarreta ha realizado a partir de la exploración de los campos electromagnéticos producidos por equipos electrónicos (i.e. computadoras) durante -su adecuado o inadecuado- funcionamiento mediante transductores. Muchos de los equipos electrónicos empleados durante los performances contenidos en estos trabajos ya se encontraban en un estado de plena decadencia, por ello, el título no es necesariamente mera ironía.
A este equipo, muerto, vuelto prácticamente chatarra, Galarreta le roba sus últimos alientos apenas ligeramente modulando los transductores para buscar alguna frecuencia y hacerla permanecer o mínimamente fluctuar entre sus envolventes cualidades naturales. La paulatina sobreposición de frecuencias produce una casi corpórea conjugación tonal de variaciones sumamente mínimas en el primer corte, "No S.O.", grabado en vivo en el MUAC de la Ciudad de México. Este tema se trata de una colosal unión de deshumanizada pasividad y feroz abrasión electrónica, que lo mismo puede adentrar al escucha en los terrenos de un delicado ensueño cuasipastoral -como en los ambientes con que el corte se acerca a su conclusión- que en el infierno de la recurrencia incesante -como hacia los primeros diez minutos, donde los picos de los tonos llegan a volverse filosos y rugientes-. Meramente mediante la modulación tonal y la eventual superposición de frecuencias se genera una composición sustancial en la cual las frecuencias alcanzan magnitudes intimidantes, de resonancias tan profundamente plomizas que inhiben cualquier otro sonido que pretenda interferir en el espacio.
El corte que da nombre al álbum, extraído de un recital ofrecido en el natal Perú de Galarreta, nuevamente parte del drone producido por las frecuencias extraídas de la alimentación de algún aparato, en este caso en particular de una laptop, la cual es puesta en marcha para hacer que sus procesos de lectura provean al tema de material. Los crujidos como de fuego repicando a lo largo de la pieza van cobrando sentido como aleatorias secuencias y apabullantes líneas tonales, haciendo juego a la estática tonal de los zumbidos. La dinámica adquiere un papel más sustancial que la inmanencia en este corte, gracias a los mecánicos quebrantos amplificados; sin embargo, las fluctuaciones también parecen traer consigo una cierta precipitación. El punto final del tema es tan abrupto que parece irreal, dejando clavadas al silencio algunas de las frecuencias más persistentes. ¿Espejismos de acúfenos o prolongaciones del mundo de frecuencias fantasmales que habitamos? Este trabajo podría entenderse como un cuestionamiento del espacio modernizado, de la presencia de una envolvencia electromagnética de la que dependemos al grado de estar sumergidos en ella. Los conciertos en los cuales Galarreta exploró estos sonidos parecían parcialmente sesiones síquicas en las cuales los cadáveres aún frescos de estos aparatos respondían con sus espasmos a sus conjuros. Un trabajo inquietante, diferente e inusualmente musical, expresamente hecho para reproducirse muy fuerte. (S.S.)

2010-12-29T23:00:00.000-08:00

Kevin Drumm - Sheer Hellish Miasma (Editions Mego, eMEGO 053V, 2010)

Cuenta la leyenda que, a pesar de que su autor ya contaba con una sólida reputación desde finales de los noventas en el circuito elctroacústico, "Sheer Hellish Miasma" surgió como de la nada, invadiendo las mentes de más de uno y desmoronándolas a placer. Este trabajo, tan difícil de encontrar en estos días, ve su primera edición en formato de vinil en este agonizante año y quién mejor para tener el honor que Editions Mego, heredera del catálogo y la labor de su alma mater, la original Mego.
Desde el momento que inicia la gigantesca "Hitting the Pavement" con toda su carga física revolviendo por los aires uno sabe que el vinil fue una excelente decisión. El crudo y lento fluir de capa tras capa de feedback reptando como veneno a través de las bocinas evidencia el perfecto control que Drumm ejerce, haciendo uso de aquella incontrolable combinación de guitarra y distorsión al tope frente al amplificador. El vaivén estertóreo de este tema es portentoso y angustiante, sofocando las frecuencias y anulando, estrangulando tus pensamientos. Un tema bello y terrible, que haría llorar de miedo a cualquiera de los trabajos de Sunn O))).
Su continuación, la portentosa "Inferno" queda dividida en dos partes, cada una de la extensión de la cara de un disco. La primera expandiéndose a lo largo de la cara B es una iracunda, frenética descarga de feroz ruido, donde el feedback guitarrero hace frente a los extraños embates en trompeta de Greg Kelley y a la electrónica analógica y digital del propio Drumm. La contundencia de esta pieza yace en los rasgos compositivos de la misma; a pesar del despliegue casi pirotécnico de bleeps y frecuencias encontradas, se encuentra siempre presente un tema establecido por los monotonalismos de Kelley o por los cacofónicos loops de Drumm. Estos temas, a su vez, pasan de poseer cualidades casi acuáticas a volverse tan cerrados como barreras de concreto, haciendo que, hacia la mitad del tema, no quepa absolutamente nada más que la sofocante densidad de las asfixiantes dinámicas industriales de Drumm. La cara C comienza en el cenit del tema, donde toda la tensión queda capturada en una gigantesca muralla de ruido. La evolución de la pieza ve un descenso lento pero constante de ese ápice sónico, la guitarra de Drumm, rayana en lo melódico y ciertamente en lo rítmico, se conjuga con el torrente en descenso de la estática amplificada mientras juntos se dejan caer hacia la inmanencia. Al final sólo sobrevive el crisol generado por los colores de la guitarra y un cierto y preciso final, indicativo del enorme control de su creador.
"Cloudy" sigue, como un lejano precedente a los recientes trabajos que han caracterizado la más reciente etapa en la carrera de Drumm, un tema droner/ambient brumoso, de movimientos parsimoniosos y furtivos, tan inquietante como dulce; un epílogo, que, como se verá a continuación, queda ahora mal ordenado.
La controvertida "Impotent Hummer" inaugura la última cara de este trabajo. Éste fue un adendum colocado como primer tema en la reedición en cd de este trabajo en 2007. Su sustancia, de una naturaleza relativamente menos contundente que la de las demás, se decía interrumpía la cualidad tempestuosa de la secuencia original. En lo personal, a mí me parecía un buen preámbulo, y qué más, en el vinil, la encuentro fabulosa, caracterizada por una cualidad cuasi oceánica que está evidentemente ausente en los demás temas. Además, para ajustarse a los tiempos del vinilo, la organización original de los tracks ha sido totalmente desarticulada, así que no hubiera tenido ningún sentido dejarla fuera de esta edición.
En donde puede observarse más claramente las consecuencias del reacomodo de los tracks es en el útimo corte, "Turning Point" y en la ya mencionada "Cloudy," la cual inicialmente cerraba el disco. "Turning Point" queda relegada de su labor como abridora para convertirse en el punto final de esta edición, con su esquizofrénico beat, que inicialmente indicaba la demencial pauta a seguir. Esta brutal pieza, sumida en una gravedad pesadísima, queda desgraciadamente convertida en un aperitivo mal colocado, pero ni hablar, algunos sacrificios debían hacerse para conseguir el cambio del formato.
Como podrá inferirse, el gran inconveniente de esta reedición, prácticamente idílica, de "Sheer Hellish Miasma" es la secuenciación de sus temas. Pero si uno está dispuesto a permitir esta invasión a la memoria -o si se trata de la primera vez que se uno se encuentra con este trabajo-, entonces se trata de material absolutamente obligatorio: probablemente el mejor disco de Drumm y sin duda uno de los mejores de la década pasada. (S.S.)

2010-12-29T00:19:00.000-08:00

Airway / Hijokaidan (Harbinger Sound, HARBINGER099, 2010)

El noise no surge de la nada. Existe una historia del noise, a pesar de que ésta sea insistentemente ignorada o erosionada por generalidades y la falta de convicción de muchos pretendidos ruidistas, evidenciada en su ignorancia con respecto a dónde y cuándo origina lo que dicen interpretar. Cuando se habla de los combos y artistas que formalmente crearon las primeras entregas y registros de noise como subcultura -con lo cual no me refiero ni a Russolo, Xenakis, Stockhausen, ni a ningún otro tipo de artista culto- generalmente tiende a señalarse a Lou Reed con su sobadísimo "Metal Machine Music," a las primeras presentaciones y sus registros de Borbetomagus, e incluso a los primeros trabajos de Boyd Rice. Pero de acuerdo con el que muchos consideran el padre del noise japonés, Jojo Hiroshige, el gérmen del noise verdaderamente surge con Airway, la multiforme, infernal orquesta que en los setentas desencadenara la Los Angeles Free Music Society (LAFMS).
Airway solamente editaron un disco, el volcánico "Live at Lace," y éste apenas ha contado con tres ediciones oficiales -limitadas-, pero ha poseído el ímpetu de contagiar a generaciones enteras de su febril poder y locura. Hoy, 32 años después de su primera publicación, Airway celebra con una nueva edición en vinil el aniversario de este documento. Asimismo, LAFMS celebró su propia existencia e influencia con The Lowest Form of Music, un magistral evento en Londres que comprendió una serie de conciertos, charlas y otras actividades, en las cuales, además de contar con presentaciones de bandas y artistas clave de esta organización, como Smegma, John Duncan, y Tom Recchion, se contó con la presencia de admiradores de la talla de Raionbashi y Kutzelina, Incapacitants, John Wiese y, por supuesto, Hijokaidan.
Estando tan lejos, la única forma en que me pude hacer partícipe de esta celebración fue adquiriendo este disco, inicialmente limitado para su venta exclusiva durante el evento, pero que afortunadamente ha logrado colarse a tiendas alrededor del mundo. Este documento presenta a los iniciadores del noise, Airway e Hijokaidan, unidos en una orgía absoluta de distorsión, retroalimentación, gritos, espasmos, electrónica e instrumentos torturados que se extiende lo suficiente para proveer suficiente evidencia del porqué la génesis del noise, como tal, ocurrió.
El primer combo en ofrendar sus delirantes sonidos en este vinilo es Airway con un tema en vivo capturado durante el concierto que dieron en el Gramercy Theatre de Nueva York el 22 de octubre de 2009. La alineación que se presentaría en esta ocasión fue simplemente enorme: Rick Potts, Dennis Duck, Aaron Moore, John Duncan, Linda Pitmon, Fredrik Nilsen, Joe Potts, Tom Recchion y Vetza. Esta sensacional orquesta centra la mayor parte de su set en una infecciosa descarga rítmica, con percusiones que van construyendo dinámicas en las cuales la potencia y la intensidad reinan. Las contagiosas líneas de un bajo se entrelazan con una rítmica predominantemente grave y constantemente explosiva, como la de Swans o la de Pigface en sus mejores momentos, dando espacio para deambular a los gritos y los alientos free-jazzeros. La contundencia de la pieza, sobre todo en sus primeros minutos es fascinante, con su energía motórica esparciéndose y llenando el espacio por completo.
En este corte, difícilmente queda algo de la abigarrada abrasión que caracteriza a "Live at Lace," restando, en vez de ello, una paquidérmica mole de sonido, precisa y contundente. Sin embargo, en la inigualable capacidad de Airway de encapsular el caos y hacerlo funcionar gracias a una dependencia plena en la intuición y en la necesidad de empujar los límites hasta donde se dejen arrastrar, puede rastrearse, inequívocamente, el gérmen que dio sentido e inspiración a los primeros e incomparables primeros artistas del noise, como Hijokaidan e Incapacitants.
Hijokaidan pueden leerse, en su contribución a este álbum, como el reflejo perfecto de Airway, llevado a las extremidades que tan a destajo tienden a explorar los japoneses con su ruido. La alineación de Hijokaidan en esta ocasión es perfecta, sin más: además de Jojo Hiroshige, Junko y Toshiji Mikawa, se encuentran Fumio Kosakai y Sabu Toyosumi, legendario baterista nipón que ha colaborado con Arthur Doyle, Keiji Haino y Makoto Kawabata entre muchos otros. Desde el momento en que entra el audio es difícil no rendirse ante el muscular, brutal ruido que sostienen. Ante este ímpetu es inevitable preguntarse, como el mismísimo Haino le dijo alguna vez a Hiroshige, si tanta potencia no acabará por consumirse a la brevedad. Pero no, entre los embates musculares de la improvisación libre de Toyosumi, surgen y persisten hasta el final los aullidos de la guitarra de Hiroshige y los gritos de Junko y la electrónica sórdida de Kosakai y Mikawa, todos, como si pertenecieran a confines inmemoriales de un ruido cósmico infinito. Si bien se trata de un tema mucho más articulado que usualmente -sobre todo gracias al consistente trabajo percusivo-, este corte es pura adrenalina electrónica, caos y éxtasis.
Este lp, editado en la clásica Harbinger Sound, es una excelente oportunidad para gozar del frenesí alquímico de estos dos monolítos del ruido y la música experimental como se debe hacerlo, en vinil. Fenomenal. (S.S.)

2010-12-19T15:05:00.000-08:00

IRM - The Cult of Young Men (Annihilvs, APEX005, 2007)

IRM es uno de los más interesantes proyectos en emerger de los submundos industriales nórdicos durante la parte final de la década de los noventas. De manera por demás escueta, el objetivo de IRM, dice Erik Jarl, fue inicialmente el de establecerse como un proyecto de power electronics, una alternativa a los más tóxicos ambientes que exploraría con su otro proyecto, Jarl. Y efectivamente, IRM adquiere su fundación en la configuración más esencial del p.e.: Jarl interpreta una electrónica agreste y asfixiante que es complementada por los gritos repletos de flangers y delays de Martin Blahd. Dos personas -solamente- dando forma a pesadillas sonoras en el molde del género que pretendían representar.
"The Cult of Young Men" es muestra explícita de cómo IRM logra dibujar una complejidad inusual en sus trabajos operando desde un género que tiende a ser visto como uno severamente limitado. Este álbum es una suerte de pesadillesca banda sonora que desanda una extensa variedad de oscuros y decadentes caminos sónicos. La temática es dictada por Bladh, quien, con un evidente influjo del accionismo vienés, estudia lo humano desde su muy peculiar visión del cuerpo, vuelto mero recipiente de impulsos y pasiones que poco tienen que ver con la racionalización. Crucifixiones, mutilaciones autoinfligidas, extirpaciones y procedimientos quirúrgicos tienden a ser algunas de los procesos que Bladh explora en su discurso desesperado y violento.
Jarl, por su parte, genera un complejo tejido aural que combina masivos momentos de inmanencia sónica con los recurrentes elementos que caracterizan al industrial escandinavo: atmósferas gélidas, pulsaciones en vez de percusiones, sonidos sintéticos ríspidos y ferrosos. "Stage of Crucifixion" y "Euphoria" son ejemplos idóneos de esto, con sus rítmicas maquineras, pesadas y lentas, forjando cuadros sólidos, exactos, perfectamente delimitados ante cuya falta de variaciones se vuelcan las palabras de Bladh. Otras piezas se salen un tanto de esta dinámica, gracias sobre todo al inédito empleo de drones del que IRM echa mano en esta ocasión. "Aktion Anthem,""The Cult of the Young Man" y "Limelight" evidencian la particular persistencia de este elemento. La disposición de estos temas acusa una obvia alternancia con los temas más típicamente apegados al modelo estereotípico del p. e., otorgando un cierto balance y una fluidez cuasi-cinematográfica al total del álbum.
Los temas que rehuyen el patrón del álbum son "Here Are the Young Men," inusual y potente cover de Joy Division, que se siente perfectamente integrado en el lenguaje caústico de IRM y la rendición en vivo de "Sebastian," tema que cierra su anterior obra, el magnífico y colosal "Virgin Mind." Una versión más de la canción de Joy Division cierra el álbum, aunque en este caso se trata de una bastante -más- inusual, que incluye el empleo de algún piano y una vocalización mucho más clara de lo habitual para esta banda.
"The Cult of Young Men" posee muchos elementos que harán -y han hecho- protestar a los puristas: el empleo de motivos característicos del accionismo le ha costado al trabajo de Bladh haber sido calificado como "accionismo light" en más de una ocasión; asimismo, los temas explorados en sus álbumes han sido acusados de ser un tanto artsy en un movimiento que tiende a renegar de las faltas de convicciones en el arte contemporáneo y en la de sus medios de expresión y difusión. Con todo eso, es innegable que este álbum ofrece una contribución sumamente personal y consistente a un género sumamente cerrado. La calidad del álbum en grabación, composición y mezcla reitera el evidente compromiso que IRM tiene con su trabajo; después de todo, uno no debe andarse cortando miembros o bañándose de sangre para hacer buenos discos.
"The Cult of Young Men" es un gran disco pero no es un disco para cualquiera: sus atmósferas sofocantes, su registro, constantemente bordeando en el ruido, y sus hipnóticos paisajes de sonido generan pura tensión contenida. Si eso es lo tuyo, adelante, no quedarás decepcionado. (S.S.)

2010-12-13T17:12:00.000-08:00

RUIDO HORRIBLE presenta: CONCIERTO DE SORIAH y VERTEX GERM

MIÉRCOLES 15 DE DICIEMBRE, 19:00. ENTRADA LIBRE

Soriah es el proyecto del músico y performer Enrique Ugalde, quien practica música experimental con tintes ambient y rituales. Sus presentaciones generalmente incluyen elementos de danza Butoh, performance, electroacústica y, de manera muy prominente, canto tuvano. Enrique ha practicado este arte de forma extensa a lo largo de su carrera, la cual se extiende a través de diez años, y cuatro producciones de larga duración: Ofrenda...s de Luz a los Muertos, Chao Orgánica in A Major para la disquera de Portlands Beta-Lactam Records, Marakame para Ruido Horrible y su colaboración con Ashkelon Sain, Atlán, para la disquera estadounidense Projekt. Durante su carrera, Soriah ha realizado colaboraciones en vivo o en estudio con artistas como Perry Farrell (Jane's Addiction), Psychic TV, The Dresden Dolls, Blixa Bargeld (Einstürzende Neubauten), The Legendary Pink Dots y Jarboe (Swans) entre muchos otros.

Para más información, (en inglés):

http://soriah.net/
http://www.myspace.com/soriahmusic
http://www.mynewsletterbuilder.com/email/newsletter/1410228333

Vertex Germ

Vertex Germ es un elusivo dueto proveniente de Puebla, México, que basa sus delirantes composiciones en el ambient, el noise y el glitch. Sumamente influidos por la cultura ritualista mexicana, Vertex Germ apenas ha hecho contadas apariciones en vivo y publicado tres trabajos, Alphatoxin para Ruido Horrible, un split llamado Día de Muertos junto a Vulgar Disease y el proyecto audiovisual Siddharta. Para esta presentación, Vertex Germ propone un trabajo audiovisual inquietante e hipnótico.
A continuación, una muestra del trabajo audiovisual de Vertex Germ:

http://www.archive.org/details/VertexGerm-Siddharthavideo

Durante el evento estaremos presentando los más recientes trabajos de ambas agrupaciones así como títulos selectos del catálogo de ruido horrible. La entrada es libre.

2010-11-26T21:28:00.000-08:00

Incapacitants - 73 (Alchemy Records, ARCD-180, 2007)

La energía de Toshiji Mikawa y Fumio Kosakai -los inigualables Incapacitants- es tan incomparable que se ha vuelto legendaria. Y cada instante de la maníaca construcción electrónica que es "73" está rotundamente infectada de ella. Caos frenético y control minucioso son parte del oxímoron sónico de alta tensión que constituye "What a Stupid Bureaucrat!!!," primer tema de este larga duración. Siete minutos y medio de un huracán de espasmódica libertad ruidística. El segundo corte, "Please Don't Try this at Home" recoge la totalidad de la primera presentación que el dueto realizara en vivo en los Estados Unidos -en el No Music Fest de 2003- y, a pesar de la que la calidad de grabación no sea la mejor, permite ver la magnitud del infierno de ruido que estos dos empleados bancarios pueden llegar a generar posicionados tras sus prodigiosos aparatos electrónicos. Poco más de veinte minutos de exorbitante agonía de circuitos, bocinas y cables al borde de la fundición . Hacia el final todo se vuelve insostenible; un inesperado zumbido corta las frenéticas dinámicas y a pesar de que la dupla regresa desgarrándose las gargantas la visión infernal se niega a reaparecer.
El tercer corte, "Fund Trap" es uno de esos increíbles y volátiles ataques donde Mikawa y Kosakai se dejan ir con todo sin el más mínimo miramiento. La intimidante, excesiva descarga de feedback, pulsos electrónicos y gritos apenas dura unos minutos, pero es suficiente para dejar en claro porqué estos hombres son los más enormes amos del juego que ellos mismos inventaron, primero como miembros de Hijokaidan y luego, de forma más certera, como Incapacitants.
El cuarto corte "Dedicated to Koji Tano" es una excelente ofrenda de ruido a la memoria de aquel enorme ruidista que tras MSBR -proyecto y disquera- fuera compañero de muchas batallas de Incapacitants como parte de la primera generación del llamado japanoise. En este extenso corte, grabado en vivo en el Club Lush de Tokio, el dueto se da tiempo para cimentar su obliterante masa de ruido en el espectro grave. Los cavernosos rugidos de la distorsión embotan la atmósfera, se cuelan por cada recoveco y se dispersan colmándolo todo lentamente como en una inundación. Poco a poco, Kosakai y Mikawa separan sus registros: uno anclado en la densidad y el otro conjugando demenciales explosiones de ruido. Súbitamente, uno se da cuenta hasta qué grado todo ha crecido, como un humo tóxico que ha devorado por completo el aire. Entonces entran las dinámicas convulsivas. Todo se empieza a quebrar y se fragmenta. Al final sólo queda el feedback opresivo y el ruido de las máquinas que lentamente colapsan.
Quizás no sea uno de sus más grandes trabajos -como "Feedback of N.M.S." o "As Loud as Possible" o "El Shanbara Therminosis"-, pero, aún así, "73" tiene material de una factura tal que podría humillar a la gran mayoría de sus competidores. "73," editado en Japón en la legendaria Alchemy Records de Jojo Hiroshige, ofrece lo que todo buen disco de noise debe: intensidad y sustancia. Y, por qué no, también algo de alegría. (S.S.)

2010-11-26T19:54:00.000-08:00

Kreuzer - L'Armée Secrète (R.O.N.F. Records, RNF-054, 2010)

Kreuzer es un acto industrial israelí activo desde 2004. En "L'Armée Secrète," su más reciente producción, este proyecto centra su sonido en las convenciones que forman el sonido característico del industrial europeo: sampleos con temas políticos, rítmica marcial, ominosos ambientes sintéticos, e incluso el tema de la Segunda Guerra Mundial, aunque, claro, en esta ocasión visto del lado de los alíados.
Desde una primera escucha me quedó claro que "L'Armée Secrète" no posee gran valor como novedad. Sin embargo, lo que pierde Kreuzer en innovación, lo gana en contundencia. Kreuzer consigue establecer en el limitado tiempo que ofrece el formato del disco de tres pulgadas -veinte minutos- un trabajo bien redondeado y consistente que explora adecuadamente los principales géneros del industrial más estereotípico -power electronics, dark ambient, industrial marcial, etc.- Incluso podría sostener que llega a producir temas que rayan en lo brillante, como "La Libération." Este corte, más que cualquiera de los cinco que componene este mini-álbum, muestra la exactitud con que este proyecto se acerca a los patrones habituales de la old school, con un seguimiento dinámico y trepidante que gana fuerza con la seca persistencia de sus percusiones y la voz de ultratumba de Charles de Gaulle sustituyendo los usuales aullidos del gritante de power electronics. En lo personal, me sobran un poco los teclados tenebrosos del dark ambient, pero aquí, incluso, no parecen estar tan fuera de lugar. Por cierto que el arte, con su mezcla de propaganda e idealización partisana, es excelente. (S.S.)

2010-11-25T10:56:00.000-08:00

Peter Christopherson (1955-2010)

Peter Christopherson falleció la noche de ayer. Su música, especialmente cuando daba color a las palabras de Jhon Balance, cambió mi vida totalmente. Sé bien que no soy el único que lo extrañara terriblemente.

(foto tomada de http://industrialrevolution-gr.blogspot.com)

2010-11-14T17:59:00.000-08:00

Darksmith - Total Vacuum (Hanson Records, s/n, 2010)

El primer lp de Darksmith, Total Vacuum sorprendió al desaparecer de los estantes virtuales casi inmediatamente después de aparecer. Ante su inusitado éxito, Hanson Records ha decidido reeditarlo en formato de cd.
Total Vacuum es un álbum que aborda la tradición de la musique concrète desde una perspectiva sumamente orgánica y ríspida. Cada uno de los cortes deja a su paso ese gustillo ferroso a cinta magnética y los distantes ecos de la degradante infinitud que produce el vaivén del carrete que corre en un loop. Los siete cortos temas contenidos en este trabajo fueron producidos con un evidente desdén por la alta fidelidad y las buenas costumbres sónicas, estableciendo, en vez de ello, escalofriantes descomposiciones de sintáxis melódicas y rítmicas. Shared Empty Space, el corte abridor, es buena muestra de ello. Con una sobrecarga de voces paneadas, golpeteos a micrófonos y chirridos de procedencia misteriosa, este corte es generado de una manera tan arbitraria e intuitiva que uno puede ver, claramente, como los posibles errores van abriéndose paso, adquiriendo sentido súbitamente. Six Interiors con su andar mecánico y metálico podría haberse desprendido de algún álbum de Chop Shop.
Éste último parece ser una referencia obvia, como parecen serlo Yeast Culture y Hands To. Sin embargo, la configuración del trabajo de Darksmith es mucho más parca que la de éstos. Temas como Now, A Blue Period y The Phantom Other Half poseen un elemento fantasmal, mezcla de melancólico y lúgubre, que podría haber llegado a tornarse en hipnótico de no ser por su brevedad. Por lo mismo, el aspecto meditativo y cuasi ritualista de sus predecesores no se encuentra en este trabajo más que por algunos instantes, diluyéndose rápidamente.
En lo personal, esta brevedad y concisión me hizo pensar en Total Vacuum como en una especie de catálogo de sonidos que, con cada tema ofertado, traza una hipérbole insostenible sólo para, inmediatamente después, precipitarse al olvido. La marca de Darksmith es, sin embargo, plenamente distintiva y peculiar y sus cuadros sonoros, aunque efímeros, son decididamente complejos y deleitosos, sobre todo, por ser evidentemente lejanos a la obviedad y a las convenciones incluso del propio género en que se les podría llegar a ubicar. Mi segundo encuentro con este artista decididamente me ha intrigado aún más. (S.S.)

2010-11-14T17:54:00.000-08:00

Vomir/Animal Machine - Testicular Freedom (Invaginity, INVS-2, 2010)

Invaginity (¿referencia a Merzbow, quizás?) es la nueva disquera de Ernesto Bohorquez de Animal Machine, la cual presenta con "Testicular Freedom," la segunda parte de lo que será -aparentemente- una serie de splits de ruido devastador entre Animal Machine y otros ruidistas selectos. En este caso además del proyecto de Bohorquez, se presenta el radical noisero francés Vomir.
Sin más, Vomir comienza su intervención intempestivamente al construir de la nada un túnel de rugidos electrónicos oscuro y férreo. Un tono al fondo da más peso a la masa de herrumbre apocalíptica, al tiempo que traza un sendero hipnótico y engañoso. Con su corte, Vomir nuevamente explota la incesante involución de la inmanencia aural, forjando a partir de su trabajo una oscura y degradada cinta de Moebius que, de manera garantizada, proveerá al escucha de un delicioso adormecimiendo neuronal.
Animal Machine, por su parte, continúa con su propia racha prolífica -con más de 30 producciones sólo en este año- en esta cinta con tres devastadores bloques de ruido fuera de control a los que agrupa bajo el título de "Disposable Masochrist Doll." Desde su comienzo, convulsivas capas de ruido blanco toman control del rango medio mientras una obliterante masa de fecuencias bajas se apodera de la gravedad en la primera sección de este corte. La siguiente parte tiene una dinámica más harsh, concentrando sus variaciones en una velocidad y una abstracción espasmódicas, en clara referencia a la furiosa locura del cut-up ruidista. Hacia el comienzo del tercer corte, prácticamente toda la estabilidad del rango grave se ha perdido, dejando a su paso solamente los zigzageantes vaivenes de pulsos electrónicos fuera de control, desbordados y frenéticos. El final trae de vuelta, al menos en apariencia, a la potencia grave; pero apenas poco después, Animal Machine decide ir de lleno contra todo, desmembrando e hilvanando caóticamente todo rango de frecuencias en una maraña anárquica de ruido.

La idea tras la cinta es evidentemente referencial del mismo modo que la mayoría de las disqueras europeas de noise más radicalmente underground contemporáneas lo son con sus producciones -véanse Symbolic Prod o Underground Pollution Records para más ejemplos-, al emplear cintas recicladas, arte minimal en fotocopias y pornografía explícita, y al desentenderse con vehemencia de cualquier cercanía con conexiones pseudo artísticas o cultas. Ruido por el gusto de hacer ruido.

Animal Machine/DMAH - Sangre, Tierra y Oro (Vomit Bucket Productions, VBP 048-2010, 2010)

"Sangre, Tierra y Oro" es la cataclísmica tormenta de casi 40 minutos que invocan el colombiano DMAH y el peruano Animal Machine en ésta, su primera colaboración. La clásica distorsión digital de Animal Machine, cada vez más cercana al abandono del HNW, se topa con la incesante descomposición de pulsos y chirridos electrónicos de DMAH. Mientras la parte más dinámica se encuentra secamente confinada a los rangos medios -de manera casi permanente-, dando peso y ataque al tema, la obliteración de frecuencias en los espectros grave y alto genera una atmósfera expansiva y abierta. La combinación se siente complementaria y efectiva.
"Sangre, Tierra y Oro" no es trabajo opresivo, sino más bien uno libre e ingrávido. Su estructura es la de un caudal donde el flujo es constante y los movimientos tan furtivos que pasan muchas veces desapercibidos al oído. Éste es un tema más que para oírse para sentirse y cargar las baterías. Noise de verdad.

Animal Machine - Post-Coital Fetus (Smell the Stench, s/n, 2010)

La entrada de "Post-Coital Fetus" no posee la más mínima discreción, sino que por el contrario va a por todo con el abrupto desencadenamiento de una gigantesca marea de ruido que bordea en la estática. La excesiva deformación de las frecuencias llevadas al tope extiende su distorsionado siseo a lo largo de todo el corte, dotando al tema de una paradójica inmovilidad que contradice la furiosa velocidad de cortes y violentos cambios de densidades que ocupa, también, el total de la pieza. En vez de ver el total de movimientos fundirse en una gama de frecuencias demasiado delimitada, -lo cual generalmente deviene en un caos torpe y sin mucho contenido valioso- los dos aspectos consiguen operar de una forma prácticamente independiente, implementando, de forma consistentemente complementaria, excesos sónicos de órdenes totalmente distintos. El resultado final es un tema sumamente enérgico que, sin llegar a los extremos espásmodicos del japanoise, fluye y contagia su interminable ímpetu al escucha. La edición, a cargo de Smell the Stench, es como generalmente puede esperarse de esta disquera, más que minimal: apenas un cdr desposeído de cualquier tipo de marca de identificación o arte que es apenas acompañado por una fotocopia de un collage porno bastante simplón. Afortunadamente, el ruido contenido en él sí vale lo que el disco. (S.S.)

2010-11-14T17:52:00.000-08:00

irr. app. (ext.) - Josephine & Elsewhere (Errata In Excelsis, eie08, 2010)

Con, "Looking for an Empty Gesture," irr. app. (ext.) inauguró el año pasado una serie de registros de su esporádico y accidentado trabajo en directo. Pero mientras aquel trabajo representaba el esfuerzo conjunto de un ensamble más o menos constante, la segunda parte de esta serie, "Josephine & Elsewhere" presenta a Matthew Waldron en solitario, ofreciendo una sorprendente serie de surreales temas repletos de una compleja instrumentación y una estructura delirante.
Esta colección reúne grabaciones de los tres recitales que Waldron ofreció en Washington durante 2009. Estos eventos, de acuerdo con las notas del propio artista -incluídas en el diseño-, fueron poco menos que satisfactorios. De acuerdo con su reporte, la ambiciosa idea de reunir suficiente material para ofrecer, en cada una de las presentaciones, un set diferente le exigió un control extremadamente minucioso del sonido y la ejecución. Esto lógicamente se trata de algo sumamente difícil de realizar, sobre todo, si el intérprete requiere tocar un ejército de instrumentos, juguetes, samplers y loopers y, por supuesto, además debe cantar de vez en vez. A pesar de la decepción que se apoderó de Waldron tras los eventos, los registros parecen contradecir su percepción: Si bien la edición es -declaradamente- persistente, los temas contenidos en "Josephine & Elsewhere" se entrelazan de manera deliciosa, fundiendo sus oníricas identidades en un sueño sónico vibrante y disparatado.
Lo más interesante de este documento quizás sea que su cauce se pueda sentir tan natural dada la diversidad de ambientes y estilos que Waldron decidiera emplear en sus presentaciones. Del sinsentido casi funky de "Caniad at Yr Annisgwyl Sbasm," a la plena abstracción seudo mecánica de "Spiralfederschlagen und Meckera" no hay más que segundos de separación y, sin embargo, ambos temas se sienten como universos sonoros totalmente divergentes. La maestría con que Waldron agrupa, separa y hace callar cuando es debido cada pequeña partícula de su instrumental es fascinante.
Sería insulso intentar describir cada uno de los temas; el total, a distancia, resulta una acumulación, al borde del estallido, de delirios y de conjugaciones visionarias de pesadillas audibles que corre a través de páramos contradictorios, inciertos, ilógicos. Si bien "Josephine & Elsewhere" difícilmente podría llegar a considerarse propiamente un registro en vivo después del profuso tratamiento y proceso quirúrgico, sí se trata de un delicioso vómito de la imaginación de ese gran -y aún largamente ignorado- artista que es Matthew Waldron, quien por cierto recién visitó nuestro país como parte de la alineación en directo de Nurse With Wound.
"Josephine & Elsewhere" es editado directamente por la disquera del artista, Errata In Excelsis y cada una de sus copias fue diseñada, manufacturada e impresa por él mismo. Sobra mencionar que cada copia está firmada, numerada y adornada por un dibujo a tinta exclusivo en cada copia. (S.S.)

2010-09-17T23:24:00.001-07:00

23.09.10 NINGUNA NÍNFULA, KATZEN & AMNIOSIS

NINGUNA NÍNFULA, proyecto alterno de Christian Galarreta junto a Sabrina Melenotte, hará su debut el jueves 23 de septiembre con nuestros amigos del SA-SÓN CULTURAL. Este proyecto mezcla intrincados juegos de electrónica y programación con un sonido etéreo en guitarras y sintetizadores. KATZEN, integrado por Mari de MELODIKLASTA y Daniel de MASACRE SENTIMENTAL, también se estará presentando con su sonido de psicodelia ritual/rural. AMNIOSIS también tendrá una participación con un set bastante más ambient que usualmente. La cooperación es de 10 pesos. El evento empezará a las 9 de la noche. El lugar es el SA-SÓN CULTURAL (Melchor Ocampo#234 Local 1B y 2B entre Marina Nacional y Villalongín, frente a Plaza Galerías).

RUIDEROS DISEÑADOS POR CHRISTIAN GALARRETA A LA VENTA

Un RUIDERO es una tarjeta ROM cuyas características han sido violadas. El resultado es un oscilador bastante práctico y funcional que produce sonidos sumamente radicales. Si han presenciado algunos de los últimos conciertos de Christian o de Los Heraldos Negros, habrán podido verlos en operación. Los modelos a elegir son los siguientes:

SantaNoise-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de una melodía navideña grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con una perilla y puedes jugar con la variación de las mismas con un sensor de luz que tiene en la parte de arriba (este es sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras), a diferencia del SantaNoise-1 en vez de los puntos de metal generadores de interferencia, este modelo tiene un pulsador con el que puedes inducir cambios bruscos de voltaje lo que se traduce a sonido como una variación en rampa hacia frecuencias mas agudas o graves . Solo lleva 2 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

Costo: 350 pesos

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=DG8vvFGCsY4

http://www.youtube.com/watch?v=Hpq-L61Kpzc

Violador-1

Costo: 250 pesos

http://www.youtube.com/watch?v=0bPoLTaC1yk

http://www.youtube.com/watch?v=08op06ADpqU

Violador-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de la melodía “Canción de Cuna” grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con 4 perillas que puede producir variaciones de altura, ritmo y ruidos muy estridentes, las perillas funcionan por pares: una selecciona el rango de frecuencias y la otra permite generar variaciones dentro de ese rango. Los pares de perillas son seleccionados por un switch, lo que hace posible que conserves un comportamiento en uno de los pares mientras exploras con el otro. A diferencia de los otros modelos este también cuenta con un switch selector para que funcione solo con perillas o con perillas + sensor de luz (este sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras) este ultimo hace variaciones en el ritmo y la dinámica del sonido. Solo lleva 1 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

http://www.youtube.com/watch?v=Ed6sLD8sQdk

http://www.youtube.com/watch?v=ni7j7WEfkjI

SI LES INTERESAN, DIRECTAMENTE A CHRISTIAN EN: galchrs @ gmail.com

2010-08-08T13:36:00.000-07:00

RUIDO HORRIBLE PRESENTA: JUSTICE YELDHAM , KEVIN SHIELDS, MELODIKLASTA & I/C/O/C

miércoles 11 de agosto, 19:00 en EL SASÓN CULTURAL: MELCHOR OCAMPO 234 (entre Marina Nacional y Villalongín frente a galerías de las estrellas) cooperación 15 pesos

Dos grandes exponentes del ruidismo más abrasivo y físico a
nivel mundial, acompañados de dos grandes bandas de ruido mexicanas por sólo 15
pesitos. Sin más palabras, un poco de lo que podrán ver si nos acompañan esta
noche:

http://www.youtube.com/watch?v=nuuSTtkqWek

http://www.youtube.com/watch?v=wGql2BaRPS4

2010-02-13T12:33:00.000-08:00

Jason Crumer – Ottoman Black (Hospital Productions, HOS215, 2008)

Extendiéndose apenas poco más de media hora, “Ottoman Black” echa mano de una sumamente diversa gama de elementos de manera más que efectiva. Lo mismo dejando pasar momentos de una calma mesmérica que las más virulentas erupciones de feedback, Jason Crumer formuló en este trabajo un intrincado plano de sonidos que funcionan como una perfecta aleación de ruido, experimentalismo y sonido extremo.
Los cortes, sucediéndose sin pausa alguna entre sí, son mutaciones de formas reunidas bajo la perfección de una edición cuidada y trabajada. Cada descarga de distorsión, cada quiebre de frecuencias, cada momento de solaz armónico viene perfectamente ubicado como contrapunto a algún otro movimiento insospechado. Los instantes de tensión gutural y de electrónica quebradiza entre “Self Deceiver” y “Where Were You” son fabulosas muestras de una compulsiva locura concatenante. “Betrayal After Betrayal” se contrapone con dureza infernal, dejando salir de su seno violentas ráfagas de distorsión, repeticiones cerradísimas de delays en frenesí y mares de ruido blanco. “Certified Blue” es una inquietante caída hacia la calma, que parte de la belleza tonal en una lenta huída hacia el silencio.
No hay más que decir, “Ottoman Black” es un disco obligado para todos aquellos que gusten de los sonidos extremos aunados a la complejidad compositiva. Un trabajo corto, sumamente meticuloso y fascinante. (S.S.)

2010-02-13T10:33:00.000-08:00

Werewolf Jerusalem/Wasp Honeymoon – Próximas Víctimas (R.O.N.F. Records, RNF-029, 2008)
“Próximas Víctimas” es el trabajo colaborativo de dos proyectos basados en el HNW, Wasp Honeymoon y Werewolf Jerusalem, constante alias de Richard Ramirez. Las capas de estática adormecedora y hasta relajante que conjuran en el minúsculo primer corte en realidad son descargas de frecuencias altísimas puestas en una constante tal que podrían llegar a confundirse con un sonido relativamente ambient. Esta irresoluble ambigüedad entre brutal y estático se ve tanto más evocada en el segundo corte, en el cual la dupla se deja caer en ambiente amniótico por apenas unos instantes. La presencia de este ambiente dulzón, que pareciera desintegrarse automáticamente, en realidad se extiende a lo largo del corte, a pesar de que al frente sigan desmembrándose frecuencias altas y filosas. De este tema, podría incluso decirse que es relativamente dinámico en cuanto al noise de este tipo, ya que los cambios se dejan caer intempestivos. Lo paradójico es que conduzcan a ambientes relativamente simétricos en su abuso de la estática.
El tercer y último corte es el que más declaradamente se queda en los muros de ruido, formulando un gigantesco edificio de estática que resuena con el poder de las fuerzas naturales. Hay movimiento a todo lo largo, sí, pero es tanto y ante el marco general cada fragmento de éste se ve tan diminuto, que pareciera que se tratara de una pieza sin variación alguna. El sonido es similar al de una lluvia fuerte, duro, resuelto, pero a la larga incluso reconfortante. (S.S.)

2010-02-13T09:33:00.000-08:00

Aaron Dilloway - Door with No Handle (Hanson Records, HN213, 2009)

En “Door with no Handle” Aaron Dilloway sigue desandando caminos inciertos en la creación sonora. Notablemente alejado del ruidismo por el cual usualmente se le identifica, Dilloway juega en la confección de esta cinta con grabadoras de carrete abierto en la creación de loops extraños y sumamente fragmentarios.
El primer lado de esta cinta reúne atmósferas herrumbrosas cercanas a lo industrial, a las cuales Dilloway conjuga con sus característicos loops, en este caso de ruidos metálicos que, tras una formulación un poco más extensa, terminan poseídos por un espíritu plenamente mecánico y pesado. Una edición brusca introduce como tercera parte de este tema un fraseo en sintetizadores que absorbe el golpear maquinero anterior y que dota al total de la pieza de un dejo de tecno sumamente primitivo, similar a los experimentos más oscuros de Cabaret Voltaire, pero que eventualmente acaba por sucumbir a un más usual noise libre.
La segunda cara comienza con un estallido de repeticiones. Claramente tomado de alguna pieza musical pop, el sampleo empleado aquí es tan corto y ha sido tan deformado por la velocidad que es prácticamente imposible de identificar. Detrás de la solidez de este sampleo, se deslizan descargas de ruido que buscan complementar su cauce. Cuando el sampleo cesa abruptamente, este ruido y otro sampleo más ferroso y discreto se vuelven el centro del tema. Los loops se siguen unos a otros, sucediéndose, amontonándose, descomponiéndose, siendo modificados por erráticos cambios de velocidades. El resultado es que el total del trabajo se trate de una estructura siempre mutante, en extraño y persistente movimiento.
Como bien se puede ver en “Door with No Handle,” la bien conocida afición de Dilloway por el avant-garde y por el experimentalismo sonoro cada vez deja ver más su influencia y su paulatina emancipación del radicalismo del noise. (S.S.)

2010-02-06T07:14:00.000-08:00

Macronympha - Amplified Humans (Industrial Recollections, s/n, 2009)

Durante los noventas, Macronympha se constituyeron como los reyes absolutos del ruido en los Estados Unidos. Heredando la abrasión del japanoise, la dupla de Rodger Stella y Joseph Roemer -a menudo, como en el caso presente, apoyados por Tim Oliveira, alias Stimbox- crearon algunos de los más grotescos ejemplos del ruidismo extremo. "Amplified Humans," originalmente producido como una cinta en 1997, conjuga idóneamente sus dos cualidades sonoras más intensas: el empleo abusivo del noise con pedales y el intenso ejercicio del embate a tambos y otros objetos metálicos.
El primer corte reúne alternativamente ambos elementos. Los furiosos ataques contra objetos metálicos, sordos, violentos, suenan como descargas explosivas que se complementan por el grotesco empleo de distorsión modelada en extremos graves, siguiendo un dinamismo parecido al de otros clásicos como Incapacitants. La edición permite a Macronympha optar por alternar dos temas resueltamente distintos en ambos canales o por embotar al escucha con una desquiciante masa de ruido en ambos extremos. El seguimiento parecería caótico, permitiendo todo tipo de dinámicas cobrar sentido, pero tras las consecutivas, obliterantes descargas puede entenderse un seguimiento cuasi-musical, asignando momentos de mayor y menor tensión alternativamente o simplemente disparando hacia los extremos.
El segundo corte nuevamente se sirve de la edición, casi en forma de collage, para formar momentos de alta intensidad en un complejo juego de maniobras ruidísticas. Los golpes se sienten como disparos y las atmósferas, sobreponiéndose entre sí, hacen a la alternancia de sus sonidos fascinantes imágenes de ruido post-apocalíptico.
"Amplified Humans" es parte de la serie de reediciones de material industrial clásico que Industrial Recollections ha puesto en marcha desde el año pasado. Estas reediciones buscan preservar en lo más posible el sonido original de las cintas alejándose de cualquier tipo de masterización digital y dejándoselo todo al sonido gastado, ríspido de la reproducción análoga. Se trata de material excelente en una edición sumamente austera, diseñada para preservar en la forma más fiel posible estos escasos y fascinantes documentos del pasado del underground. (S.S.)

2010-02-06T06:14:00.000-08:00

Mark Solotroff & Jason Soliday - Soliday/Solotroff (Whitechapel Records, WC-08, 2007)

Esta colaboración entre los excompañeros en Animal Law, Mark Solotroff y Jason Soliday, es totalmente directa. Estos dos ruidosos residentes de Chicago se entregan de lleno a un ruidismo filoso, donde el feedback constituye la parte más esencial. Los quebrantos de los micrófonos en el primer corte son tan agudos que prácticamente no dejan pasar nada, atacando con sus enervantes frecuencias y siendo apenas contradichos por una electrónica igualmente aguda y recurrente. Conforme se acerca el final del tema, los embates se vuelven cada vez más abiertos pero también más intensos, haciendo al escucha, más de una vez, víctima de los puntiagudos bordes, casi inaudibles, del campo magnético en absurda, absoluta saturación. En comparación, el desenlace, mecánico y pesado, se siente como un alivio.
El segundo corte, contenido en un disco aparte, recoge los sonidos de metal golpeado, conversaciones, juegos con distorsión extrema y, nuevamente, la desquiciante malevolencia del feedback. Sin darse descanso alguno, la dupla comienza su ataque directamente con una mole de ruido que mezcla todos los elementos recién mencionados con una pasmosa simultaneidad. El efecto es un ataque sensorial tan extremo que aún a avolúmenes bajos es increíblemente abrasivo. Hacia la mitad, la cautelosa inserción de un drone hace del total algo similar a lo que sería un tema de Glenn Branca llevado al extremo, con el cauce tonal señalando el camino a la masa de ruido que se destiende en toda su longitud.
A pesar de ser claramente un disco de noise, "Soliday/Solotroff" se sale bastante de la norma, ofreciendo invenciones ruidísticas que no recurren a los elementos más comúnes del género y que tienen una capacidad sorprendente de ser extremas y agresivas como pocas. Éste es un trabajo lleno de energía y fuerza. "Soliday/Solotroff" fue editado por Whitechapel Records como un cdr doble empacado en una funda de cartón hecha a mano y con una excelente calidad de impresión. (S.S.)

2010-02-06T05:42:00.000-08:00

Lngtché - Recordings for Osip Mandelstam (Phage Tapes, PT32, 2008)

Lngtché es un misterioso proyecto canadiense que practica una suerte de ambient oscuro y asfixiante. Desde el primer corte de "Recordings for Osip Mandesltam I-IX," la gruesa, aplastante atmósfera de ventisca primordial parece querer engullir al escucha con su envolvente magnitud. Y ésa es la constante del álbum: Sonidos fincados en el borde grave del espectro se convierten en un edificio imaginario que alberga en sí los abstractos juegos de síntesis proveniente de un sintetizador Doepfer. Nueve temas de fascinantes juegos de sombras producidos con una calidad impactante rinden homenaje al poeta polaco. No se dejen engañar por el discreto empaque; éste es un gran trabajo. (S.S.)

2010-02-05T17:48:00.000-08:00

GENETIC TRANSMISSION

Genetic Transmission es una de esas bandas de las cuales uno no se puede explicar por qué han sido ignoradas por tanto tiempo. Incluso, mínimamente, la propia calidad de sus ediciones tiende a superar las convenciones sin problemas. Sónicamente, su producción es cuidada como pocas. El material de Genetic Transmission parece sacado de lo más profundo de un onirismo delirante, tanto en lo musical como en lo visual. Las presentaciones de sus discos responden a algún proceso de extrañamiento, como si hubiesen sido traídas de otra dimensión, aún cubiertas de una naturaleza enigmática e inquietante.

Recientemente, Tomasz Tardawa, el hombre tras Genetic Transmission, concedió una entrevista a ruido horrible, en la cual nos habló un poco de la naturaleza de su sonido y de los pormenores de sus planteamientos artísticos:

Ruido Horrible: Para aquellos que aún no estén familiarizados con tu trabajo, ¿podrías por favor presentarte y hablarnos un poco de éste?

Genetic Transmission: He estado involucrado en la creación musical desde mediados de los ochentas. Comencé como bajista en una banda postpunk llamada BWR -sonaba como entre God's Gift y No Trend. En 1987 me uní a Zilch, la cual cambiaría de nombre a un proyecto llamado Ładne Kwiatki después de varios cambios de integrantes. Mi siguiente paso fue la instauración de una nueva creación, Genetic Transmission, manejado exclusivamente por mí para explorar ampliamente mi entendimiento de la música experimental a partir de 1996.

RH: Tu sonido es primordialmente orgánico, ¿cómo es que lo desarrollaste? Y, si es que existe alguno, ¿qué proceso sigues al grabar material nuevo?

GT: Los sonidos con los que trabajo son mayormente grabaciones con micrófonos, instrumentos acústicos y objetos y sonidos aislados espacialmente. Utilizo sintetizadores análogos y algunos efectos viejos, entonces elijo los sonidos para procesarlos de manera electrónica y digital y para finalmente hacer una composición con sonidos preparados.

RH: ¿Qué inspira tus sonidos?

GT: No existe una regla general. A veces, tengo algunos sonidos en mente e intento conjurarlos, hacerlos posibles. Otras veces, el proceso creativo ocurre accidentalmente a través de la experimentación con sonidos procesados. Algunas otras, obtengo una idea a partir de la influencia de lo que me he encontrado escuchando, por ejemplo, la música de otros artistas. He grabado un par de álbumes a partir de ciertas reglas y limitaciones; "Strychnina," en el cual trabajé con sonido puramente acústico sin efectos ni filtros o "Plunderbruit," el cual fue completamente separado y preparado a partir de crujidos de vinilos.

RH: ¿Cuál de tus discos es tu favorito y por qué?

GT: El periodo entre "Garbage Substance Manipulations" y "Lullabies" es el que más me gusta. Probablemente fue uno de los mejores momentos en las actividades de Genetic Transmission. Tuve muchos problemas personales, muchas cosas ocurrieron, cosas más o menos buenas. Pero todo fue muy estimulante para mis actividades creativas. En contraste, no me agrada lo que hice al final de los noventas; por ejemplo, "Projekt 6" y los trabajos de Godzilla.

RH: La mayoría de tus trabajos han sido publicados por tu disquera Die Schöne Blume Musik Werk, ¿alguna vez produces cosas de otros artistas?

GT: Contrariamente a las apariencias, nunca estuve especialmente interesado en tener una disquera. La disquera en que pondría la mayor parte de mis trabajos sería exclusivamente para éstos. La razón podría ser básicamente que no tenía y, en esencia sigo sin tener, mucho contacto con muchas otras disqueras. Sin embargo, sí he sacado un trabajo de un viejo colega de los días de Zilch y Ładne Kwiatki, Krzysztof Ciesielski, "Struktury.”

RH: Eres presentado como uno de los grupos principales vinculados al grupo/disquera Tochnit Aleph. ¿Qué relación sostienes con éste? ¿Tienes alguna relación con la Schimpfluch-Commune?

GT: Es la primera vez que escucho algo parecido. ¿Quién lo dice?
Para mí Tochnit Aleph significa los trabajos de Rudolf (de Runzerlstirn & Gürgelstock), Dave Phillips y Raionbashi sobre todo. Sí, yo también aparezco allí, pero, después de todo, se trata mayormente de una relación amistosa. Únicamente he sacado dos CDs en Tochnit Aleph.
Me he mantenido en contacto con Dave y Daniel (Löwenbrück) por más de diez años, hicimos un split juntos, otro estaba planeado pero no ha pasado nada con él hasta el momento.

RH: ¿Cómo se relacionan tus trabajos sonoros con sus respectivos empaques? ¿Los haces todos tú mismo? ¿Cuál es tu diseño favorito y por qué?

GT: Al hacer gráficas o empastados para mis álbumes, siempre intento establecer en cierto modo que éstos sean un seguimiento de la naturaleza de mi música. Los más sobresalientes probablemente sean "Concret Fruit Box" y "Untitled."

RH: Cuando contruyes un nuevo instrumento, ¿tienes algunos sonidos en mente o cómo es que sucede su composición?

GT: Los instrumentos que construyo son una suerte de instalación sonora hecha de chatarra y desechos. Están basados en resortes y resonadores; sus posibilidades sonoras son bastante limitadas y predecibles, por lo que siempre es importante encontrar las técnicas adecuadas para utilizar el instrumento.

RH: ¿Genetic Transmission se ha presentado en vivo en alguna ocasión?

GT: Hace algunos años, pero abandoné los conciertos. Prefiero la actividad en estudio. Además, mi música es creada empleando técnicas que no son prácticas en este tipo de presentaciones. Hice más o menos diez presentaciones como Genetic Transmission y algo así como una docena con mis otros proyectos (Ładne Kwiatki, Godzilla, Hated Bruit Kollektiv).

RH: ¿Escuchas a algún artista en la actualidad?

GT: Entre los muy pocos álbumes que han atraído mi atención en tiempos recientes que puedo mencionar están "Sketches from that Autumn" de Ad Lux Tenebrae y "s/t" de Bernd Spring.
Además de ellos, otros proyectos contemporáneos que me agradan son Dieter Muh, Chaos as Shelter, las cosas asociadas con Tochnit Aleph, especialmente G*Park y lo que produce la disquera Aural Hypnox, especialmente algunos de los primeros trabajos que publicó. Pero la mayor parte de lo que me agrada es básicamente música de los ochentas y del principio de los noventas. Ignorando obviedades como el primer SPK, aprecio muchísimo el trabajo de P16D4/RLW, Brume, Architects Office, Stenka Bazin, Abner Malaty, etc.

¿Podrías hablarnos un poco más acerca de Hated Bruit Kollektiv? ¿Quiénes forman parte de este grupo?

Hated Bruit Kollektiv somos Rafał de Moan, Dawid de Noisens y yo. Realmente no recuerdo como es que el grupo se formó. Es un proyecto que existe más en forma de colaboraciones que como una banda en forma.

¿Qué planes tienes para Genetic Transmission o para cualquiera de tus nuevos proyectos?

En New Nihilism, Hated Bruit Kollektiv editamos el concierto "Action 1" en CD, el cual acaba de presentarse en este año. También acabo de producir un CD de Genetic Transmission llamado "Selected Works 2007-2008" y estoy trabajando en mi nuevo CD.

¿Qué opinas respecto al hecho de no ser tan conocido a pesar de la gran inversión financiera, creativa y musical que tu trabajo implica? ¿Cómo observas tu trabajo con respecto al de otras, más conocidas y recientes bandas?

Nunca me ha importado ser famoso. No me promuevo ni a mi trabajo en forma alguna. Lo hago por mí mismo y por mi propia necesidad creativa. Me agrada mucho y obtengo placer de ello, y si alguien más también lo hace qué bueno. Tampoco pienso al respecto ni comparo mis creaciones con las de otros porque quiero hacer mi propio trabajo del mejor modo posible.

¿Dónde pueden conseguirse tus trabajos (además de Tochnit Aleph)?

De hecho, me quedan pocos, la mayor parte de mis discos están fuera de existencia, pero no son ediciones limitadas, así que en algún momento se encontrarán nuevamente disponibles. Muchos de mis discos se encuentran en distribuidoras como Beast of Prey y Nefryt.

ruido horrible desea agradecer a Tomasz Tardawa por su amable cooperación en esta entrevista. ¡Asimismo, en un tenor más personal, quisiera agradecer a mi amigo Kris Włodarczyk por haberme introducido en el mundo de este fabuloso proyecto!

A continuación, ruido horrible presenta una breve introducción a la música de Genetic Transmission, sugiriendo que visiten su sitio, para poder darse una idea del complejo mundo que este proyecto habita, así como para escuchar algunos fragmentos de sus trabajos. Realmente, pocos artistas actuales ofrecen tanto por el precio de un disco como Tomasz:

Genetic Transmission - My Inspiration Is You (Die Schöne Blume Musik Werk, s/n, 2004)

"My Inspiration Is You" parece estar fuertemente influída por el clásico de culto "Eraserhead;" un par de sampleos de las voces de Henry, personaje principal de la opera prima de Lynch, teje ciertas conexiones respecto a la posible influencia del filme en la composición del trabajo. Pero, como con todo lo demás, esto es todo; nada puede afirmarse ya que la información es tan mínima y las palabras son tan pocas. Del mismo modo, el empaque, totalmente hecho a mano, con lo que aparentan ser vendas manchadas -¿de qué?- pone la mente del que le observa a volar.
Eso, claro, sin contar la música; sumamente consistente y dinámico, el cuadro de sonidos que conforman las seis piezas contenidas en este trabajo jamás deja de evolucionar entre los tantos sonidos sintéticos empleados para reunir esos paneos desorientadores y los resuellos metálicos de los instrumentos que Tomasz Twardawa manipula para crear esos ruidos extraordinarios e inevitablemente atemorizantes. Cajas de música, ruido puro, cantos corales, pulsos inconstantes, toda una gama sónica que se repite y autodesecha para dar forma a una superestructura poderosa que demuestra gran maestría y contundencia. Difícilmente se puede pedir más de un disco.

Genetic Transmission - Untitled (Die Schöne Blume Musik Werk, s/n, 2006)

La segunda muestra del trabajo de este músico polaco que tuve oportunidad de escuchar, como para contrariar cualquier posible asomo de incredulidad, resultó igualmente sorprendente. Un sólo track de alrededor de cuarenta minutos adecuadamente llamado "Untitled" se presenta en una otoñal funda hecha de hojas y papel texturizado, como la cubierta de un libro. Incluso tiene una costilla anunciando el título y una página que describe con brevedad los créditos del álbum: "compuesto, interpretado y masterizado por Tomasz Twardawa. noviembre a diciembre de 2005."
Un track que emplea estrategias muy similares a las que se pueden observar en "My Inspiration Is You": Sonidos procesados en reversas, mayormente de origen mecánico -no cuesta demasiado trabajo imaginar a alguien manipulando láminas, resortes y cajas de metal-, drones cuyos volúmenes suben y bajan, osciladores muy abiertos, y los ocasionales gritos y chirridos. Todo en "Untitled" está presto para invocar ese inimitable espíritu europeo del post-industrial; y Twardawa se toma su tiempo para hacerlo en forma.

Genetic Transmission - Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie (Tochnit Aleph, TA074, 2006)

Tiene sentido que además de presentar su trabajo en su propia disquera, Die Schöne Blumen Musik Werk, Genetic Transmission haya producido un par de obras en Tochnit Aleph, casa de Daniel Löwenbrück de Raionbashi, y usual refugio de otros trangresores sónicos como Runzelstirn & Gürgelstock, Sudden Infant y Dave Phillips entre muchos más. "Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie" es un disco que hace uso de recursos similares a los de la electroacústica, pero sin caer en la pedantería ni en la supuesta medición exhaustiva de componentes. Su empleo de los medios es en ese sentido mucho más enérgico e instintivo, bordeando por momentos en la tensión y la violencia características de trabajos de gente como The New Blockaders.
Los primeros cortes de "Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie"buscan la mesura en aras de forjar una concreción de ambientes. La imaginería sónica de esos primeros cortes es una retórica animalesca, de bestias y esfinges, repleta de susurrantes acertijos. El lenguaje de Twardawa es complejo; capa sobre capa de resuellos metálicos, de quebrantos mecánicos, va compenetrándose con los que le acompañan formando un híbrido impredecible de sonido casi netamente orgánico. Aún las manipulaciones posteriores buscan complementar esta complejidad, imitando y dando sentido.
El lenguaje de Twardawa sale por momentos de la oscuridad. En el segundo corte se distingue incluso un ligero dejo de kitsch a la Nurse With Wound; las constantes irrupciones de órganos, sonidos "incidentales," borboteos e instrumentos extraviados hacen inevitable pensar en la enfermera. Sin embargo, para Genetic Transmission, la lógica sigue siendo el sueño y, a diferencia de NWW, en su trabajo no hay cabida para el plunderphonics o algún otro extrañamiento estrictamente consciente.
Como en los más de sus trabajos, Genetic Transmission opta por el paulatino crecer. No es sino hasta los últimos cortes, el sexto en particular en este caso, que permite que el sonido llegue a sus niveles más inquietantes. Este corte final es puro ácido. Sus sonidos son derroches de golpes metálicos intermitentes que van sumándose hasta lograr un frenesí estertóreo.

Genetic Transmission - Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby (Die Schöne Blumen Musik Werk, s/n, 2002)

Un perro ladrando, objetos descartados de metal siendo acariciados, golpeados, arrastrados, intentos de definición tonal en instrumentos inexplicables, estática convertida en atmósfera: todos ellos, elementos que forman parte de ese mosaico delirante que es el sonido de Genetic Transmission, quien en "Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby," regala al escucha un espejo con el cual puede ver su torcido reflejo en un fabuloso juego diegético. Todas las imágenes de Tomasz contenidas en el librillo que hace las veces de estuche muestran, asimismo, su rostro deformado.
Grabaciones plenamente orgánicas chocan a toda velocidad con otras donde el pitch ha sido modulado, produciendo un embate de discordancias. Sampleos cortos se convierten en órbitas a través de las cuales corren fragmentos de mil sonidos diferentes arrebatados de sus contextos originales.
Tras unos cuantos cortes uno queda con la impresión de haber escuchado la edición al azar de una docena de situaciones sonoras totalmente distintas y sumamente lejanas entre sí; el inicio del quinto corte, por ejemplo, traza una clara referencia a las convulsiones de pastiches sonoros del clásico "One Day I Was So Sad That the Corners of my Mouth Met & Everybody Thought I Was Whistling" de Bladder Flask. Pero mientras este último trabajo no ofrece un terreno estable alguno, "Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby" se siente perfectamente estudiado y encuadrado. Los destellos de noise, por ejemplo, son tan vibrantes y brutales como los de cualquier intérprete de harsh, pero, además, su corte, perfecto, y su acomodamiento son pasmosos por su naturalidad.

Hated Bruit Kollektiv - All Beauty Is Our Enemy (Die Schöne Blumen Musik Werk, s/n, 2005)

Con su portada, parodiando a "Nevermind the Bollocks," uno pensaría que "All Beauty Is Our Enemy" es un disco insulso. Y, bueno, definitivamente no es tan ridículamente solemne como la música experimental llega a serlo, pero más bien cae en la categoría de desmadroso, juguetón. Este proyecto colaborativo entre Dawid Chrapla de Antybiotix y Noisens, Rafał Sadej de Moan y Tomasz Tardawa se siente libre y espontáneo, basado casi puramente en la inmediatez con que resuelven las intrincadas combinaciones sonoras que formulan. Sampleos con velocidades modificadas, atmósferas frugales, zumbidos que habitan desde momentos plenamente surreales hasta cúspides de abrasión ruidística. "All Beauty Is Our Enemy" es un carrusel sónico que se mueve con agilidad a través del tiempo, sin jamás sujetarse a ningún tipo de conformación formal, un fantástico debraye. (S.S.)

2010-02-05T16:16:00.000-08:00

Vomir/Mixturizer (R.O.N.F. Records, CSN-001, 2009)

La primera cinta en la historia de la disquera española R.O.N.F. Records corresponde a un split entre la banda de la casa, Mixturizer y el proyecto francés Vomir.
Con su inamovible pared de estática, Vomir, ataca sin piedad con un tema de poco más de veinte minutos de duración. El tema está centrado en el eterno retorcerse circular de frecuencias graves y medias y, bueno, nada más. Puro HNW, sin ninguna intención compositiva o seguimiento remotamente rítmico o tonal de ningún tipo. Estática pura convulsionándose hasta el hastío.
El tema de Mixturizer, "Negrativo," tiende, por su parte, al dinamismo, empleando también obliterantes paredes de ruido, aunque haciéndolas variar constantemente con ligeros cambios de frecuencia en los caóticos movimientos de su masa sonora. Los vuelcos hacia las frecuencia bajas son abismales y tienden hacia la proyección de zumbidos grotescos que van de estar cubiertos de gis a presentarse desposeídos de cualquier vestidura. Su alternancia va seguida de deslaves de herrumbre metálica, sofocante.
Dos visiones opuestas y complementarias del ruido más puro se presentan en este split. La exploración sonora en este trabajo se va, así, sin escalas, directo a los extremos, totalmente absorta en sus visiones de nihilismo sónico cerrado y radical. No hay más. Además, cabe señalar el fantástico trabajo de edición que le adorna con el que, me atrevería llamar, mejor arte para cintas que he visto en mucho tiempo. La calidad de impresión es perfecta, así como la elección de los materiales y los visuales. (S.S.)

2010-01-30T18:45:00.000-08:00

Nurse With Wound - Images/Zero Mix (Beta-Lactam Ring Records, mt103/mt201, 2008)

No les hago el feo a las colaboraciones que tuvieron por origen a este "Zero Mix," pero la verdad es que la versión original de Colin Potter y Steven Stapleton siempre me pareció la más lograda. Tras producir cuatro discos diferentes a partir de este material -tres de los cuales tenían mezclas distintas en cd y lp respectivamente- Nurse With Wound, a través de Beta Lactam Ring Records, finalmente produce, de forma asequible, ésta, la versión original.
Y es mi favorita, porque tiene un ritmo natural, porque no se siente como un tema hecho bajo presión ni bajo la necesidad de sorprender. El drone con que comienza este trabajo se siente terso, mitigado y perfectamente complementado por la suerte de percusiones metálicas que le acompañan. Su movimiento es fascinante e hipnótico y sus paneos son sibilantes. El total es grandilocuente y lleno de vida como una creatura reptante que desperdiga estas complejas turbulencias sónicas con cada movimiento.
El segundo corte finalmente acierta a ese desternillado juego de manipulaciones a volúmenes altos que se sentía tan fuera de contexto en las otras versiones. Los sonidos con los que se conjuga en esta ocasión son caóticos y oscuros, con una aceleración rítmica que se siente maligna y nocturna. Conforme el paso de la rítmica se vuelve más firme, NWW deja llegar la cuestión instrumental hasta los bordes de la kosmische musik más mística, con la recurrencia de un bajeo que se vuelve consecutivamente más frenético y la suavidad de un sax que no se empleaba en bastante tiempo en el trabajo de NWW. Este corte final, perfectamente amarrado al contexto de su predecesor, prosigue con el ideario cósmico de forma fascinante y deleitosa. Y a pesar de que el cierre es ligeramente más delirante y oscuro, la sensación final es la de haber asistido a una celebración sonora exhaustiva y gustosa.

Ahora bien, este trabajo es el complemento de otro, llamado "Images." Se trata de un libro de pasta gruesa que mide aproximadamente lo que el digipak de un cd y que contiene fotografías de las 100 pinturas con que Steven Stapleton celebró la edición de los tres discos originales en una exhibición en Irlanda. Estas obras, pintadas todas sobre vinilos, exponen los temas habituales en el arte de Stapleton: psicodelia, sexualidad, génesis, lo orgánico y lo alucinante. La calidad del trabajo de este librillo es excelente. Disco y libro se reúnen en este paquete que, sobra decirlo, es obligado para los fans de la enfermera. (S.S.)

2010-01-29T16:18:00.000-08:00

Kevin Drumm - Imperial Distortion (Hospital Productions, HOS-134, 2008)

Tras años de haberse consagrado como un titán del ruido, Kevin Drumm decide en 2008 dar un giro absoluto a su sonido con "Imperial Distortion." Este disco doble muestra a Drumm invirtiendo en un sonido tan orgánico y completo como es su costumbre, sólo que ahora explorando los terrenos de una suerte de ambient desbocado, más ríspido que etéreo y, eso sí, profundamente inquietante.
El primer corte de "Imperial Distorsion," titulado "Guillain-Barre," es muestra de la falta de adecuación del sonido de Drumm a los sistemas estereotipados; el sonido, sin más, se escapa de las convenciones de los límites sonoros, probando los alcances de las bocinas y de los tímpanos del escucha con las intensas vibraciones de un drone, cerrado, metálico, que cubre casi por completo una atmósfera estilizada y fluida. "More Blood And Guts" es un tema que diluye su relativa calma entre los violentos degradados de tonos medios al tope, brindándole al primer segmento del corte una sensación de opresión pesada y abrasiva. El embate con tonos medios prosigue en el siguiente segmento, que más bien se siente como una escena, y que traza un sendero un tanto más caudaloso, con un movimiento acompasado, pictórico y recurrente. Hacia la tercera parte de esta pieza, el sonido se ha vuelto tan disperso que el movimiento tonal se vuelve prófugo y fantasmal, como buscando la extinción. Pero al borde de la desintegración, la fuerza se recobra haciendo trenzas de tonos que se deslizan en eternos vuelcos. La encargada de cerrar la primera parte de este álbum, la primera parte de "Snow," la cual ya había aparecido orginalmente como un cassette single también en Hospital Productions, es una poderosa descarga de oscilaciones clavadas en una profusión de subtonos demoledores, totalmente concretos, que engloban una dinámica cuidadosa y velada. Tras el abuso de los tonos medios, Drumm se concentra finalmente en la vejación de la parte más grave del espectro, transmitiendo casi apenas vibraciones que escapan de una representación plena por ser tan ominosamente desmesuradas. El poderío de este corte es tan absoluto que todo el espacio se vuelve tóxico, envuelto en una nube paralizante y asfixiante.
El segundo disco que compone "Imperial Distortion" comienza con un guiño al dark ambient más industrial. Pero esta impresión rápidamente se desdibuja ante la vuelta hacia las oscilaciones que trae esta versión de la segunda cara de "Snow," generando juegos melódicos circulares, lentos y hasta por momentos dulces, aunque eternamente degradados por la decadencia de la distorsión que la saturación siempre trae presente. Los sonidos de "Snow" se asemejan a visiones percibidas tras un cristal empañado, dejando pasar parte de su radiancia y generando imágenes nubladas, deformadas, inciertas. "Romantic Sores" vuelve a jugar con los límites, trasladando lo amenazante de los cortes anteriores a tonalidades más altas, probando los límites del escucha, volcándose sólo un poco sobre este furtivo ataque, para luego sólo cortarlo abruptamente y regresar con un tema nucho más neutral. Una profusión de sonidos graves que se deslizan ágiles, con brillos melódicos introspectivos y nostálgicos se apodera del corte y da el momento de mayor paz al álbum. La tercera parte de este corte entonces cae en un momento de quietud minimal sorprendente, bordeando delicadamente en lo etéreo. "We All Get It In The End" es un tema lleno de sonidos brotantes, más claramente definibles e identificables, procedentes de sintetizadores. El tema corre sin mayor escudo que la propia espontaneidad de su creación, libre y brotante, hasta toparse con su final, cierre digno de un álbum fascinante.
"Imperial Distortion" se trata de un trabajo que sin más se deja llevar hacia los abismos de la incertidumbre, como una suerte de comentario sumamente radical, y a pesar de ello, declaradamente impotente. Las imágenes que acompañan el disco -una foto que muestra tanques americanos en Irak y un llano cubierto de basura- siguen intentando dar forma a este discurso impronunciable, críptico.
Con esta extensa lección de oscuridad, Kevin Drumm muestra como hay un poder oculto, inherente a las representaciones más delicadas. Drumm así pone a prueba la capacidad del escucha de apreciar, más allá de lo inmediato, el peso, la fuerza que conllevan las creaciones más discretamente revolucionarias, haciendo eco de gente como Andrew Chalk, Asmus Tietchens o William Basinski. Un clásico. (S.S.)

2010-01-22T17:41:00.000-08:00

Nurse With Wound - The Musty Odour of Pierced Rectums (Beta-Lactam Ring Records, mt056b, 2008)

"The Musty Odour of Pierced Rectums" es, entre los seguidores de NWW, uno de los trabajos más emblemáticos del grupo de la recién extinta década. Sin embargo, se trata de uno que había estado prácticamente enlatado por 6 años, ya que se había ofrecido inicialmente como complemento a una de las múltiples versiones que Beta-Lactam produjera de "She and Me Fall Together in Free Death." Beta-Lactam finalmente decide recurrir a la fama de este trabajo y reeditarlo como un lp tan lujoso como puede haber: La funda es de un papel de tanto grosor como he visto jamás empleado en este tipo de menesteres, brillante, y el vinil es de un tono café/dorado que la propia disquera llama color "diarrea de bebé." Marcando la diferencia, a pesar de tratarse de vinil de color, la calidad de reproducción es absolutamente perfecta. La edición es, en pocas palabras, perfecta.
Tras escuchar apenas los primeros minutos de la grabación resulta obvio porque es que este trabajo recibe tanto aprecio por los seguidores más fieles de la banda; se trata de uno de esos abismos de extrañeza donde el material sonoro se muestra proveniente de orígenes francamente disparatados e imprecisos. El juego de collages sonoros adquiere en este trabajo una cualidad vibrante y emergente; las constantes difuminaciones que acontecen a los largo del lp hacen subir y desintegrarse cuadros sonoros totalmente diferentes con una constancia que hace las veces de secuencia. Y el efecto es muy afortunado: oscuro, profuso e increíblemente confuso -lo que todo disco de Nurse With Wound debería ser.
Valdría la pena preguntarse cuántas veces puede NWW emplear el mismo material generando sistemas sonoros que suenen tan únicos. Los sampleos que Stapleton empleó en este disco pueden fácilmente ubicarse en anteriores y posteriores piezas de su discografía; sin embargo, en ésta en particular suenan tan perfectamente consecuentes con su entorno como para conformar una identidad sonora clara y diferente.
La segunda cara apunta, más que al esquizoide empleo de paneos y reverberación extrema de la primera, a una retórica profunda y pesadillesca. La primera parte de esta cara es sencillamente magistral, con sus brillos fantasmales dejándose pasar a través del polvo primigenio de un drone pesado y angustiante. De allí, Stapleton retoma los sonidos orgánicos a los cuales tanto les ha huído recientemente y que conectan aún más con el pasado más glorioso de la banda. La atmósfera que se cierne sobre toda esta cara bien podría desprenderse de la época de "Gyllensköld, Geijerstam and I at Rydbergs" u "Homotopy to Mary," así de surreal y enfermizo es este disco, que bien pudo haber sido presentado en una edición más grande la primera vez, siendo que fácilmente supera en calidad al disco al que servía de complemento. En fin. De lo mejor que pueden llegar a comprar, por un precio más o menos decente, en estos días. (S.S.)

2010-01-22T15:36:00.000-08:00

Bloodyminded - Phases: Three (Rococo Records, RCC-0030, 2009)

"Phases: Three" constituye la documentación en directo de dos trabajos de la etapa más reciente de Bloodyminded, "Magnetism" y la serie "Phases." Esta última viene a complementar el ciclo de abuso de feedback y oscura, maquinera violencia en sintetizadores -desprovista de líricas de ningún tipo- de la etapa presente de la banda.
El primer corte se llama "Phases: Three (Part One)" y es una furiosa improvisación que se vuelca al abuso del feedback en micrófonos tan habitual de Bloodyminded. Esta pieza no tiene un tema; se trata de puro ataque directo y certero, de chillidos puntiagudos de micrófonos al tope. Por si hiciera falta explicarla tras la lectura del mero título, "Girlfriend Attempts to Explain Schizophrenic Episode by Revealing Childhood Sexual Abuse," tema emblemático de su más reciente trabajo, el ya mencionado "Magnetism" permite ver una decadencia sónica abusiva, con sus oleadas de síntesis oscura. Más brutalidad y descontrol en frecuencias altas llega a través de "Shotgun Held to Face by Severely Crosseyed Addict While Attempting to Physically Remove from Know Drug House" (siempre me ha encantado ese título). La descarga de ruido de la catártica "Visiting and Ex-Girlfriend in the Hospital - Psychich Ward - 24-Hour Observation - Suicide Watch" es escueto y agonizante, durando apenas un par de minutos y complementando con gritos furiosos la escena de febril devastación. "Visiting an Ex-Girlfriend in the Hospital - AIDS Ward" es un sólo zumbido, como un canal de ácido y rugidos que circundan a través de su eje. Furioso y perturbador. Eso sin contar la delicia del coro de la audiencia al completar el anuncio del título por Solotroff. La segunda parte de "Phases: Three" cierra el disco completando así el ciclo de perturbación y abuso ruidístico al que Bloodyminded somete a sus escuchas con sus actos en vivo. Esta última improvisación es la más cercana al harsh noise en forma; su libertad y espontaneidad es abierta y sus descargas tan elevadas que acaban por devorarse unas a las otras.
"Phases: Three" fue grabado en vivo el 8 de Agosto de 2006 y se trata de un concierto particularmente memorable, ya que conjunta a la banda en su versión más extensa, reuniendo a Mark Solotroff con Nicole Chambers, Xavier Laradji, Pieter Schoolwerth e Isidro Reyes. La presentación del trabajo, como una caja de tres discos de 7 pulgadas en vinil blanco, hace esperar que la siguiente entrega de la banda, "Within the Walls," también cuente con un lanzamiento en vinil, pero, ahora sí, como un lp total de doce pulgadas. (S.S.)

2010-01-22T13:41:00.000-08:00

Nihilist Assault Group & Blue Sabbath Black Cheer - Planned Obsolescence (Gnarled Forest, GF32, 2009)

Nihilist Assault Group es el proyecto más seriamente aguerrido de Richard Rupenus de The New Blockaders, en el cual participan además los legendarios Mark Durgan, alias Putrefier, y Michael Gillham de Smell & Quim entre otros. Blue Sabbath Black Cheer es la banda de Stan Reed, conocido por la célebre y desaparecida PsychForm Records y por la presente y genial Gnarled Forest. Aquí se hace acompañar por Sean Dow y el también veterano wm Rage. En este vinil conviven, pues, dos gargantúas del ruido por derecho propio.
Como podía preverse, su primera entrega colaborativa -y ojalá primera de muchas- es, en una palabra, electrizante. Partiendo del silencio y dejando reptar a la distancia pequeños monstruos de ruido, ambos artistas conjuran un desborde ensordecedor de ruido blanco, amplio en ambos extremos. Graves rugientes. Agudos filosísimos. Cada generador de ruido sigue una rúbrica tan fuertemente entrelazada que, entre los miles de movimientos posibles, prácticamente no puede detectarse nada más que la estática, inmanente, furiosa, como una aparición inmóvil que, si pudiera, te devoraría vivo.

La segunda cara de "Planned Obsolescence" son oleadas fantasmales de ruido blanco, precipitándose crueles, sin mayor sentido que la cada vez más constante frecuencia de su abisal magnificencia. El trazo lejano de una secuencia de saturación corre entre los recovecos del mundanal de gis. Pero eso es todo. No más. Sólo ruido obliterante, conduciendo al escucha hacia el olvido en un delirio delicioso. Obligatorio. En serio me sorprende que aún no se haya acabado. (S.S.)

2010-01-12T19:33:00.000-08:00

Mixturizer - Mxtrzr (R.O.N.F. Records, RNF040, 2009)

Breves despuntes de tonalidades se desprenden de entre un caústico líquido sonoro. Señales tan torcidas entre sí que forman un estanque de ruido blanco difícil de escapar y que sólo hacia un rato dejan pasar los zumbidos y los sonidos degradados hasta el gis. Así comienza "Mxtrzr," la más reciente oferta sónica del proyecto de Manuel Cubas, Mixturizer. "Energía Adormecida," primer corte, no para de apuntar hacia arriba, inhibiendo cualquier traza de pensamiento, absorbiendo con sus abromadoras señales cualquier reacción o sentido.
"Electroshock Incesante" y "Decipher Dementia Decay" son cortes que uno podría más regularmente esperar de Mixturizer, por su ya bien conocido empleo de guitarra saturada de efectos corriendo contra un marco flexible de ruido relativamente ligero. Lo que hace de "Mxtrzr" un trabajo tanto más sorprendente se trata en realidad del empleo que Cubas hace del harsh noise en cortes como "Torturexploitation," "Pre-Senile-Dementia" o "Desgarradora Realidad" o del industrial más mecanizado de "Sin Forma Determinada." En "Desgarradora Realidad," precisamente, es donde mejor puede apreciarse el trabajo instintivo e inédito que Cubas realiza, atacando efectos con frenesí, creando sonidos que revolotean como aves eléctricas y que chocan con gigantescas moles de ruido o con totalmente imprevistas cacofonías cuasi beats. Por su parte, "Pre-Senile-Dementia" bordea en el HNW con su muralla impasable de distorsión y herrumbre.
Ante todo, "Mxtrzr" se constituye como el trabajo más variado de Mixturizer a la fecha, uno que dicta caminos a seguir y grandes despliegues de nuevos talentos y de oficios bien aprendidos. No se engañen, es en formato digital y tiene un arte fabuloso, pero este trabajo es pura brutal energía análoga. (S.S.)

2009-12-29T23:06:00.000-08:00

Ethnic Acid - Power Works (Industrial Recollections, s/n, 2009)

Ethnic Acid es el proyecto solista de Anthony Di Franco, cuya carrera lo ha visto convertirse en integrante de legendarias bandas como Skullflower o Ramleh. Estas grabaciones son, sin embargo, previas a su paso por estos gigantes y vaya que tienen una valía propia y una identidad totalmente única y lejana a cualquier remanente de las otras bandas.
Los 16 cortes que contiene esta recopilación provienen de la discografía que DiFranco generara entre los años 1986 y 1988. Casi todas estas cintas formarían parte de los catálogos de legendarias disqueras del underground británico como Broken Flag de Gary Mundy (Ramleh, Whitehouse), Birthbiter de Mark Durgan (Putrefier, Nihilist Assault Group) y su propia JFK.
Como podía esperarse tras este currículum, el sonido de Ethnic Acid no podría ser cualquiera; el primer tema incluído, "Severed from Life," basta para darse una idea de su potencial. Delirantes, mutantes escenas industriales fungen como marco a los furiosos arranques con que ataca la guitarra. "Il Papa" permite ver como el empleo que Di Franco hace de este instrumento es decididamente poco ortodoxo, con una suerte de riff que en realidad se limita a segmentar el movimiento y a contravenir el abuso de feedback.
Temas como las dos partes de "Sexodus" o "Battlecry" son oscuras explosiones de industrialismo sicodélico, en los cuales los patrones van siendo dictados por el inestable flujo de sonidos dislocados por la alteración de sus frágiles dinámicas. "Angel of Death" deja ver de donde salen algunos de los más profundos drones guitarreros del "IIIrd Gatekeeper" de Skullflower, con el obliterante peso de tonos graves, aplastantes que se mezclan con feedback y vocales incomprensibles.
"Spirit" es otra muestra de la profundidad que conforma el trabajo de Di Franco, con relieves dados por retroalimentación, sintetizadores y la alternancia de cajas de ritmo estableciendo una secuencia mezcla de toxicidad absoluta y delirio libre. La precisión de Di Franco puede evidenciarse incluso en su momento de forma más libre, como en "Reduce the Distance" en donde logra sostener un monolito de ruido industrial por más de media hora sin perder la capacidad de establecer ni dinámicas constantes ni todo ese caudal de energía.
En general, la calidad del material y de la producción invertida en esta recopilación es más que sobresaliente. Cuesta trabajo pensar que Di Franco realizaría todo este fascinante cuerpo de trabajo siendo aún un adolescente, como lo era incluso al volverse parte de Skullflower. Hasta donde tengo entendido, Industrial Recollections, disquera hermana de Freak Animal de Mikko Aspa, queda inaugurada con este compilado y con la reedición de "Inspirationals" de Trait, también reseñada aquí. Y, si ésta será la línea a seguir por esta disquera, bienvenida. Este material, imposible de encontrar hoy en día en su versión original, es simplemente excelente. En un año en el cual las reediciones fueron tan portentosas, ésta se sostiene como una de las mejores. (S.S.)

2009-12-29T23:03:00.000-08:00

OKOK Society - Third Side Experiment (Perineum, Perineum #025, 2009)

Una dimensión aparte. Senderos de magnetismo, imposibles de ver sin los ojos de OKOK Society. OKOK Society es el brazo aural de un misterioso colectivo galés que se hace llamar ORBE y que está dedicado más generalmente a la creación de anti-arte, collages, escritos de desinformación y escritura automática. "Third Side Experiment" se trata de uno de los pocos trabajos puestos a la venta por este grupo, en este caso a través de la disquera lituana Perineum.
"Third Side Experiment" resuena familiar en cierto aspecto; en su oscuro manto sónico flota la resonancia de aquella época del underground durante la cual los diletantes se apoderaron de los instrumentos musicales -o cualquier cosa que hiciera ruido- para crear sonido basado en sus propias reglas y que respondiera a sus ideas de representación exclusivamente. En cierto sentido, este disco me recuerda a aquellos geniales, confusos y corrosivos trabajos de bandas como Déficit Des Anneés Anterieures o Hirsche Nicht Aufs Sofa; su capacidad expresiva, a pesar de ser limitada, tiende a ver elementos sólidos donde un músico se perdería.
El primer corte es un ejemplo perfecto de ello; a lo largo de 46 minutos se extiende un manto de gis ineludible, constante y tóxico, que apenas se ve aumentado por una multitud de voces que van desplegándose poco a poco. Cantantes de ópera, operadores telefónicos, musitaciones indefinibles, voces extraídas de grabaciones de campo, películas, transmisiones de radio y miles de lugares más se apoderan del espacio alimentando sus fantasmales creaciones de vacío y desposesión. Y, bajo ese patrón, corre un track envolvente, mesmérico y sumamente inquietante que seguramente busca comunicar algo y que quizás lo logre. Habría que preguntarle al inconsciente.
Igualmente hipnótica resulta la segunda pieza. Compilando sonidos motóricos, conteos, y estática en combinación con el debris de estaciones mal sintonizadas, ruido puro, discursos inconexos, voces cortadas, filtradas, ahogadas. Fantasmagoría sónica pura.
"Third Side Experiment" es un disco que se da a notar. Podrías dejarlo correr intentando no ponerle la más mínima atención y sería inútil. Tras algún tiempo te consumiría. (S.S.)

2009-12-29T23:02:00.000-08:00

Schmerz - Old School Misantrophy (New Nihilism, NN1, 2007)

Con un ancla bien fija en las chirriantes cualidades del industrialismo europeo, Schmerz formula sus creaciones con una base evidentemente fincada en el power electronics. Como tal, es obvio lo que puede esperarse: circunvoluciones mecánicas de electrónica, feedback modulado, el ocasional martilleo industrial y las eternas vocales secas, frías, operadas por efectos.
La temática retrata escenas donde se critican los límites de la interacción social y su consecuente futilidad. Sin embargo, Schmerz a veces parece no llegar al punto, al negarse a nombrar a sus culpables directamente y sugiriendo, en vez de ello, escenas de horror un tanto elusivas y hasta fantasiosas. Schmerz sugiere con mucha ambigüedad a los posibles actores, pero difícilmente se reconoce a sí mismo como uno más en el juego de las convenciones y las hipocresías de las que nos hace participe la vida social.
Sin embargo, en lo personal encuentro que esta ambigüedad funciona; me recuerda un tanto a aquellos tiempos en que entender a la cultura industrial no requería doblegar convicciones ni admitir como válidas nociones francamente detestables. A "Old School Misantrophy" le ayuda el hecho innegable de que se trata de un disco tan bien hecho en todo aspecto. Su afiliación al sonido del power electronics es prácticamente impecable; la calidad de cada uno de los cortes está perfectamente detallada y la cuestión visual y de empaque es, sencillamente, excelente. "Old School Misantrophy" se presenta en formato pro-cdr (con una impresión excelente), acompañado por un librillo con cuatro insertos que detallan e ilustran las letras de cada uno de los cuatro temas contenidos en el disco. Francamente, la calidad de los materiales, impresiones y la contundencia del producto final fácilmente harían sonrojarse a más de una disquera profesional.
"Old School Misantrophy" es, en resumidas cuentas, un trabajo que recurre al género al que pertenece en su totalidad; es, prácticamente, power electronics por números: totalmente old school, totalmente europeo. Y ello no es necesariamente algo malo. Yo lo volvería a comprar. (S.S.)

2009-12-29T23:01:00.000-08:00

Yosemite I'Rig/Rene Hell - Linda Trip (Agents of Chaos, AOC7017, 2009)

La extrañeza se ha vuelto el elemento más representativo de Agents of Chaos, dedicada a presentar series completas de cintas hechas por artistas absolutamente desconocidos. No requiere mucha indagación descubrir que en realidad todos éstos -con la excepción de Earn- son meramente los seudónimos de Jeffrey Witscher, antes conocido por su aplastante proyecto de harsh noise, Impregnable.

Cada uno de estos heterónimos cumple la función de substanciar una creación sónica absolutamente diferente una de la otra. El pseudo split en cuestión entre Yosemite I'rig y Rene Hell -el cual ha resultado el más recurrido de sus alias- es una ofrenda a la descomposición creativa. La primera cara supuestamente contiene dos temas, "First Time (Oh Oh Oh)" y "Liquid Locker Room," pero en realidad se trata de una serie de temas ajenos intervenidos, a los cuales la velocidad les ha sido alterada -acelerada- y que quizás hayan sido modificados ligeramente. En total, de este tropel de temas, que según las notas incluídas fueron "grabados en vivo en el radio mágico, mariguano," sólo puede decirse que poseen un aura inquietante, fantasmagórico, el cual funge como preámbulo a los dos temas que representan el lado de Rene Hell, llamado "Kool Screen Saver."
Este lado, con el primer tema, "Ms Fans," se va abiertamente al empleo de sintetizadores en una vertiente declaradamente retro. Pesados y mecánicos tecleos dejan caer sus reptantes movimientos, mientras una serie de sonidos de algo que parece una guitarra se destienden frenéticos de una bocina a otra. Tras los desconcertantes paneos hay una serie de extraños elementos concatenándose: un sinte imitando a un didgeridoo, una voz cuyo pitch ha sido acelerado al frenesí más absoluto.
El segundo tema, "Maze Delete" se va a las atmósferas de videojuego obsoleto mezcladas con voces, nuevamente modificadas, y algunos espacios sonoros bastante más logrados. El total es un cuadro sumamente ácido, extraño. Lo más cercano a la demencia que Witscher ha dejado descargar en esta cinta sean quizás las delirantes ondas de sueños de opio que son los trabajos de The Skaters. Pero, con todo, esto se siente muy diferente. Como una extraña mezcla entre un muy mal viaje y un anhelo infantil. (S.S.)

2009-12-29T23:00:00.000-08:00

Eric Lunde a.k.a. Trait - Inspirationals (Industrial Recollections, s/n, 2009)

Eric Lunde ha estado activo en la escena ruidística/industrial desde 1981, como miembro de la alguna vez legendaria Boy Dirt Car. Hoy en día, Lunde sigue trabajando como escritor y ruidista y manteniendo relativamente vivo a su proyecto, Trait. Uno de sus esporádicos trabajos es "Inspirationals," reeditado este año por Industrial Recollections y publicado originalmente en 1988. El presente cd reúne en su complitud el contenido de la cinta sin modificaciones; la masterización es mínima y claramente puede observarse que se buscó preservar el sonido análogo sin embellecimiento ni distorsión alguna.
Esto hace de esta versión de "Inspirationals" una perfectamente adecuada para referirse al contexto industrial del cual proviene. En tal, no hay cabida para clichés ni intenciones generalizantes; cada momento de la cinta proviene de una enfermiza y quirúrgica obsesión con la obtención de un sonido gris, confuso, distorsionado, mecánico.
"Inspirationals" consiste en dos cortes que develan un quehacer de antropología sónica; a veces tomando elementos de otros entornos para conformar los propios, otras creando con base en una avanzada de electrónica hostil y maquinera momentos de pesadez industrial, repetitiva y monótona.
Lunde no tiene misericordia alguna para con el escucha. El trayecto que corre "Several Different Arrangements for Inspiration in Battle" es absurdamente inconstante. Esta cara se trata de materia prima en su estado más puro: Cortes profusos, inexplicables son la norma. Decadentes ataques sobre cintas deformadas: carretes obstaculizados, maquinarias desplazadas y velocidades modificadas son alternativas a los cortes de hombres cantando o hablando, entorpecidos por el violento y arbitrario proceso de edición.
El segundo corte "Several Arrangements of Side A Combined for Temporary Unified Action" es aún más radical en este aspecto, generando su contenido a partir de la yuxtaposición incesante de elementos -como lo indica el título- empleados en la que habría sido la primera cara del cassette. La combinación última tiene por resultado un largo track que por hilo conductor ocupa la pesadez de un teclado grave y herrumbroso y que ve revolver a todo lo largo de su extensión una casi aleatoria masa de chatarra sónica.
"Inspirationals" en definitiva no es un disco fácil. La falta de constancia de su conformación le hacen sumamente difícil de seguir. Pero al final, si se persevera, se entiende el porque de su trayectoria de oscura fascinación a través de los años. (S.S.)

2009-12-15T16:41:00.000-08:00

Squim - Zephirus (Olde English Spelling Bee, OESB#11, 2007)

"Zephirus" es un trabajo de constante hibridación. Siempre mutante, Squim alínea una serie de paisajes de sonoridades informes y frugales en este lp. Los movimientos presentes en cada uno de sus cortes son violentos retruecanos que atienden a la inmediatez, lacerando la estabilidad.
Squim es el pseudónimo de Chris Phillips. A pesar de que el proyecto ha estado activo desde mediados de los noventas, Squim no ha recibido la atención suficiente. Y, tras escuchar este genuínamente complejo y convincente trabajo, uno se pregunta por qué. El referente más obvio a los sonidos encontrados en "Zephirus" sería el sonido de alguien como Irr. App. (Ext.); del mismo modo que Waldron emplea la conformación de una unidad sónica profusa, en constante, paradójica fragmentación, Phillips genera imágenes sonoras que se transforman en instantes, dejando poco de su inicial identidad.
La primera cara de este trabajo, llamada "Nightingale Floor" comienza con el estrepitoso resuello de sonidos metálicos que se anudan a un paisaje etéreo, repetitivo, dirigido por el movimiento de paneos fluctuantes. Intromisiones de guitarras eléctricas anhelantes, juegos con grabaciones de campo, ruido blanco; en fin, un sinnúmero de atípicas yuxtaposiciones componen un esquema que devela lo efímero de la creación.
La otra cara, llamada "Trial by Cobra," ve una crecida de melodías descompuestas, la absorción de masas de sonido que se devoran unas a otras, el repiquear de sonidos que aparecen, a veces idénticos pero inversamente posicionados, a veces desvirtuados. Por momentos, la sublimación de alguna atmósfera es sobrecogedora, por otros su deformación conduce a una erosión cancerígena. Los bordes se disuelven y sólo quedan mareas de sinsentido aural.
"Zephirus" es un trabajo óptimo, que en lo limitado de su conformación alcanza a conducir al escucha a través de universos de sonido fébriles, incontrolables, en constante expansión. (S.S.)

2009-12-05T20:13:00.000-08:00

R.I.P. JACK ROSE

Desgraciadamente, nuevamente tengo malas noticias: Jack Rose, el más grande guitarrista que tenía el mundo, ha fallecido. Su música, como solista y como parte de Pelt, me ha seguido por años, iluminando momentos oscuros y dando color a mi imaginación. Se lo agradeceré por siempre. Descansa en paz , Dr. Ragtime.

2009-11-30T21:09:00.000-08:00

RUIDO HORRIBLE UPDATE 11 29 09

Proud to present this 2 new releases. Also, REDUCED PRICES FOR MOST BACK-CATALOG ITEMS for a limited time (Scroll down for a full list).

All prices are in US Dollars and without postage included. For international postage rates pm'me or calculate by yourself by adding:

In the USA and Central America:$3.00 for the first item and $6.00 for 2-5 items.
Everywhere else: $4.00 for one item. $7.00 for 2-5 items.
Distros/larger orders/trades send pm.
REGISTERED POSTAGE INCLUDED IN ALL ORDERS

Send funds via paypal to ruidohorrible at yahoo dot com

------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

RH046 KRIMINAALISET METSÄNHALTIJAT – VALKOINEN TERRORI (one-sided C60) $6.50

In "Valkoinen Terrori," Kriminaaliset Metsänhaltijat offer their own cinematic sound interpretation of the Great White Terror, en event during which the Finnish, caught between opposing political ideologies, fought a bloody battle that cost them thousands of casualties. Using samples of music and movies referent to this era, Kriminaaliset Metsänhaltijat sonically recreate a time of sheer horror and death. Containing unreleased recordings dating back to 1999, “Valkoinen Terrori” is 30 min of pure old school noise. Limited to 40.

sound samples:

Riitakysymys
Punainen Ja Valkoinen

RH036 RUBBISH (with TERRENCE FULLER) – THE KING OF TOMORROW CDR $7.50

Crazy and malevolent collaborative recording by Pat Rubbish and Terrence Fuller. 10 full tracks of demented/hypnotic noise basts. Full color artwork. Comes in rh style digipak. Limited to 45.

sound samples:
Hardened Hearts, Blackened Souls
Three Awful Toads

COMING SOON, NEW RELEASES BY: CONTENT NULLITY, RUSALKA, 1,000 PILOTS, TICA, AEA, GRANITKORRIDOR, CHRISTIAN GALARRETA/FIORELLA 16, IVAN CARREÑO, JOSH & THE 7/14 MOON and many more!!!

STILL AVAILABLE:

RH015 Le Scrambled Debutante - Symmetric Stupidity C60 $5.00
RH018 Winters In Osaka - No Compromise! CDR LAST COPIES $5.00
RH021 The New Parallelogrammers - Series of Snakes CDR $5.00
RH023 Slow Listener - I Like the Idea of People, I Just Don't Like People CDR $6.50
RH024 Fossils – Holocene Maximum C30 $5.00
RH030 Soriah - Marakame pro-cdr, 110 copies $8.00
RH032 Cold Turkey - Retribution C20 $6.00 LAST 2 COPIES
RH035 Wasteland Jazz Unit - Burrows of Indication CDR $7.00
RH035 Christopher Riggs – Happy Holidays C30 $5.00
RH043 D.A.F.O.S.M. – Viaje Arcaico (Armenia) CDR $6.50

2009-11-27T22:40:00.000-08:00

Kevin Drumm - Impish Tyrant (Dagda, Dagda 001, 2009)

Regresemos un poco en el tiempo. Antes de la serie imperial -esos dos, por derecho propio, fascinantes trabajos que han simbolizado su presente resurrección-, Kevin Drumm era considerado a lo ancho y largo del mundo uno de los maestros del ruidismo más extensamente brutal. Con un sentido prístino para detectar la rítmica oculta tras las murallas de sonido, Drumm confeccionó trabajos esenciales de noise. En 2004, un par de años tras la edición del mastodonte sonoro que es "Sheer Hellish Miasma," surge "Impish Tyrant" en Spite en una edición de apenas 50 copias. Ahora con la fundación de su propia disquera, Dagda, resurge afortunadamente este trabajo a un nivel más asequible.
Los primeros dos cortes de "Impish Tyrant" están llenos de imprecisiones guitarreras, mezcla de noise y metal. En el primero, golpeteos con plumillas a velocidades vertiginosas se combinan con los espasmos de la electrónica. El segundo es un negro charco de feedback manando sin cesar. Los bordes aserrados de esta madeja de distorsión van poco a poco cerrándose sobre las montañas de gis. Ambos son buenos. Pero apenas son el preámbulo a la locura por venir.
Conjuntando estos abismos de distorsión con recortes insospechados, delirantes mutilaciones de sampleos, hirientes chirridos, descargas de ruido blanco degolladas y otras linduras, Kevin Drumm hace de este corte muestra de cuán furiosamente espasmódico puede llegar a ser el ruido. Sin quedarse corto de la portentosa sombra de gente como Kazumoto Endo, este ruidista lleva sus visiones del sonido a un extremo sicótico de velocidad y dinámica con un perfecto entendimiento de la dimensionalidad del sonido. Un drone se apodera paulatinamente e imperceptiblemente del plano central, mientras las furiosas descargas de ruido se suceden unas a otras. Todo se convierte en embotamiento. Todo se convierte en locura y obliteración sensorial. Y así cierra. Sencillamente impactante. (S.S.)

2009-11-27T21:26:00.000-08:00

Vikki Jackman - Of Beauty Reminiscing (Faraway Press, FP09, 2007)

Vikki Jackman en "Of Beauty Reminiscing" crea un disco de musitaciones incorpóreas, repleto de una dulzura perfectamente delineada. Mientras una serie de frágiles sombras fantasmales corre en el fondo a través de sonidos henchidos de reverberación, se cimienta una distancia turbia y amenazante. Ante ella surge una armonía casi pictórica en un piano que coincide en la búsqueda del éter. Hay caídas en lagunas oscuras. Hay niebla a veces también. Pero sobre todo está la persistencia de un intento de representación de un momento lejano. Son líneas difíciles de trazar. Pero son conducentes. Y bellas. "Trapped in Whitenesses" es pues pura romantización sin palabras.
En "And Then a Blue Sky Overhead," la profusión se diluye dejando el lugar casi exclusivamente al piano, que destiende cuidadosamente nota tras nota de nostalgia. Sólo una serie de misteriosos sonidos recogidos de manipulaciones de objetos se atreve a enfrentársele. Quizás algunas notas que colaboran en su lenta desintegración. La plenitud de lo inminente se conforma. Pero lo inminente nunca llega; sólo queda este mágico preludio.
Dos cortes de belleza imperecedera enfundados en un estuche a la Faraway Press con un borde/inserto autografiado. (S.S.)

2009-11-26T20:13:00.001-08:00

R.I.P. JOE PAPA

(Paul Lemos, Chris Moriarty, Joe Papa)

Tristemente, ayer, precisamente apenas un par de horas después de recibir "Shanked and Slithering" por correo, me enteré que Joe Papa, legendario integrante de la legendaria y excelente banda Controlled Bleeding había fallecido durante la noche anterior, víctima de un paro cardiaco.

Quisiera con estas breves líneas rendir homenaje a este gran artífice de la contracultura, que hoy se reúne con su excompañero Chris Moriarty, fallecido el año pasado.

Descanse en paz.

2009-11-26T18:29:00.000-08:00

Astro - Personal Morning Mists (Scrotum Records, hode # 143, 2009)

Hiroshi Hasegawa es un maestro. Este ex-integrante de los míticos C.C.C.C. es capaz de crear fascinantes desplieges de imágenes sónicas perfectas entre la más absoluta abstracción. "Personal Morning Mists," originalmente producida en 1999, es una cautivadora pieza que se devanea entre lo etéreo y lo abrasivo, dándole a cada instante un aura de ensoñación difícil de escapar. Introspectivo y pesado, cada instante de esta pieza va afirmándose con una envolvencia casi sórdida. Densas nieblas elementales se cuelan a través de cada resquicio inundando la percepción entre sus cambios de fluidez y movimientos. La luz casi no pasa por aquí. Solamente pueden presentirse las amenazantes figuras.
"Spontaneous Night Dust" es una absurda, enorme pared de graves sintéticos que ríspidos, pero discretos, yacen inicialmente en el fondo, orillados por una pared de convulsiones analógicas. Místico y fascinante, cada instante va adquiriendo los consabidos tonos espaciales de Astro, coloreando la eterna noche mientras el grave muro se hace cada vez más evidente, hasta cobrar una forma casi dinámica. Poco dura esto y Hasegawa vuelve a sumirse en su nocturna entropía sintetizada, sólo para dejarla crecer hasta que parece estar a punto de desbordarse.
Otro excelente sueño sónico de Astro y una fantástica adición más al infalible acervo de Scrotum Records. (S.S.)

2009-11-16T09:37:00.000-08:00

The Nevari Butchers - Shatter All Organized Activities (Hanson Records, HN215, 2009)

The Nevari Butchers es el proyecto que Aaron Dilloway formó durante su estancia en Nepal por allá de 2005 con quien él mismo llamara "mi único amigo interesado en el ruido." Este proyecto , obviamente sin la adición de Ram Maharjan, ha tenido apenas actividad muy esporádica, tanto de manera discográfica, como en directo, habiendo sobresalido su presentación en el No Fun de 2008 con Hans Buetow y Greh Holger como parte de la alineación. Su actual encarnación presenta, igualmente, una alineación sobresaliente, con Wyatt Howland de los demenciales Skin Graft y Mick Travis emergiendo en apoyo de Dilloway.
En "Shatter All Organized Activities," su nueva cinta en Hanson Records, The Nevari Butchers se sostienen donde Dilloway abandonó un tanto la brutalidad (mientras comenzaba a trabajar en esferas relativamente más cercanas al arte sonoro). El comienzo del primer corte se siente así; corrosivo, industrial en pleno, inyectado de una rítmica maquinera pesada y recalcitrante. Pero claro, esto es apenas el principio; toda evolución en este orbe sónico debe tender hacia la descomposición. Las frecuencias que conducen al final de la cinta están tan torcidas entre sí y presentan formas que han visto tales mutaciones que luchan por hacerse presentes al grado que se bloquean unas a otras. Hacia el final todo vibra entre herrumbre, silencios, síncopes y distorsión extrema.
La segunda cara nuevamente se forja a partir de un ritmo maquinero, mecánico, constante como un engranaje. El movimiento de éste, cada vez más distorsionado, oblitera los lentos espasmos de electrónica que el trío ejecuta. Los conductos van cerrándose hacia un caos cada vez más descompuesto. La rítmica se convierte en un resuello. A punto de finalizar, regulando la distorsión, Dilloway cínicamente permite ver sus herramientas al descubierto; el loop de una voz femenina, girando interminablemente, dando díametro al eje sobre el cual el motórico ritmo gira.
Pesado, descompuesto, hipnótico, el sonido de The Nevari Butchers recaptura la violencia que caracterizaba el sonido de Dilloway de una forma espontánea. La adición del salvaje Howland sólo hace de este proyecto uno cada vez más tóxico y genial. Brutal. Ya hace falta un documento definitivo, en larga duración de este proyecto. (S.S.)

2009-11-15T15:21:00.000-08:00

Andrew Chalk - Goldfall (Faraway Press, FP 06, 2006)

La carrera de Andrew Chalk comienza en 1985 con el legendario proyecto de culto Ferial Confine. Aún desde estos primigenios momentos, Chalk consiguió sentar bases con sus emblemáticas representaciones de temas ambientales, las cuales se caracterizarían por la tangibilidad de su sonido, asì como por su riqueza elemental. Durante los 24 años que se ha extendido su carrera, este músico ha tomado un papel central en la escena subterránea gracias a sus consitentemente afortunados proyectos y a la calidad y al alcance de sus colaboraciones con figuras icónicas del submundo sonoro como Organum, The New Blockaders y Vortex Campaign, así como por sus constantes apariciones como parte formal de los grupos Mirror y Ora.
Curiosamente, no es sino hasta la década presente que la carrera de Chalk ha vivido algunos de sus momentos más prolíficos, constituyendo, durante la primera mitad de ésta, la fascinante discografía de Mirror junto a Christoph Heeman y Andreas Martin, para posteriormente, con la disolución de este grupo, construir una enigmática serie de grabaciones solistas, cuya mayoría, han aparecido en su propia disquera, Faraway Press, la cual se ha dedicado exclusivamente a producir sus propios trabajos, o bien los de su colaboradora Vikki Jackman (quien por cierto ya ha producido un par de trabajos que realmente vale la pena explorar).
Precisamente con Jackman, Chalk graba "Goldfall," un bellísimo delirio sonoro dividido en dos partes sin título. Tomando forma a partir de la potencia que brinda la persistencia -valdría la pena recordar el "Thursday Afternoon" de Eno como referencia, Chalk consigue crear en estos dos cortes un trabajo de características oníricas y visuales que a través de su paso, terso y delicado, convierte al tiempo en ambrosía y a las imágenes en momentos.
El movimiento del primer corte es minucioso; cuidando cada uno de los pasos que da el circular flujo tonal, Chalk y Jackman permiten que la magia se realice en esos instantes contemplativos que siguen al lapso entre una y otra nota. Los delicados brotes de reverberación y sustain que cobran forma, emergen como sombras que guardan cada una de los difusas figuras que las pinceladas sónicas perfilan hacia la desintegración. Conforme el movimiento se intensifica, una cada vez más sostenida cadencia merma un poco el aura de embeleso. Pero la cuidadosa e instintiva secuencia provee de un balance que, permitiendo la cercanía y la lejanía alternativamente, retrae, embarga, nubla y desintegra sin cuártel cualquier traza de obviedad.
El segundo corte muestra la reversa de este tema, volviendo a contar la historia que había contado el primer tema, pero haciendo que el efecto le dé una suspensión aún más fantasmal a cada delicado movimiento. Cada vez más flujo hacia una cada vez más perfecta inmanencia.
En "Goldfall" no hay nada que entender. No hay nada que contextualizar. Sólo existen en sus doradas cascadas de sonido susurros de lejanía nostálgica, de riqueza imaginativa, de sueños.
Editado originalmente por la misma Faraway Press en formato de lp limitado a 300 copias, la presente edición de "Goldfall," en cd, viene acompañada de un inserto autografiado por Jackman y Chalk y con una cubierta tipo mini-lp de factura casera. (S.S.)

2009-11-14T08:33:00.000-08:00

The Haters - The Haters, In the Shade of Fire (Hanson Records, HN206. 2009)

"Caigo en pedazos cada vez que escucho el sonido de cristal rompiéndose. El sonido del fuego calienta mi corazón. Me siento profundamente conmovido cada vez que escucho un choque de autos."

Éstas son algunas de las palabras que acompañan la re-edición del clásico primer lp de The Haters, "The Haters, In the Shade of Fire," puesto a la venta este año por Hanson Records. Quien aún no lo sepa, probablemente se sorprenderá al saber que G. X. Jupitter Larsen, además de ser uno de los noiseros contemporáneos más constantemente fascinantes, es también un gran artista visual, videoasta, performancero, además de un escritor más que competente. Una de las carácteristicas de trabajos como éste o "Death Defying Sickness" -por mencionar alguno- es la búsqueda por un equilibrio que dé sentido a su trabajo con respecto al ideario fantástico que conjuga con sus palabras. "El machacante, vibrante murmullo de la entropía me es agradablemente intoxicante. El ruido es placentero. El caos es reconfortante." escribe Larsen, y con la atemorizante reunión de sonidos que concatena en "The Haters, In the Shade of Fire," parece estar representado, con exactitud, este sentir.
Cada uno de los cortes de este trabajo toma por origen sonidos de maquinaria, fuego, colisiones y explosiones entre otros muchos ruidos, algunos imposibles de distinguir. Jupitter convierte cada uno de estos funestos símbolos auditivos en una masa de ruido de un sentir orgánico ineludible y de una cualidad formal cerrada. "Gsalm," en su convulsivo y repetitivo andar, reúne el poder del sonido de disparos convertidos en grisáceas percusiones que se ven intervenidos por la musicalidad de la repetición del sonido de un vidrio estrellándose. "Explosions 3," como lo indica su nombre, es un tema formulado exclusivamente a partir del reciclaje de sonidos de explosiones. Siendo las detonaciones el único remanente de una rítmica definida. "Bebas" y "Thuch" parten del empleo de sonidos metálicos vueltos laberintos de golpes, de mecanismos en funcionamiento, en una ausencia casi absoluta de musicalidad: ruido industrial como jamás pudieron hacerlo los propios industriales.
En buena medida, "The Haters, In the Shade of Fire" puede entenderse como una suerte de ideario primigenio de la carrera ruidística de Jupitter Larsen. Esta colección documenta con precisión su reorganización de los remanentes de sonido desprendidos del contexto de la modernidad y reinsertados a una dinámica creativa que, sin compromisos y con un gran carácter imaginativo, busca extrañarse de las obviedades de la musicalidad, centrándose en la potenciación del sonido crudo y portentoso. (S.S.)

2009-11-14T07:41:00.000-08:00

Víctor Morales - Overexcited (Baalte, s/n, 2009)

Víctor Morales en "Overexcited," echa mano de la abusiva edición que caracteriza al plunderphonics para crear un trabajo que toma por base la descomposición y la fractura de otros trabajos sonoros. Recogiendo fragmentos de canciones de corte primordialmente comercial (disco, house, salsa) y discursos de presentadores de radio en diversos idiomas, Víctor realinea, descompone, fracciona y soprepone cada uno de estos diminutos elementos en combinaciones dictadas por una lógica efímera y mutante, configurando un sistema donde el absurdo y la referencialidad son los elementos principales.
En sus ediciones, Morales libera la radicalidad de su antidiscurso mediante el empleo de herramientas de edición, tales como constantes paneos que brotan casi aleatoriamente por cada posición posible, así como reversas y cambios de tono que buscan despojar a -o quizás hacer burla de- la parte disecada aún más con respecto a su degradada identidad.
En total, "Overexcited" contiene ocho cortes, los cuales corren como uno solo y cuya duración apenas se extiende sobre los diez minutos, lo cual realmente es suficiente para la licuadora cerebral que conjugan sus frenéticas manipulaciones. Editado por la joven disquera española Baalte con arte perfectamente complementario. (S.S.)

2009-11-06T15:42:00.000-08:00

Klinikal Skum - Chosen Powerless (Expectorant Recordings, EXP005, 2009)

Klinikal Skum es el proyecto "autoterapeútico" de Ryan Oppermann, mejor conocido por su trabajo como Redrot. Lo más inmediatamente notorio de "Chosen Powerless," su más reciente trabajo, es su casi total alejamiento del power electronics, optando, en vez de ello, por un sonido orgánico muy completo y pesado, pero, sobre todo, sumamente minimal. Las cinco escenas, descritas por el mismo Oppermann como "five succesful autotherapeutic sessions," evocan un letargo sensorial, una caústica inmersión a los abismos del horror sónico, donde los sentidos yacen adormecidos por la ciega, absorta linealidad de los espesos drones.
"Adherence to Psychosis," por ejemplo, es una perturbadora secuencia de imágenes industriales, donde una obliterante secuencia de sintetizadores va conduciendo sección tras sección de polvo en forma de ruido, drones y vibrantes descargas de síntesis. "Do Not Forget" es una caída en picada en una densa niebla sónica, donde los drones permanecen inamovibles en su tensa inmanencia, lo mismo contemplativos que aterradores.
Cada uno de los temas es sostenido por el marco conceptual que ofrecen unas cuantas palabras respecto a alguna característica de la esquizofrenia. Éstas son posicionadas como introducción a cada uno de los cortes, siendo más o menos una alusión sonora directa al empleo de vocales del primer SPK, con su retórica fría y clínica incorporándose al caudal de la ponzoña sonora. Un gran documento del sonido industrial, poderoso y enérgico, que logra posicionar todo su peso en una inmanencia enferma y paróxica sin debilitar su fuerza en lo más mínimo. (S.S.)

2009-09-26T18:01:00.000-07:00

Screwtape – Fist of the Sun (Solar Anus, Solar Anus 1, 2009)

La primordial fuente de inspiración de Andrew McIntosh parece ser el sol, aunque no desde una perspectiva de declarada admiración. Las inclemencias del astro sobre las tierras australianas en tiempos recientes parecen nutrir el trabajo de McIntosh como Screwtape a un grado absoluto. “Fist of the Sun” es una cinta lenta y vibrante repleta de representaciones sonoras de la abrasión y el disgusto ante el calor más extremo. Los cinco temas que componen este trabajo están dedicados precisamente a la ola de calor que azotó algunas regiones de Melbourne a principios de este año, según hace notar McIntosh, la más cruenta y elongada ola de calor desde los años treintas.
Los sonidos son así: secos, circundantes pero con un sentido de dinámica aletargada, angustiosa, agonizante. “Oppressive Night II” es así de árida y consistente, sin mediación alguna, sonidos estertóreos, maquineros. “Fourty Plus” y “The Encroaching Heat” son abrasión y muerte lenta, el ruido borboteante de pieles henchidas bajo la violencia del astro padre.
De composición relativamente austera, los sonidos que se registran en “Fist of the Sun” están basados en el empleo compulsivo de sintetizadores y procesadores. Las dinámicas son lo de menos; aquí lo que más cuenta es el aterrador despliegue de infexibles formas que se sostienen implacables a discreción. (S.S.)

2009-09-26T16:52:00.000-07:00

v/a - Pardon Me for Barging in Like This... : M Squared Rare Recordings 1979-1983 (Vinyl On Demand, VOD62, 2009)

Con la caja dedicada a la disquera australiana M Squared, Vinyl On Demand prosigue con su incesante búsqueda de la quintaesencia de la nostalgia audiofila. Esta ridículamente lujosa caja, como ya es costumbre, contradice en buena medida el inicial presupuesto de simplicidad de las más de bandas reunidas, como si se tratara de formalizarlas en una suerte de canon de la esotérica sónica.
"Pardon Me for Barging in Like This" está compuesta por cinco lps, de los cuales los primeros cuatro son correspondientes respectivamente a Scattered Order, Patrick Gibson/The Systematics, The Makers of the Dead Travel Fast y A Cloakroom Assembly. El quinto lp, titulado "Selection: Your Company's Logo Here," se trata de un compilado que incluye cortes no publicados y rarezas de estos, ya de por sí raros, conjuntos australianos. Además de los ya mencionados combos y artistas, pueden encontrarse cortes de Prod, East End Butchers, Shane Fahey y varios proyectos más relativos al prolífico Patrick Gibson. Asimismo, se incluye un enorme booklet de 12 pulgadas y 16 páginas, el cual contiene arte orginal de banda y disquera, fotos, flyers y notas por y acerca de la mayoría de los protagonistas de esta historia. La versión para suscriptores incluye además una playera y "What We Did in the Evenings,"un 10" que recoge el inédito set en directo que The Systematics ofrecieron abriendo para The Cure en 1981 en Sídney.
De modo similar a lo hecho por la Vinyl On Demand con "The Insane Box," la cual reúne una selección de actos relativos a la disquera Insane, "Pardon Me for Barging in Like This" recoge un muestreo de la significación que la disquera M-Squared Recordings, fundada por John Blades en 1980, tuvo como vehículo de una sección significativa del underground australiano. La música contenida aquí, irónicamente siendo apenas una muestra limitada con todo y sus 5 lps, puede ofrecer una vaga, aunque sumamente afortunada, idea de la profundidad y diversidad de la escena de un país que vio nacer a SPK, Birthday Party, Foetus y Severed Heads entre otros.
¿Qué atracciones pueden guardar para el experimentado escucha contemporáneo estos atisbos a una compulsiva nostalgia ajena? Para empezar, está el hecho de que la música contenida en “Rare Recordings” fue concebida en una época tanto menos imbuída en el cinismo; un momento en el cual la creación musical independiente podía devanear entre quedarse en la esfera de la composición pop o la de la experimentación y el avantgarde. Por ello mismo, a mis oídos, la genuina y hasta relativamente ingenua música de estas bandas es tan impactante; cortes como “Hydrobes” de Patrick Gibson & The Systematics, o “Jacinto” de The Makers of the Dead Travel Fast resuenan con todo su poderío diversificante como algo ausente de la noción del tiempo, algo que ha escapado a las garras de lo efímero; resuenan a un amor por la creación artística que no conoce límites y que puede darse el lujo de llegar lejos sin caer en espejismos de radicalidad.
Por otra parte, está el hecho de que la nutrida colección de sonidos encapsulada en esta caja es absurdamente contrastante, no sólo entre las distintas agrupaciones, en algunos casos incluso en el registro de una misma banda. “Tsk! Not Another Bloody World!” de Patrick Gibson & The Systematics, por ejemplo, varía entre uno y otro corte, del bordeo con lo progresivo de “5/4 Fisted Tales of the Holy Trinity,” hasta el empleo de sampleos dirigidos hacia la épica cuasi-dadaísta de “The Master Plan Ain’t Worth It,” bien pudiendo rivalizar en cualidades con algunas grabaciones ochenteras de Nurse With Wound. Los cortes de The Makers of the Dead Travel Fast a veces suenan tan poderosos como si se trataran de las inflexiones de una banda punk, pero salpicada de la visión creativa de Tuxedo Moon (como en los casos de “Vexing Questions,” “Broken Down Mission” por ejemplo, o “Everyone a Winner” con luces de cabaret incluídas), otras como una banda de línea absolutamente experimental, removida de cualquier noción regular de melodía o buen gusto (“Sea Heads 1” y “Sea Heads 2” son claros ejemplos). A Cloakroom Assembly, a pesar de las atmósferas oscuras y los arreglos en bajo de los que por momentos se deja acompañar, no puede encubrir la naturaleza fría de minimal synth que permea por cada uno de los secos compases de su fórmula en cortes como “Drolling Rolling” o “Tom Salted.” Y por esa inicial impresión de austeridad instrumental es que cortes tan logrados como los ensoñados y elípticos“Retreat 1.11” o “Last Tuesday Night” no puedan menos que sorprender, o incluso embelesar.
El problema para el coleccionista radical será siempre el mismo: Vinyl On Demand difícilmente ofrece grabaciones completas. En el caso de “Rare Recordings,” como su propio nombre lo subraya, no se trata más que de la reunión de materiales de archivo abandonados hace mucho. Probablemente de otro modo, mucho de este material no hubiera visto la luz nunca de nuevo. En general, esto es suficiente valía para mí; no todos los días se encuentra uno con música tan propositiva cuya relevancia supere la del anaquel de los clásicos, exigiendo constante atención y cercanía gracias simplemente a su pasmosa calidad. (S.S.)

2009-09-22T22:33:00.001-07:00

Sewer Election - Kassettmusik (iDEAL recordings, ideal058, 2008)

Desde mi muy personal punto de vista, una de las pocas -se pueden contar con una mano- bandas de harsh noise de la actualidad que realmente está a la altura de sus predecesoras es la sueca Sewer Election, operada por el prolífico Dan Johansson. Sin embargo, del mismo modo que sus antecesores más logrados en algún u otro momento, Sewer Election ha ido evidenciando que tiene problemas centrándose en un campo sonoro tan estrecho; a últimas fechas, se le ha podido escuchar introduciendo elementos menos estridentes en su anteriormente perfectamente delimitado campo sonoro.
Esto parece haber minado un tanto su reputación -tan difícil de sostener en el epicentro del radicalismo que es el harsh noise. Esto es evidente al escuchar comentarios acerca de su nuevo larga duración, el cd "Kassetmusik" para iDEAL Recordings. Este trabajo contiene un sólo tema que, bordeando en los 42 minutos, encuentra sus cimientos en el minucioso seguimiento de loops y que, así, marca un giro total en la dinámica de Sewer Election. Los circuitos establecidos son ariscos, cubiertos de herrumbre sónica, faltos de brillo. Sus puntos de corte no están atenuados de ningún modo; cada órbita es un "click" inescapable, como de un disco rayado o como de una máquina oxidada.
Tras el comienzo, que repulsivamente recoge las arcadas de un hombre, Sewer Election se encarga de deshumanizar de una forma radical el ambiente. Hacia los 25 minutos parece ser que ha sido maquinaria la que ha tomado el control del audio, volcándose por una parte a producir sonidos instrínsecamente atonales -inténsamente graves y físicos- y por otra a recurrir a las incidencias de un paisaje sonoro árido cuyo único alivio llegan a ser ocasionales zumbidos.
Pero, realmente no hay mucho de que preocuparse, Sewer Election aquí no incurre en las fallas tan comúnes de los electroacústicos, estilizando algo que debería ser áspero; "Kassettmusik" es un trabajo feo, desagradable e incómodo. Durante el total de su duración, aún intentando evitar ponerle atención, hay algo tan oscuro, tan adverso en la naturaleza de sus sonidos, que es difícil no voltear con desagrado a preguntarse qué son todos esos malditos ruidos, esas frecuencias bajas que se cuelan por tu columna y te hacen añicos los vervios. Una visión muy interesante del ruido, una que recurre a patrones no tan bien instaurados y que intenta generar y explorar territorios supra-acústicos que son igualmente radicales aunque mucho menos explorados. A escucharse fuerte. (S.S.)

2009-09-22T21:40:00.000-07:00

Crank Sturgeon/Sterile Garden (Zuiveringliederen, RzQ ufE, 2009)

Crank Sturgeon representa uno de los aspectos menos conocidos del noise; desde 1992, el proyecto de Matt Anderson sigue un camino parecido al de ruidistas como Tarantism, haciendo empleo del ruido como un pastiche acústico continuo y autosuficiente. Sus creaciones ruidísticas son sorprendentemente intrincadas. Éstas generalmente se componen de múltiples series de sonidos corriendo disparadas mientras van alternándose entre paneos e intermitentes intromisiones. Asimismo, casi todos los sonidos se advierten producidos en directo por el mismo tipo de herramientas: micrófonos de contacto, latas, feedback, piezas de metal y ocasionales vocales. El proceso implica la concatenación y un seguimiento instintivo, frenético.
La lógica sonora de Crank Sturgeon opera como una serie de aparentemente erráticas yuxtaposiciones acústicas, casi todas originadas por estas muestras sonoras. En "CRaNk For PRATT - PaRt WoN" hay un buen testimonio de este quehacer artístico, lleno de vitalidad y fuerza, gracias al cual Anderson consigue llevar sus visiones de dadaísmo aural hasta sus extremos más delirantes. Noise que podrían gustar tanto a los seguidores de Irr. App. (Ext.) como a los asiduos a Macronympha.
Por su parte, Sterile Garden, alias de Jacob Deraadt, ofrece sus propias visiones disruptoras de lógicas convencionales. Su base sónica, proveniente de sampleos, forma un torcido y discontinuo trazo que se ve interrumpido por cortes y concatenaciones poco convencionales. Los sampleos que Deraadt introduce mediante el correr de cintas son modificados físicamente por la manipulación de cassettes, como denotan los chirriantes gemidos de las cintas avanzando y siendo abruptamente detenidas. El cuadro producido es uno en que múltiples universos de sonido se reúnen bajo la misma rúbrica de segmentos entrecortados y despojados de su primera identidad, sofocados por una inmersión en una colectividad anónima y obliterante. Este corte es mucho más cercano a la experimentación pura que al noise o alguna forma claramente delineada, por lo mismo, dista mucho de ser perfecta, pero sí logra en buena manera hacer revivir ese elemento transgresor que recientemente parece estar tan durmiente. (S.S.)

2009-08-21T16:52:00.000-07:00

Dave Phillips - Frogs Rain (Scrotum Records, Hode 149, 2009)

Dave Phillips es parte de Schimpfluch-Gruppe, un colectivo que habita algunas de las regiones más oscuras del underground y que, en las más de las veces, toma su materia prima sónica de sonidos producidos por acústica directa, usualmente relativa al abuso físico de su propio cuerpo. Sin embargo, aquel lado de su trabajo, no es el único; Phillips además se ha visto involucrado en tiempos recientes en el costantemente ignorado campo de las grabaciones de campo, como en el caso de "Frogs Rain" cdr doble para la alemana Scrotum Records.
En "Frogs Rain," Phillips emplea sonidos tomados de parajes como Tailandia, Vietnam y Suiza y los une, ensamblándolos y generando a partir de sus propiedades naturales eventuales concatenaciones. Ambas grabaciones están diseñadas como un ejercicio en cuadrofonía, en el cual cada uno de los discos corre como complemento al anterior ejecutando imágenes sonoras totalmente independientes aunque complementarias.
La obviedad del título bordea en lo sardónico; un disco reúne grabaciones de lluvias y el otro sonidos emitidos por ranas. Extrañamente y sorprendentemente, de manera similar a lo presentado por Christian Galarreta en su conferencia acerca del reciclaje sonoro en el Circuito Electrovisiones, los sonidos producidos por los batracios demuestran poseer cualidades sonoras sumamente extensas. Aunándole a ello la paulatina y delicada manipulación de Phillips, el conjunto produce un trance ambigüo, atrapado entre la realidad que se busca representar en pleno mediante la grabación de campo y su inminente deformación, provocada por el ensamblaje y la constante sobreposición.
A la larga, "Frogs Rain" reproduce un universo que adquiere dimensiones casi tangibles. Más allá de la posibilidad meramente documentalista, este trabajo ofrece una excelente muestra de la potencialización del sonido puro. Toda una experiencia. (S.S.)

2009-08-18T19:58:00.000-07:00

Phantom Pains - Disappointment After Disappointment (Beach House, BH003, 2009)

Phantom Pains es un extraño híbrido de todas las cosas oscuras; el correr del primer tema "Disappear for a While" persigue un fluir que suena prácticamente natural; los sonidos se convierten en agua que corre salvaje hasta tornarse en una espesa mezcla de espasmódico noise en frecuencias agudas y un cuadro que bordea en lo pastoral en las atmósferas. La mezcla crece cual marea, subiendo sin control, ciegamente. Un peso aún más plomizo se apodera del total al borde del caos y lo arrastra hacia un continuo vaivén mortal que le termina por ahogar en algún punto entre el silencio y la herrumbre de la cinta magnética.
Siguiendo el tema de las imágenes oníricas, aunque aún a mayor profundidad, "Disappointmente After Disappointment" mezcla los inhumanos gemidos de un drone metálico, filoso, con las cálidas ondas emitidas por teclados, que, flotando dispersos, no se deciden por dictar una melodía ni por adoptar una línea. Revoloteando entre disonancias, las notas abren y cierran sus trayectorías en busca del cielo. Nubes de estática aparecen y se desvanecen, alejándose amenazantes.
Pero el embeleso nunca se apodera totalmente de la pieza; la capacidad de Phantom Pains de conjurar una inminente ambigüedad entre el ensueño y la pesadilla es sorprendente. (S.S.)

2009-08-01T21:58:00.000-07:00

Fognozzle - Temple Woods (s/n, Creepsville, 2009)

"Temple Woods" es un trabajo que tras un pasillo de ruido practicamente invariable recrea todo un torrente de misterios sonoros. Fognozzle invirtió en la composición de este trabajo 20 años; según sus notas, esta cinta reúne sonidos provenientes de la constante recolección de grabaciones de campo, música incidental y voces durante dicho periodo.
El resultado es difícilmente previsible puesto que la compleja manipulación de esta multitud de registros logra producir formas sumamente diversas y en su mayoría lejanas a las originales, aunque, al mismo tiempo, los mínimos fragmentos que les contienen, develan, aunque sea parcialmente, su esencia.
¿Quién sabe cuántos fantasmas deambulan por el enorme corredor de sonido que este artista genera a partir de las voces de los árboles y el viento? "Temple Woods" se trata de espacios que hablan, voces que se reducen a frágiles memorias y música extrañada de su contexto primero. Es un extravío para el escucha que busca reproducir un anhelo y recrear a partir de éste un presente decodificado, retorcido, secreto pero perfectamente funcional. Una cinta sumamente interesante. (S.S.)

2009-07-14T09:20:00.000-07:00

Miércoles de Experimentación

A partir de este miércoles, ruido horrible estará presentando junto a la Galería Interferencial un ciclo de sesiones de experimentación sonora e improvisación. Las sesiones se llevarán a cabo a partir de las 5 de la tarde y concluirán a las 9 de la noche. Esta semana se presentarán Symmetric Voyage, Ramsés Guevara y Sinestesia. La entrada es libre.

2009-07-13T08:14:00.000-07:00

Bdong - Trite & Accesible (producido por el artista, s/n, 2005)

En la zona períferica a la dominada por el hype y el nepotismo del noise, a veces pueden encontrarse algunas de las mejores ofertas sonoras, a veces incluso superiores a las que se ofertan como angulares. El gran problema que presentan la mayor parte de estos proyectos es que muchas veces apenas lllegan a los oídos de unos cuantos para luego perderse en los localismos o en las profundidades de algún foro. Bandas de calidades atípicas como Knife City son ejemplos claros de como un buen proyecto, sin la suficiente proyección puede lentamente desintegrarse hasta terminar en el olvido.
Encontrar una gema discográfica de este tipo siempre me hace pensar en el tiempo -y en el dinero-perdido reuniendo colecciones imposibles de bandas y disqueras que, a sabiendas de tener un público cautivo, dan salida a ensayos y sesiones de jamming sin esencia ni consecuencia. Me es aún más chocante descubrir estos discos reuniendo cifras espantosas en ebay mientras otros trabajos, mucho más dignos, permanecen guardando polvo en alguna bodega, esperando que con un poco de suerte sean regalados a alguien a quien puedan causar un mínimo interés en vez de acabar en algún basurero. Tal es el caso de "Trite & Accesible," cdr limitado a cien copias del proyecto de Jonathan Yates, Bdong, y así fue exactamente como cayó este disco en mis manos.
En estos momentos he tenido la fortuna de tropezar con varias gemas de este corte, colecciones de esa extraña música nocturna que busca en los alaridos del ruido desperdigado la posibilidad de recrear una modulación, un sentido complejo entre los sonidos crudos y primitivos. Con una calidad orgánica apabullante, "Trite & Accesible" reúne cuatro extensos cortes dominados, más que por un tema, por una dinámica secreta que podría pertenecer a una óptica flexible e inspirada lo mismo que a una quisquillosa concatenación de elementos.
El primer corte, basado en los resuellos de un silbido -¿se trata de un sintetizador, de agún sampleo o de un silbato?- se cuela, desde las profundidades de las visiones nocturnas que le generaron, en la superficie, y se complementa por la pulsante, mecánica constancia de algún organismo sonoro que genera una suerte de tiempo. Luego, ondulantes, mántricos sampleos se repiten en una suerte de misticismo que, por primera vez se siente como algo humano, más que como una fuerza natural. El segundo corte, abriendo con las insistentes oscilaciones de algún sintetizador prosigue en esta difícil búsqueda por la esencia de la noche. El repicar y el martilleo de metales, unos sobre otros es tan mesurado como el de Niellerade Fallibilisthorstar, buscando ceder el plano central al trabajo ambiental, el cual, en cambio, se convierte en una masa obliterante de estática controlada y de sonidos turbios en eterna retroalimetación.
El tercer corte es una crecida que comienza, a partir de una conversación deformada por una espesa capa de ruido blanco, a elevarse como un portentoso cúmulo de melodía, un corte que deja ver, a pesar de la intensidad del ruido flotando a su alrededor, una suerte de delicadeza y un manejo cuidadoso del sonido. El corte final deambula por los mismos rincones, ofreciendo sonidos que van de la dulzura al misterio, haciéndose crecer, entrelazando sensaciones y posibilidades. Las texturas son variables, no se trata de un tema que crezca en una evidente elipse; Bdong deja que todos los elementos que inicialmente compusieran los temas anteriores vayan absorbiéndose entre sí. Los martilleos, los drones, la estática, las tonalidades; todos van reuniéndose para formar una composición que cambia de forma conforme va avanzando, forjándose, a veces como sólido monolíto de ruido, otras como cortina de complejas texturas sonoras.
Sería impreciso señalar a "Trite & Accesible" como un disco de noise. De hecho, Bdong en sus composiciones parece querer alejarse de lo tópico del género. Sí, por momentos su intensidad es enorme, pero, con todo, este disco es más cercano a esos trabajos que bordean en lo extremo; más adecuado para quienes disfrutan de la difusa composición de bandas como Organum o Mirror que de la evidente agresión del ruido -como demostró la polémica ocasionada por su inclusión en el boxset de Portland a cargo de Emil Beaulieau. Muy buena obra que vale la pena rastrear y rescatar. (S.S.)